Le Pop art raconte le genre du portrait

Eugen Dick, Portrait 75, 2022. Acrylique sur toile, 120 x 120 cm.

Bazévian Delacapucinière, Portrait PS118 Dans la nuit, 2021. Huile / acrylique / pulvérisation / encre sur toile, 100 x 81 cm.

Autoportraits pop : Warhol, Hamilton et Yayoi Kusama 

Pour raconter comment le Pop art a interprété le portrait, un genre aux origines lointaines, remontant même à l'Égypte ancienne, il est possible de se référer à l'œuvre de trois maîtres emblématiques du mouvement, à savoir Andy Warhol, Richard Hamilton et Yayoi Kusama. En particulier, ils se sont également aventurés dans la description de leur propre personne, en expérimentant l'autoportrait, un phénomène figuratif qui, bien qu'il se soit imposé dès le Moyen Âge, n'a atteint sa dignité artistique qu'à la Renaissance. Si l'on veut proposer une comparaison entre les exemplaires de ce dernier type de recherche artistique, il semble essentiel de mentionner, tout d'abord, le maître pop par excellence, Andy Warhol, qui, à plus d'une occasion, s'est essayé à l'autoportrait. L'Américain s'est consacré à ce dernier phénomène artistique à partir de 1964, lorsque, avec Self Portrait, il a transformé le genre en une représentation colorée qui, riche en contrastes profonds, poursuivait l'intention de capturer à la fois la beauté et la renommée de l'artiste, qualités notoirement attribuables aux célébrités les plus célèbres qu'il estimait. En même temps, Warhol considérait l'autoportrait, et le portrait en général, comme un support coloré, souvent traité avec des effets de décoloration, destiné à faire allusion à des significations encore plus sérieuses, comme la mort, car même les mythes ne pouvaient être épargnés par cette dernière. Décrivant le chef-d'œuvre de 1964, l'œuvre reprend les images d'une série de photos que l'artiste a prises de lui-même dans la cabine d'un centre commercial l'année précédente, à l'intérieur de laquelle il a été capturé portant des lunettes de soleil, un mackintosh et une position immanquable d'étoile, prenant forme dans un fond bleu. La même sérialité figurative de Warhol se retrouve dans le Self-Portraits 05.3.81, de Hamilton, une œuvre de 1990, qui reproduit un cliché des années 1980 dans lequel l'artiste s'immortalisait à l'aide de son appareil Polaroid. Cette image, dans le chef-d'œuvre en question, a été embellie par l'application de couleurs acryliques, devenant une impression agrandie, destinée à représenter la stratification du processus créatif du maître, ainsi que son approche des différents médias artistiques. Un processus similaire concerne également un autre autoportrait de Hamilton, à savoir Self-portrait with Yellow (1998), qui, synthétisé en une seule image, reproduit l'union susmentionnée de l'art pictural et photographique. Enfin, le dernier artiste " de référence " est la très populaire Yayoi Kusama et, en particulier, son Self-portrait de 2010, qui, vendu par Christie's en 2019, se caractérise par la vivacité de ses tons orangés, effectivement concentrés dans l'épaisse chevelure de l'effigie. Mais en réalité, si l'on regarde ce sujet de plus près, on distingue clairement une base de peinture verte qui, appliquée avant les couleurs fluorescentes, donne du volume aux boucles. "La reine des pois" ne pouvait cependant pas négliger le symbole de son travail par excellence, elle a donc recouvert la surface de sa peau de points beiges, jaunes et orange, des détails qui se transforment en une déclaration explicite d'identité artistique. D'autres détails sont richement disposés sur la surface et l'arrière-plan, générant un plan pictural extrêmement vivant, riche en couleurs et très distinctif et inhabituel. En outre, l'artiste a également pris soin de générer des références colorées, qui se concrétisent dans les tons orangés des cheveux, des lèvres et de la peau, et, en même temps, dans les tons violets des yeux, des sourcils et de la robe. Enfin, il est important de noter comment, dans la recherche artistique de l'artiste japonaise, les autoportraits marquent un tournant, capable de montrer le lien entre l'identité de l'artiste, sa condition et son point de vue créatif.

Lana Frey, Espoir, 2021. Huile sur toile, 130 x 110 cm.

Iryna Kastsova, Katy Perry, 2021. Acrylique sur toile, 100 x 100 cm.

Portraits pop : l'histoire continue avec les artistes d'Artmajeur

Outre les autoportraits susmentionnés, les portraits du genre précité sont également très populaires dans l'histoire de l'art, ainsi que dans le monde contemporain, dans lequel, désormais habitués au langage de la publicité, nous sommes pour le moins habitués à des images à fort impact chromatique, enrichies de messages et d'allusions similaires à celles du monde de la télévision, du cinéma, de l'internet et des médias sociaux. En fait, si l'on retrace brièvement l'histoire du Pop Art, il est né à la fin des années 40, une époque où la mentalité consumériste se répandait comme une réponse "positiviste" aux drames de la Seconde Guerre mondiale, "reconvertis" en un désir de vivre compulsif, superficiel et apparemment joyeux, réalisable précisément par la production, la consommation et la communication. Le contexte moderne, avec ses nombreux drames, s'inscrit parfaitement dans la mentalité susmentionnée, qui a même été enrichie, et rendue beaucoup plus complexe, par les nouvelles stratégies de production, de diffusion et de consommation des biens. Les portraits Pop des artistes d'Artmajeur, comme ceux d'Olivia Caballero González, Laurence Uzan et Alexander S Peuchot, trouvent leur place dans ce contexte de grande actualité.

Olivia Caballero González, Bi-sensuelle, 2022. Huile sur toile, 100 x 81 cm.

Olivia Caballero González : Bi-sensuelle

Le cadrage frontal d'un sujet intrigant, hypnotique et, en même temps, d'une ironie voilée, nous ramène au langage des publicités, pour lequel le protagoniste de l'œuvre semble être un témoignage excentrique. Néanmoins, nous nous trompons lourdement si nous pensons que le pop art "frivole" n'a jamais pris une position plus "sérieuse", comme il l'a fait à certaines occasions. En fait, la femme "masculine" de Caballero pourrait aussi être porteuse d'un message féministe plus complexe, révélant son affinité avec un chef-d'œuvre iconique, et en même temps provocateur, tel que Ice Cream (1964) d'Evelyne Axell. Ce dernier tableau exprimait les idéaux de l'artiste belge qui, à l'époque, prônait explicitement une libéralisation progressive de la sexualité féminine par le biais de l'art. Ce message a été concrétisé sur la toile par la représentation d'un visage féminin monochrome, saisi dans l'intention de lécher sensuellement un cornet de glace coloré, sur un arrière-plan tout aussi chromatique et vivant. L'image que nous venons de décrire, qui a de claires connotations sexuelles, poursuit l'intention de s'opposer à l'idée selon laquelle les femmes devraient avoir honte de leur sexualité, de sorte que, de la même manière, l'œuvre de l'artiste d'Artmajeur pourrait nous rappeler qu'il n'y a pas de sexe faible.

Laurence Uzan, Bouche, 1997. Acrylique sur toile, 30 x 30 cm.

Laurence Uzan: Bouche

Le récit de l'histoire de l'art est si riche qu'il est très probable de rencontrer dans le présent les "souvenirs" de ce qui a été. Il faut toutefois l'interpréter positivement, car les œuvres contemporaines représentent une sorte de stratification culturelle, où, parmi les récurrences, on peut aussi trouver des évolutions explicites de l'homme. Dans ce contexte, il apparaît évident, et plutôt évident, comment les caractéristiques du Pop art, très proches du consumérisme du XXe siècle et du consumérisme moderne, sont reproposées dans l'investigation figurative de notre époque, bien illustrée par le tableau Bouche d'Uzan. C'est précisément cette dernière œuvre qui présente un lien iconographique fort avec la tradition du mouvement susmentionné, dans la mesure où elle s'apparente particulièrement, bien que de manière tout à fait unique et originale, à l'un des sujets les plus iconiques de la recherche artistique de Tom Wesselmann, peintre, sculpteur et artiste américain. Dans le détail, cette "similitude" concerne le tableau de l'artiste d'Artmajeur mentionné ci-dessus et la série de lèvres créée par le maître américain, protagonistes d'un contexte particulier d'expérimentation créative. En fait, au début des années 1960, Wesselmann a produit un certain nombre de tableaux monumentaux, représentant des nus de blondes dans des atmosphères langoureuses, qui ont progressivement évolué vers la création de détails individuels du corps féminin, tels que la bouche, les seins et les pieds. En tenant compte de ce précédent historique, nous pourrions donc interpréter l'œuvre d'Uzan comme un portrait qui, délibérément "réduit au strict minimum", synthétise l'expressivité d'un visage féminin à travers la représentation d'un gros plan intense de ses lèvres provocantes.

Alexander S Peuchot, Janet, 2021. Acrylique / huile / pigments / spray sur toile, 121,9 x 91,4 cm.

Alexander S Peuchot : Janet

Si l'on se réfère à l'exemple pop iconique de Warhol, à partir du XXe siècle, les protagonistes du show-business sont devenus des sujets d'investigation artistique. En effet, c'est précisément le maître américain qui a également représenté des stars du monde de la musique, comme Elvis Presley, Dolly Parton, Mick Jagger et Debbie Harry. Cette œuvre est le résultat de la fascination exercée par la célébrité et la culture populaire sur l'artiste, dont le concept de répétition des sujets représentés faisait précisément allusion à la perte d'identité inhérente à la culture de consommation de masse elle-même. Les œuvres issues de cette conception de la réalité sont créées à partir de photographies de tabloïds ou de clichés publicitaires, que Warhol transforme en sérigraphies colorées. On retrouve la même approche de l'art dans l'œuvre Janet, une peinture destinée à reproduire la couverture iconique des Rolling Stones qui, datée de 1993, immortalisait la chanteuse éponyme vêtue uniquement d'un jean baggy et les seins couverts par les mains de son ex-mari Rene Elizondo. Cette image, qui fait partie de manière indélébile du lexique pop, fait allusion aux concepts explicités par l'album de la même année, ou Janet, qui visait à représenter une exploration provocante du plaisir et de la sexualité féminins, acquis par une femme désormais plus mûre et indépendante, et qui avait acquis une plus grande confiance dans le sexe, compris également comme une partie joyeuse du processus créatif.