L'or dans les œuvres d'art

La technique de peinture "Fondo oro"

L'or a été le protagoniste de nombreux chefs-d'œuvre de l'histoire de l'art, créés à l'aide de la technique de peinture "Fondo oro". Cette technique, qui s'est d'abord répandue dans les mosaïques paléochrétiennes, a ensuite été utilisée dans la production de peintures sur panneaux, de miniatures et de mosaïques de la période byzantine. Cette technique, parfaitement décrite dans le traité de Cennino Cennini datant d'environ 1400 et intitulé "Libro dell'arte", est basée sur la production de petites feuilles d'or fines, que les artisans spécialisés du Moyen Âge réalisaient en martelant des pièces de monnaie afin d'obtenir des feuilles de métal très fines. Ensuite, la surface de l'œuvre, qui avait été préparée pour recevoir la feuille d'or, a été préparée en appliquant une couche de "bolo", une argile rougeâtre dissoute dans de l'eau et du blanc d'œuf. Ensuite, des colorants à base d'eau tels que le blanc d'œuf, le miel, la gomme et les jus de légumes ont été utilisés pour fixer l'or au support de la peinture. Il convient de noter que, lors de la réalisation de cette technique, la feuille d'or était appliquée en rectangles, qui étaient ensuite transférés sur un pinceau et appliqués sur la surface par la pression des poils. Enfin, l'or était broyé et poli sur le support à l'aide du brunissoir, une brosse spéciale en pierre d'agate aplatie à son extrémité. 

La procession de Théodora, 6ème siècle. Mosaïque, Ravenne : Basilique de San Vitale.

Ravenne et l'art byzantin 

Un chef-d'œuvre se distinguant par son fond doré est la magnifique mosaïque byzantine intitulée La procession de Théodora, qui est conservée dans la basilique de San Vitale à Ravenne, en Italie, et qui date d'environ 520-547. Cette œuvre représente l'impératrice Théodora qui, placée au centre de la mosaïque, est flanquée à droite de deux figures masculines et à gauche de sept figures féminines superposées. Au sein de ce groupe de personnes, seuls Théodora et les personnages les plus proches d'elle sont orientés frontalement par rapport au plan de la mosaïque, tandis que les autres protagonistes sont légèrement décalés sur le côté. En termes d'habillement, les femmes du cortège sont très richement vêtues et les hommes, probablement deux dignitaires, portent une tunique recouverte par une clamyde avec tablion. L'impératrice, en revanche, qui est représentée dans une tunique blanche bordée d'or, recouverte d'une chlamyde pourpre, porte des bijoux voyants et une coiffe très élaborée. En ce qui concerne la représentation des personnages, leurs corps sont principalement asymétriques et ils ont été immortalisés dans des poses rigoureusement frontales et stylisées. En outre, l'absence de clair-obscur et les fortes lignes de contour créent des figures bidimensionnelles dépourvues de plasticité. En outre, en ce qui concerne la façon dont les personnages sont représentés, il convient de noter que la figure de Théodora est plus grande que les autres, suivant les lois de la perspective hiérarchique, qui est liée à un type de représentation symbolique, mettant en évidence la lignée des personnages. Enfin, le fond de l'œuvre est doré et bidimensionnel, entourant les protagonistes de la scène, qui ont les pieds posés sur un "tapis" vert. On y trouve également une petite fontaine, une niche couverte par une petite abside en forme de coquille et, en haut à droite, un tissu rayé. La couleur dorée du fond évoque la spiritualité, tandis que le violet de la chlamyde de Théodora représente le pouvoir conféré aux empereurs. En fait, cette mosaïque, qui ne représente très probablement pas un événement réel, doit être considérée comme une œuvre de propagande politique.

Duccio di Buoninsegna, Majesté de la cathédrale de Sienne, 1308-11. Tempera sur panneau, 214 x 412 cm Siena : Museo dell'Opera Metropolitana del Duomo.

Cimabue, Majesté de la Sainte Trinité, 1290-1300. Tempera sur panneau, 384 x 223 cm. Florence : Galerie des Offices.

Giotto, Réunion à la Porte d'Or, 1303-1305. Fresque, 200 ×185 cm. Padoue : Chapelle Scrovegni.

Gustav Klimt, Judith, 1901. Huile sur toile, 84 × 42 cm. Vienne : Österreichische Galerie Belvedere. 

Le fond d'or à partir du Moyen Âge...

Les chefs-d'œuvre italiens du Moyen Âge au début de la Renaissance se distinguent par l'utilisation de la technique du "Fondo oro", liée à une valeur symbolique précise, visant à faire allusion à la sphère céleste inaccessible et sacrée. On peut en voir un exemple dans les œuvres de deux peintres toscans, comme la Majesté de la cathédrale de Sienne de Duccio di Buoninsegna et la Majesté de la Sainte Trinité de Cimabue. Plus tard, avec l'apport de la recherche artistique de Giotto, le fond d'or et les schémas byzantins sont partiellement abandonnés et la peinture revient à la représentation du monde et, surtout, du ciel. En effet, à partir du XIVe siècle, les fonds architecturaux et paysagers commencent à dominer, réduisant progressivement le pourcentage du panneau décoré à l'or. À la Renaissance, la prise de conscience de l'importance des arrière-plans réalistes est devenue si forte que la technique de la dorure est devenue moins populaire. Néanmoins, la technique n'a jamais complètement disparu, restant en usage au XVIe siècle et devenant plus populaire dans les zones d'influence de la religion orthodoxe, où le culte des icônes s'est également répandu. À l'époque moderne, le fond d'or a été utilisé par de nombreux artistes, le plus célèbre étant Gustav Klimt.

Alena Masterkova, Icon of our lady of tenderness, 2007. Mosaico su legno, 82 x 62 cm. 

Alena Masterkova : Icône de notre dame de la tendresse

La couleur or, utilisée pour les fonds ou les détails, caractérise également de nombreuses œuvres créées par les artistes d'Artmajeur, qui se sont parfois inspirés des grands chefs-d'œuvre de l'histoire de l'art, tandis que dans d'autres cas, ils ont utilisé de manière innovante cette nuance précieuse et lumineuse. Une mosaïque, probablement inspirée des madones à l'enfant des icônes orthodoxes, a été créée par l'artiste russe Alena Masterkova et se caractérise par l'utilisation d'émaux dorés. À cet égard, il convient de souligner que les icônes, qui sont devenues populaires en Russie vers 988, se sont répandues sous l'influence de l'art byzantin. L'iconographie de cette période suit fidèlement les règles et les genres admis par l'art byzantin, tandis qu'à partir du XVIIe siècle, elle est influencée par les peintures et les gravures de l'Europe catholique et protestante et commence à se distinguer en étant moins bidimensionnelle et statique et plus naturaliste et tridimensionnelle. L'œuvre de Masterkova fait clairement référence à la tradition byzantine, car elle se caractérise par des figures hiératiques et bidimensionnelles qui, encadrées de manière classique, dégagent une intense énergie spirituelle.

Danco, Allégorie à Gustav Klimt I, 2020. Huile sur toile, 70  x 50 cm.

Danco : Allégorie à Gustav Klimt I

L'œuvre de l'artiste Artmajeur Danco est un autre hommage à l'histoire de l'art, puisqu'elle représente une réinterprétation moderne et très originale de la Judith de Gustave Klimt. En effet, comme dans l'œuvre du maître autrichien, le visage de la jeune fille peinte par Danco est encadré par une épaisse chevelure noire volumineuse, qui, toutefois, dans ce cas, a été décorée de motifs dorés. En outre, alors que dans le fond de Klimt triomphent l'or et le noir qui, ensemble, constituent des arbres fruitiers, dans l'œuvre de l'artiste d'Artmajeur nous trouvons un décor abstrait où prédominent le bronze, réalisé à travers l'utilisation de feuilles, et le rouge. Dans les deux tableaux, d'autres détails précieux se trouvent dans le collier et la robe, qui, dans l'œuvre de Danco, ne révèle aucune nudité. En outre, la tête d'Holopherne est également absente du tableau de l'artiste d'Artmajeur, de sorte que le tableau cesse de raconter l'histoire populaire de Judith, qui, en tant que symbole de la force féminine et de l'esprit de sacrifice, a été représentée dans de nombreux chefs-d'œuvre. En conséquence, l'œuvre de Danco devient une simple célébration de la beauté féminine moderne baignée dans les reflets du bronze. Enfin, malgré toutes ces différences, dans les deux tableaux, la protagoniste devient le symbole d'une figure féminine sensuelle, qui regarde résolument devant elle, vers l'observateur, avec une expression presque provocante.

Kamil Zaitz, L'esprit d'or, 2021. Acier inoxydable, Métaux et fils, 40 x 17 x 17 cm. 

Kamil Zaitz : L'esprit de l'or

Le crâne, sujet du travail de l'artiste d'Artmajeur Zaitz, a souvent été représenté dans les chefs-d'œuvre les plus célèbres de l'histoire de l'art comme un symbole de vanité. L'expression latine vanitas vanitatum, dérivée de vanus et signifiant transitoire, désigne en peinture un type de nature morte caractérisé par la présence d'objets, indicateurs symboliques de la précarité de l'existence, de l'inexorabilité du temps qui passe et du caractère éphémère des biens terrestres. Cette iconographie, à visée moralisatrice, s'est développée au Moyen Âge, lorsque l'Église avait lancé un avertissement sévère selon lequel les richesses accumulées sur terre, dépourvues de valeur, conduisaient à la damnation. Par conséquent, afin de persuader les pécheurs de la rédemption, les ecclésiastiques avaient appelé à la représentation picturale de produits de luxe, accompagnés d'objets faisant allusion à la mort. L'œuvre de Zaitz représente très probablement cette tradition figurative de manière très personnelle et innovante, en réalisant le crâne, symbole de la vanité par excellence, en acier doré, une nuance indissolublement liée à la sphère céleste sacrée éternelle et inaccessible. Par conséquent, la sculpture de l'artiste d'Artmajeur semble être un véritable oxymore, combinant vie éternelle et mort.