Portrait de Daniele da Volterra, v. 1545
Qui était Michel-Ange ?
Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni , communément appelé Michelangelo, était un artiste italien qui a vécu pendant la Haute Renaissance. Il est né dans la République de Florence le 6 mars 1475 et est décédé le 18 février 1564. Michel-Ange était sculpteur, peintre, architecte et poète, et son travail a été fortement influencé par l'Antiquité classique. Il a eu un impact significatif sur l'art occidental et est considéré comme un homme exemplaire de la Renaissance, tout comme son contemporain Léonard de Vinci. Michel-Ange est bien documenté en raison de la grande quantité de correspondance, de croquis et de réminiscences qui subsistent. Il a été salué par ses contemporains comme l'artiste le plus accompli de son temps.
Michel-Ange s'est fait connaître très jeune avec deux de ses sculptures les plus célèbres, la Pietà et David, qu'il a créées avant d'avoir trente ans. Bien qu'il ne se considérait pas comme un peintre, ses fresques de la chapelle Sixtine, en particulier les scènes de la Genèse au plafond et du Jugement dernier sur le mur de l'autel, sont considérées comme très influentes dans l'histoire de l'art occidental. Il a également joué un rôle clé dans le développement de l'architecture maniériste avec sa conception de la Bibliothèque Laurentienne. Plus tard dans la vie, à l'âge de 71 ans, Michel-Ange est devenu l'architecte de la basilique Saint-Pierre, succédant à Antonio da Sangallo le Jeune. Il a terminé l'extrémité ouest de la basilique et conçu le dôme, qui a été modifié après sa mort.
Michel-Ange a été le premier artiste occidental à avoir publié sa biographie de son vivant. Trois biographies ont été publiées de son vivant, la biographie de Giorgio Vasari le louant comme surpassant tout artiste, passé ou présent, dans les trois disciplines artistiques. Au cours de sa vie, Michel-Ange était souvent appelé Il Divino, ce qui signifie "le divin". Ses contemporains admiraient sa capacité à émerveiller les spectateurs avec son art, une qualité connue sous le nom de terribilità. D'autres artistes ont tenté d'imiter son style expressif, ce qui a conduit à l'émergence du maniérisme, un mouvement éphémère après la Haute Renaissance.
Michel-Ange, David, ch. 1501-1504. Sculpture en marbre, 517 cm × 199 cm. Galleria dell'Accademia, Florence, Italie.
Michel-Ange et la Renaissance
À la Renaissance, Michel-Ange était très recherché pour des commandes lucratives, ce qui a conduit à son travail approfondi dans la chapelle Sixtine. Le projet impliquait une décoration complexe du plafond de la chapelle et a été achevé au XVIe siècle. Parmi les différentes sections de la vaste fresque, la Création d'Adam se distingue comme l'une des parties les plus significatives et artistiquement impressionnantes. Ce tableau représente un moment religieux renommé de l'enseignement chrétien, qui revêt une grande importance en Italie, un pays profondément enraciné dans le christianisme. La scène capture Dieu insufflant la vie à Adam, qui deviendrait le premier homme, et plus tard rejoint par Eve, marquant le début de la race humaine. Le thème d'Adam et Eve a été un sujet populaire dans d'innombrables peintures, en particulier pendant la période de la Renaissance, lorsque la religion exerçait une influence significative dans la société.
La représentation emblématique de la connexion entre les doigts d'Adam et de Dieu, symbolisant la création de la vie, a acquis sa propre renommée. Beaucoup de gens préfèrent cette version recadrée de l'œuvre plus grande et l'acquièrent sous forme d'impression d'art, d'affiche ou de toile tendue pour orner leur maison. Le panneau représentant la Création d'Adam était l'un des derniers ajouts au plafond de la chapelle Sixtine, qui a attiré d'innombrables visiteurs au cours des 500 dernières années. Des travaux d'entretien réguliers sont menés pour préserver cette fresque extraordinaire et prévenir tout dommage.
L'héritage durable de la création d'Adam a inspiré et captivé d'innombrables personnes, gagnant le respect et l'admiration des spécialistes de l'art et du grand public.
Michel-Ange a créé quatre panneaux dans la chapelle Sixtine, représentant des épisodes du livre de la Genèse, qui sont encore bien connus parmi l'importante population chrétienne d'Europe et de nombreux autres continents. L'art italien, en général, a joué un rôle de premier plan dans le fer de lance du mouvement de la Renaissance en Europe, influençant les développements artistiques contemporains que nous apprécions aujourd'hui. La Création d'Adam est devenue une image emblématique reconnue par presque tout le monde, quelle que soit leur connaissance de l'artiste ou la signification voulue de la peinture.
Cette œuvre d'art renommée peut facilement être considérée comme aussi célèbre que d'autres œuvres importantes, telles que la Joconde de Léonard de Vinci. Michel-Ange, comme son contemporain de Vinci, a présenté une gamme impressionnante de compétences, comme en témoigne sa création de la sculpture de David. Aujourd'hui, les estampes Création d'Adam sont régulièrement achetées dans le monde entier, reflétant la popularité durable de l'art italien des XVe et XVIe siècles. L'art italien a joué un rôle central dans l'introduction de nouvelles idées et techniques dans l'art européen, insufflant une nouvelle vie à un paysage artistique qui était devenu relativement stagnant au Moyen Âge.
Michelangelo Buonaorroti, La Création d'Adam , 1508-12. Fresque, 280×570 cm. Cité du Vatican, Musées du Vatican, Chapelle Sixtine.
La création d'Adam (vers 1511)
Sur le côté droit, on trouve une représentation de Dieu, suspendu dans les airs, entouré d'une auréole soutenue par des anges et des chérubins. Sur le côté gauche, on voit Adam allongé dans une prairie, surplombant une pente herbeuse. Adam, le premier être humain, est en position semi-inclinée, entièrement nu, le bras reposant sur le genou droit. Son bras droit repose sur le sol, soutenant son torse. Il semble jeune, avec des traits forts et musclés. Sa jambe droite est tendue le long de la pente, tandis que sa jambe gauche est pliée. Adam est représenté de profil et semble prendre vie lorsqu'il regarde vers Dieu et lève son bras gauche dans sa direction.
Dieu, vêtu d'une robe rose, est représenté étendu vers la gauche, soutenu par des anges. Sa longue barbe et ses cheveux gris sont doucement agités par le vent. Les anges et Dieu sont entourés d'un large voile violet en forme de rein. Au-dessous d'eux, un fin tissu vert transparent pend et flotte sous l'ange qui soutient Dieu. La rencontre entre Dieu et Adam se déroule sur un fond qui manque de détails précis.
Dans la scène, on aperçoit la main d'un jeune Ignudo sous le corps d'Adam. L'Ignudo fait référence aux figures humaines masculines placées aux angles des panneaux narratifs.
Contrairement aux précédentes représentations de Dieu par d'autres artistes, la représentation de Michel-Ange dans cette œuvre d'art est un changement audacieux. Traditionnellement, Dieu est représenté comme un souverain majestueux et tout-puissant de l'humanité. On s'attendrait à ce qu'une telle figure divine soit peinte avec des vêtements royaux et qu'elle dégage une impression de grandeur. Cependant, Michel-Ange adopte une approche différente en présentant Dieu comme un homme simple et âgé, vêtu d'une tunique légère et sans ornements, dont une grande partie du corps est exposée. Cette représentation soulève une question intrigante : Et si ce visage humble et âgé était le véritable visage de Dieu ? Il offre un portrait intime de son essence. Dieu est dépeint comme accessible, tangible et intimement lié à sa création, puisque sa figure prend une forme incurvée, tendant la main vers Adam.
Couleur et texture
La Création d'Adam de Michel-Ange est un exemple de peinture à fresque, où l'artiste a appliqué de la peinture sur du plâtre humide. La palette de couleurs utilisée dans la peinture semble claire et se compose principalement de tons chair tels que diverses nuances de brun et de couleurs crémeuses. Les cheveux de Dieu sont représentés dans une couleur gris-bleu plus froide et ceux d'Adam sont d'un brun plus foncé avec des reflets plus clairs.
L'artiste a habilement utilisé des zones d'ombrage plus sombres sur les personnages, soulignant efficacement leurs formes et leur anatomie pour créer un sentiment de profondeur. Bien que d'autres couleurs soient présentes dans la composition, elles ne sont pas excessivement vives. Il s'agit notamment des verts représentant l'herbe à gauche et l'écharpe à droite, ainsi que des teintes bleu-gris représentant soit la formation rocheuse, soit le ciel derrière Adam. Ces couleurs froides contrastent avec le rouge profond de l'étoffe derrière Dieu, qui est une couleur plus chaude.
Dans l'ensemble, l'utilisation des couleurs est harmonieuse dans toute la composition, principalement en raison de la similitude des tons de peau utilisés. La toile de fond présente des couleurs contrastées telles que le vert, le bleu et le rouge, offrant une valeur colorée différente des tons plus clairs utilisés pour les personnages. Le reste de l'arrière-plan de la fresque est d'une couleur neutre blanc-gris, mettant encore plus en valeur les figures principales de Dieu et d'Adam au premier plan. Cet arrière-plan pourrait être interprété comme des nuages blancs contre le ciel. Les draperies et les vêtements ont une texture implicite, apparaissant légers et translucides. En outre, les personnages eux-mêmes sont représentés avec des textures de peau lisses, certains affichant une chair pulpeuse tandis que d'autres présentent une définition plus musclée.
L'aspect fluide et doux des cheveux des personnages mérite d'être souligné, en particulier ceux de Dieu, qui semblent s'envoler vers la droite de la composition, apparemment sous l'influence d'un vent ou d'une brise invisible.
Lignes
La position de Dieu et d'Adam dans la composition crée un sentiment d'équilibre. Ils sont stratégiquement placés pour diviser l'œuvre en deux parties distinctes. La forme d'Adam est souvent décrite comme "concave", tandis que celle de Dieu est perçue comme "convexe". Ce contraste frappant entre les deux figures ajoute non seulement un intérêt visuel, mais suggère également une signification plus profonde et la relation entre Dieu et Adam.
En outre, les toiles de fond derrière chaque personnage présentent principalement des formes courbes, qui contrastent avec la forte ligne horizontale formée par les bras tendus et les mains jointes de Dieu et d'Adam. Cette ligne horizontale sert à relier les deux parties de la composition mentionnées précédemment.
Côté est de la chapelle Sixtine, depuis l'extrémité de l'autel.
Symbologie
L'arrière-plan de la scène de la création d'Adam ne contient pas de détails complexes, symbolisant la naissance de l'humanité. Cette toile de fond minimaliste permet aux personnages de se détacher bien en évidence sur le fond clair, véhiculant un message clair et iconique. Selon la tradition, Dieu est soutenu par des anges et des chérubins, qui prennent de manière intéressante l'apparence de figures humaines, en particulier des adolescents et des enfants. Ces êtres angéliques sont représentés avec des corps substantiels et réalistes, soulignant leur présence physique et leurs efforts pour soutenir Dieu. De plus, leurs visages sont très distinctifs, chacun portant des expressions différentes.
La représentation de la création d'Adam est la scène la plus célèbre de la voûte de la chapelle Sixtine. Sa renommée est largement attribuée à l'image emblématique des deux doigts qui se touchent presque. Dans cette image, Dieu le Père étend son bras vers Adam, positionné en bas, tandis qu'Adam lève sa propre main en haut. Les deux personnages ont les bras tendus, avec leurs index représentés à quelques instants du contact. Michel-Ange visait à immortaliser l'instant précis où le Créateur est sur le point d'établir un contact physique avec sa création, insufflant à Adam l'étincelle de vie. La puissance de cette image, devenue emblème de la création, est également rehaussée par l'élégance des gestes et postures des deux personnages. De plus, la silhouette d'Adam possède une force visuelle captivante due à la sculpture méticuleuse qui accentue les volumes de son corps nu. Certains historiens notent un geste similaire dans l'Annonciation de Cestello de Sandro Botticelli, soulignant encore l'importance de ce geste dans l'histoire de l'art.
Tournons maintenant notre attention vers la toile de fond rouge derrière l'image de Dieu. Certains croient que cette toile de fond ressemble à un cerveau. Cela a conduit à la conclusion que Dieu a intentionnellement retenu l'intelligence d'Adam, le gardant inconscient de la connaissance du bien et du mal. Ce n'est qu'après qu'Adam eut péché que Dieu lui permit de posséder cette connaissance. Cependant, si l'analyse de ce tableau nous a appris quelque chose, c'est que la création de l'homme par Dieu ne consistait pas seulement à le faire exister ; il s'agissait de forger une relation profonde avec lui. En examinant de plus près le tableau, on peut vraiment apprécier l'audace avec laquelle il a été créé. Les coups de pinceau de Michel-Ange sont confiants et énergiques, ne laissant aucune place au hasard. De nombreux livres ont été écrits et des réinterprétations ont été faites, mais la vraie beauté de la Création d'Adam ne réside pas dans son statut de chef-d'œuvre intemporel, mais dans sa capacité à résonner avec chaque personne sur cette terre. Il représente le début de nous tous, quelles que soient nos différences. Cette peinture a été interprétée d'innombrables fois, mais elle échappe encore à toute compréhension. Il y a quelque chose dans sa contemplation qui défie l'expression verbale, aussi poétique soit-elle. Dans ces plus d'une centaine de coups de pinceau, Michel-Ange a peint la vie elle-même. Il a dépeint la source de la vie, le commencement de la vie, et en incluant l'image de l'enfant Jésus, il a capturé le concept de la vie éternelle. Il nous transporte à ce moment d'avant tout, nous ramenant à la genèse de l'humanité, quand la race humaine n'était qu'un vague concept dans l'air. L'attention incroyable portée aux détails dans cette pièce est délicieuse et son intégration transparente avec les autres éléments du plafond est impressionnante.
Il est remarquable de voir combien d'artistes ont tenté, mais ont échoué, de capturer véritablement le moment de la création d'Adam. Michel-Ange, cependant, capture avec succès l'intégralité du processus, sans rien laisser de côté. Cette fresque perdure comme l'une des réalisations artistiques les plus remarquables. Alors qu'Adam s'allonge sur le terrain terrestre, sa force physique est évidente pour tout observateur. Il incarne la figure idéalisée d'un homme grec ou romain, avec sa grâce et ses muscles ondulants. Cependant, malgré sa perfection physique, cette création reste incomplète. Adam tend toujours la main à Dieu, démontrant sa confiance dans le Créateur. Dieu le soutient, et même si Adam semble entier, il s'étend pour recevoir le simple toucher de Dieu. L'image de Dieu reflète l'image d'Adam, et alors qu'ils se regardent dans les yeux, une connexion intense et magnifique s'établit entre eux. Adam regarde son créateur avec nostalgie, et en ce moment, Michel-Ange capture l'essence de ce que signifie être humain. La peinture dépeint le seuil de la création alors qu'Adam s'étire pour recevoir la nourriture nécessaire à la survie de sa forme physique. Pendant ce temps, Dieu tend la main pour accorder à Sa création l'esprit et l'âme. En capturant ce moment singulier, la création du moi physique et spirituel d'Adam est éternellement gravée dans la mémoire de chaque génération.
Michelangelo Buonarroti, Cumaean Sibyl , ch. 1511. Fresque, 375×380 cm. Cité du Vatican, Musées du Vatican, Chapelle Sixtine.
Signification
L'interprétation principale de cette peinture tourne autour de la création de l'humanité et du début de la race humaine. Cependant, après un examen plus approfondi, l'œuvre d'art plonge dans la relation profonde forgée entre le Créateur et sa création. D'une simple extension de ses bras, Dieu donne naissance à Adam et dirige son attention vers l'enfant Jésus, qui sert de sauveur à Adam. Dans cette représentation, le Créateur fait preuve d'omniscience, prévoyant la chute de l'humanité après avoir succombé à la tentation du diable. Ainsi, Dieu anticipe cette chute et offre une solution toute prête à travers Christ.
Néanmoins, il reste une ambiguïté importante au sein du tableau. Adam et Dieu se lâchent-ils ou se tendent-ils la main ? La représentation de leurs doigts rend difficile de discerner si Dieu et l'homme satisfont leur désir commun de coexister, ou s'ils se séparent, l'homme se lançant dans une vie indépendante. En observant la posture d'Adam, nous remarquons une sensation de relaxation. Cela peut être interprété comme signifiant que bien qu'il soit vivant, il lui manque encore quelque chose de vital. Par conséquent, Adam tend la main à Dieu, aspirant à recevoir l'élément qui le distingue des autres créatures errant sur la terre. D'un autre côté, l'apparence concentrée de Dieu suggère un engagement actif, comme s'il travaillait avec diligence pour perfectionner sa création. Par conséquent, il est raisonnable de conclure que les chiffres se tendent la main dans une union plutôt que de se séparer.
Fait intéressant, même les géographes ont interprété cette peinture comme représentant deux masses continentales reliées par une bande étroite mais séparées par un vaste canal. De même, les scientifiques ont analysé l'image comme un symbole de la naissance de l'humanité. Ils tirent leur hypothèse du fond rouge, qu'ils interprètent comme la représentation d'un manteau utérin humain, tandis que le foulard vert symbolise un cordon ombilical récemment sectionné.
Toutes ces interprétations, dans une certaine mesure, convergent vers la même idée. Cependant, la question demeure : pourquoi Michel-Ange a-t-il représenté les mains de cette manière particulière ? Pourquoi ne pas les faire toucher ? Contempler ce détail peut être frustrant. Pourtant, c'est cet aspect unique qui a fait la renommée de la peinture. Le petit espace entre les deux doigts, mesurant un peu moins d'un pouce, oblige les téléspectateurs à jeter un deuxième et un troisième regard sur l'image entière. Malgré les conclusions tirées sur la signification du tableau, celui-ci reste énigmatique. En y regardant de plus près, on est enclin à percevoir ce qui est absent – à sentir une force qui semble exister entre les deux doigts. Cela s'apparente à une charge électrique, et au fur et à mesure que l'image s'incruste dans l'esprit, une réalisation émerge, rendant l'observateur conscient de la signification profonde de la peinture. C'est le tout début; un faux pas, et l'humanité aurait pris un chemin entièrement différent. La délicatesse est impliquée, et en observant la concentration inébranlable de Dieu sur la tâche à accomplir, on peut sentir sa poursuite de rien de moins que la perfection.
Cela devient encore plus intrigant quand on imagine les deux doigts en contact. Oh, la sensation qu'Adam a dû ressentir alors que le contact de l'immortalité imprégnait son âme même. Michel-Ange capture ce que l'église s'est efforcée d'expliquer à ses fidèles pendant des siècles - l'étincelle divine de la vie. Il présente la preuve que Dieu et l'homme ne sont rien sinon le reflet parfait l'un de l'autre. À travers la Création d'Adam, Michel-Ange englobe silencieusement le passé, le présent et l'avenir de l'humanité dans un cadre unique. On pourrait dire que cette image a été façonnée à la nuit des temps, car son rendu est vraiment incroyable. Pour un œil non averti, il peut apparaître comme une simple représentation de deux personnages qui se tendent la main. Pourtant, après un examen plus approfondi, ce moment fugace avant que le doigt de Dieu insuffle la vie au doigt d'Adam devient l'essence de tout ce que nous comprenons et croyons.
La peinture exalte Dieu de diverses manières. Le simple fait qu'il initie une race entière de personnes d'un simple toucher du doigt devrait être suffisant pour établir sa position de Tout-Puissant. Cependant, Michel-Ange va encore plus loin. Dieu n'a pas besoin de toucher physiquement Adam pour qu'un observateur ressente le pouvoir, la force et la vie transférés d'un doigt, à travers l'espace et dans l'autre doigt. C'est cet élément qui mérite à juste titre la reconnaissance du tableau. Cependant, il y a une autre perspective à considérer. Pour ceux qui ne connaissent pas Michel-Ange ou son œuvre, et qui n'ont pas rencontré le titre du tableau ou l'histoire de la création, il peut être difficile de comprendre l'essence de la Création d'Adam. De ce point de vue, sans connaissance de l'étincelle entre les doigts, de la présence de l'enfant Jésus ou de toute association avec la naissance de l'humanité, le tableau représente simplement deux personnages inclinés l'un vers l'autre.
Le lien délicat entre le créateur et la création ne devient apparent qu'une fois que le spectateur comprend le sujet de la peinture. Cependant, il y a un autre aspect à considérer. La notion de pouvoir dépeinte dans cette œuvre n'est pas le résultat de l'image elle-même. La plupart des gens connaissent l'histoire derrière le tableau, ce qui peut les aveugler sur le fait qu'il représente simplement deux personnages qui se tendent délicatement l'un vers l'autre, tous deux remplis de désir et de retenue. Leurs doigts sont tendus, se touchant presque, mais leurs mains s'étendent dans un vide de vide. De plus, les anges soutenant la forme de Dieu semblent lutter dans leur tâche. Lorsqu'elle est séparée de l'influence du récit de la création, la peinture se transforme en une représentation de l'amour et de l'amitié. Il transcende le fait d'être uniquement lié à la création d'Adam par Dieu et transmet plutôt le désir universel de connexion humaine. Cet aspect de l'œuvre évoque à la fois le confort et le chagrin. Il est difficile d'imaginer l'humanité sans la présence de Dieu, mais envisager la relation entre ces deux personnages comme strictement unilatérale n'est pas non plus tout à fait réconfortant.
Michelangelo Buonarroti, Delphic Sibyl , ch. 1508-10. Fresque, 350×380 cm . Cité du Vatican, Musées du Vatican, Chapelle Sixtine.
Contexte de création
En 1505, Michel-Ange est rappelé à Rome par le nouveau pape Jules II. Le pape lui a confié la construction d'un grand tombeau, qui devait comporter quarante statues et être achevé en cinq ans.
Cependant, en raison de diverses interruptions et des demandes concurrentes imposées à Michel-Ange sous le patronage du pape, la tombe n'a jamais été achevée à la satisfaction de l'artiste malgré qu'il ait consacré 40 ans au projet. Le tombeau, situé dans l'église de S. Pietro in Vincoli à Rome, est réputé pour sa figure centrale de Moïse, achevée en 1516. Deux autres statues initialement destinées au tombeau, connues sous le nom d'esclave rebelle et d'esclave mourant, sont maintenant conservé au Musée du Louvre.
Au cours de cette période, Michel-Ange a entrepris la tâche monumentale de peindre le plafond de la Chapelle Sixtine, un projet qui a duré environ quatre ans de 1508 à 1512. Selon le récit du biographe de Michel-Ange Condivi, Bramante, qui a participé à la construction de l'église Saint-Pierre. La basilique Saint-Pierre, nourrissait du ressentiment envers la commission de Michel-Ange et incita le pape à lui attribuer un médium inconnu dans l'espoir qu'il échouerait.
Initialement chargé de peindre les douze apôtres sur les pendentifs triangulaires soutenant le plafond, Michel-Ange a réussi à convaincre le pape Jules de lui accorder la liberté artistique et de proposer un schéma plus ambitieux et complexe. La composition finale dépeint diverses scènes, dont la création, la chute de l'homme, la promesse du salut par les prophètes et la généalogie du Christ. L'œuvre d'art faisait partie d'un schéma décoratif plus large à l'intérieur de la chapelle qui véhiculait les principales doctrines de l'Église catholique.
La vaste composition couvrait une superficie de plus de 500 mètres carrés et comportait plus de 300 personnages. La partie centrale présentait neuf épisodes du livre de la Genèse, englobant la création de la Terre par Dieu, la création de l'humanité et sa chute de grâce, et la représentation de Noé et de sa famille en tant que représentants de l'humanité. Ornant les pendentifs soutenant le plafond se trouvaient douze personnages qui prophétisaient la venue de Jésus, dont sept prophètes d'Israël et cinq sibylles, prophétesses du monde classique. Les peintures notables au plafond comprenaient La création d'Adam, Adam et Eve dans le jardin d'Eden, le déluge, le prophète Jérémie et la sibylle de Cumes.
La chapelle Sixtine telle qu'elle a pu apparaître au XVe siècle (dessin du XIXe siècle).
Michel-Ange et la Chapelle Sixtine
Malgré sa réticence initiale, Michelangelo Buonarroti accepta la commande en 1508 de peindre neuf scènes de la Genèse sur la voûte de la chapelle Sixtine, qui comprenait également des figures de prophètes, de sibylles et d'ancêtres du Christ.
Le projet posait de nombreux défis. La vaste surface de la voûte, combinée au refus de Michel-Ange de faire appel à des assistants, a rendu la tâche encore plus exigeante. La forme incurvée de la voûte présentait des problèmes de distorsion optique et la hauteur du plafond nécessitait des échafaudages coûteux. De plus, le pape tenait à ce que les travaux soient achevés rapidement.
Cependant, malgré ces obstacles, Michel-Ange a démontré son extraordinaire génie et a réussi à achever les fresques en 1511, en moins de quatre ans.
Au départ, Michel-Ange a commencé par les dernières scènes de l'ordre narratif, mettant en scène de nombreux personnages de petite taille. Au fur et à mesure qu'il progresse, il simplifie les compositions, représentant des personnages plus grands et moins nombreux. Il est devenu plus à l'aise de travailler à grande échelle et s'est moins appuyé sur les dessins animés préparatoires. Pour accélérer le processus et réduire les coûts, il a même conçu lui-même un échafaudage mobile innovant.
Métaphoriquement, l'ensemble de la voûte peut être considéré comme une célébration du corps humain, mettant l'accent sur sa force, sa beauté et son potentiel expressif. Michel-Ange a exploré diverses poses, mettant en évidence chaque muscle comme s'il sculptait dans la peinture. La forme nue a été largement examinée dans toutes ses variations, tandis que les paysages naturels et les éléments architecturaux ont joué un rôle secondaire dans la composition.
Les couleurs employées par Michel-Ange étaient vibrantes, brillantes et chatoyantes, ajoutant à l'impact visuel global des fresques.
Une section du plafond de la Chapelle Sixtine.
Voici la liste des sujets représentés par Michel-Ange sur la voûte de la Chapelle Sixtine.
Bande au centre de la voûte, de l'autel vers le mur du fond : Scènes de la Genèse.
Dieu sépare la lumière des ténèbres
Dieu crée le soleil et la lune
Dieu sépare la terre des eaux
La création d'Adam
Dieu crée Ève
Péché originel
Le sacrifice de Noé
Le déluge universel
L'ivresse de Noé
Bandes extérieures de la voûte :
Prophète Jonas
Prophète Jérémie
Sibylle libyenne
Sibylle persane
Prophète Daniel
Prophète Ezéchiel
Sibylle de Cumes
Sibylle érythrée
Prophète Isaïe
Prophète Joël
Sibylle delphique
Prophète Zacharie
Dans les triangles aux fenêtres : Ancêtres du Christ.
Aux quatre coins de la voûte :
La punition d'Aman
Le serpent de bronze
David et Goliath
Judith et Holopherne
Faits intéressants
Se retrouvant également à peindre des voûtes et des dômes avec des personnages et des personnages au-dessus de sa tête, Michel-Ange se retrouvait souvent à travailler dans des positions inconfortables. Cela lui a donné des maux de dos et de graves problèmes de vision.
Selena Mattei