L'autoportrait comme allégorie de la peinture

Artemisia Gentileschi, Autoportrait en joueuse de luth , 1615-1617. Huile sur toile, 71,4×79cm. Minneapolis : Galeries Curtis.

Qui était Artemisia Gentileschi ?

Artemisia Gentileschi a été l'une des premières et des seules artistes féminines à avoir réussi dans les années 1600. Suivant les traces du Caravage, ses peintures baroques comptent parmi les plus dramatiques et les plus vivantes de son temps. Elle s'est fait connaître pour son réalisme, son utilisation habile du clair-obscur et la façon dont elle place les femmes et leurs histoires au centre de toutes ses images. Ses œuvres survivantes montrent une vision personnelle unique des normes culturelles et sociales de l'époque. Elle a souvent renversé ces normes à dessein, utilisant sa position d'artiste pour montrer comment les hommes dominaient la société et pour mettre un accent différent sur le pouvoir des femmes.

Artemisia Gentileschi, Autoportrait comme allégorie de la peinture , 1638-1639. Huile sur toile, 98,6×75,2 cm. Londres : Palais de Kensington.

L'autoportrait comme allégorie de la peinture

La façon dont le tableau est assemblé est similaire à d'autres œuvres d'art de l'époque. Il utilise des lignes diagonales pour montrer la femme et montrer comment elle se déplace à la fois vers la toile et s'en éloigne. La compétence de Gentileschi en tant qu'artiste est illustrée par son utilisation du raccourci et d'autres techniques tridimensionnelles. Ces techniques amènent également le spectateur dans la peinture, à la fois physiquement et émotionnellement.

La lumière vient de la gauche, mais vous ne pouvez pas voir d'où elle vient, et elle est beaucoup plus brillante que ce à quoi vous vous attendiez. Gentileschi est bien éclairée de face, mais son dos est difficile à voir. Une ligne claire traverse le front et les joues, sur le côté du cou et sur l'épaule gauche. Il s'agit d'une technique de clair-obscur qui a été beaucoup utilisée à l'époque baroque pour ajouter du drame. La texture est une partie très importante des peintures baroques, et vous pouvez le voir dans les cheveux en désordre, les plis de la manche où la peinture s'est renversée et les mains sales, qui rendent la peinture plus réelle.

Enfin, les couleurs du portrait sont intéressantes, en partie à cause de l'éclairage et en partie à cause des différences naturelles de tons. Même si les vêtements et le fond sont sombres, la peau pâle du visage et du bras droit ressort tout de suite. Près du cou, la chaîne en or scintille, tandis que la chaîne près de la poitrine, qui se termine par un pendentif masque, s'estompe lentement vers un brun terne. La finesse de la peinture à l'arrière-plan donne l'impression qu'elle n'est pas terminée, mais un nettoyage en 1972 a permis d'éliminer les surpeints ultérieurs pour lui redonner son aspect d'origine. Les initiales de l'artiste sont inscrites au bas de la palette.

Brève interprétation

Parce que "Peinture" ressemblait à une femme dans l'esprit de Ripa, Gentileschi pouvait utiliser cela à son avantage pour se montrer comme la meilleure artiste qu'elle pouvait être. En termes de droits et de mode de vie, être une femme à l'époque baroque était généralement mauvais, mais Gentileschi a trouvé ce joyau dans Iconologia pour renforcer sa réputation. En outre, de nombreuses figures de femmes idéalisées à cette époque faisaient penser à des choses sexuelles ou suggestives, mais Gentileschi était capable d'utiliser la "peinture" d'une manière qui donnait aux femmes le sentiment d'être puissantes.

Certains critiques ont dit que la représentation de Gentileschi d'elle-même comme l'Allégorie de la Peinture la rend un peu « arrogante ». De plus, l'historienne de l'art Mary Garrard dit que c'est la seule façon pour une femme artiste de se montrer car les personnifications allégoriques n'étaient utilisées que pour les femmes.

Contexte historique et apports innovants

Charles I a invité Artemisia Gentileschi à Londres en 1638, où elle a probablement réalisé cet autoportrait sophistiqué et habile. Elle tient un pinceau dans une main et une palette dans l'autre. Ce faisant, elle montre habilement qu'elle est la version féminine de la peinture, ce qu'aucun de ses contemporains masculins ne pourrait faire.

Ce tableau a probablement été réalisé par Artemisia Gentileschi pendant son court séjour en Angleterre (1638-1641). Charles Ier lui demande de venir à Londres en 1638 afin qu'elle puisse être avec son père, Orazio Gentilieschi, qui y travaillait depuis 1626. Sur un niveau, le tableau montre une allégorie de la Peinture. C'est ainsi qu'il est décrit dans l'inventaire de Charles Ier. Artemisia utilise le manuel emblématique standard de l'époque, l'Iconologie de Cesare Ripa, qui décrit la peinture comme "une belle femme aux cheveux noirs pleins, ébouriffés et tordus de différentes manières, avec des sourcils arqués qui montrent une pensée imaginative, la bouche couverte d'un tissu noué derrière ses oreilles, et une chaîne en or à sa gorge à laquelle pend un masque avec le mot "imitation" écrit devant."

Artemisia comprend bien les parties principales de cette description, mais elle omet l'écriture sur le masque et la bouche qui est fermée avec du ruban adhésif pour montrer que la peinture est stupide. Elle porte des vêtements qui changent rapidement de couleur et tient un pinceau et une palette dans ses mains. L'œuvre est aussi un autoportrait, car Artemisia, en tant que femme artiste, se considère comme la personnification de la Peinture. Il existe d'autres exemples de la façon dont les identités des femmes artistes ont été mélangées dans le passé. Felice Antonio Casoni a réalisé une médaille de portrait en l'honneur de la peintre crémonaise Lavinia Fontana. Au recto, il y a un portrait de profil de l'artiste, et au verso, il y a une allégorie de la peinture. Dans cette image, Artemisia combine deux styles d'art bien connus en un seul.

Peu d'autoportraits d'Artemisia ont survécu, et les lettres de l'artiste à leur sujet ne donnent que des indices sur ce à quoi d'autres auraient pu ressembler. La ressemblance d'Artemisia peut également être vue dans une gravure d'un autoportrait qu'elle a peint par Jérôme David, une médaille de bronze de 1625 à 1628 et un portrait d'elle par Simon Vouet, qui se trouve dans une collection privée à Bergame. Son autoportrait a été retrouvé dans plusieurs de ses autres peintures, telles que Woman with Lute (Curtis Galleries, Minneapolis) et l'autoportrait récemment attribué en tant que femme martyre (collection privée), ainsi que dans plusieurs de ses peintures religieuses. , qui montrent comment elle se dépeint.

Il est clair que l'image d'Artemisia était très demandée par les collectionneurs du XVIIe siècle, attirés par ses capacités artistiques exceptionnelles et son statut inhabituel d'artiste féminine. Cassiano dal Pozzo, un Romain qui collectionnait et étudiait les objets anciens, était l'un de ses plus grands fans. Dans une lettre qu'elle lui adresse en 1630, elle déclare : « J'ai peint mon portrait avec le plus grand soin. Plus tard, elle promet d'envoyer "mon portrait, que vous avez demandé une fois". Certains chercheurs pensent que ces deux lettres concernent le tableau de la collection royale, qu'Artemisia n'a jamais envoyé à Dal Pozzo mais a plutôt emmené en Angleterre. En 1630, elle aurait eu la trentaine, ce qui correspond à l'âge apparent sur la photo actuelle. Cependant, il aurait été étrange qu'Artemisia rompe sa promesse d'envoyer l'autoportrait mentionné dans sa lettre à Cassiano dal Pozzo, l'un de ses mécènes les plus prestigieux. Certains chercheurs pensent que l'autoportrait de Cassiano a disparu et qu'il s'agit d'un autre qu'Artemisia a réalisé après son déménagement à Londres en 1638 (quand elle avait 46 ans).

Artemisia porte un tablier marron sur sa robe verte et semble s'appuyer sur une dalle de pierre utilisée pour broyer les pigments dans laquelle le reflet de son bras gauche est visible. Dessiner le long de son bras gauche peut montrer où elle a tracé une ligne pour montrer où elle voulait que son bras soit. La façon dont elle a à peine dessiné ce bras montre un coup de pinceau rapide et habile. Les gens ont pensé que la zone brune derrière elle était l'arrière-plan ou une toile vierge sur laquelle elle s'apprêtait à peindre. Il ressemble à de la toile préparée et a toujours été légèrement peint, mais il est usé et peut ressembler davantage à l'intention de l'artiste. Elle a laissé des parties du sol nues pour montrer les zones d'ombre. La partie de sa manche retroussée droite où l'ombre brune du sol exposé rencontre les traits blancs définissant le bord de sa manche se détache. La réflectographie infrarouge et la radiographie montrent que les doigts de sa main droite se trouvent à des endroits différents. Cela suggère que l'artiste travaillait sur cette zone pendant qu'elle travaillait, allongeant finalement l'index.

En tant qu'autoportrait, la peinture est particulièrement sophistiquée et aboutie. La position dans laquelle Artemisia s'est représentée aurait été extrêmement difficile à saisir pour l'artiste, mais l'œuvre est peinte avec très peu de repentirs. Elle a peut-être mis deux miroirs de chaque côté d'elle, face à face, afin qu'elle puisse se voir. Dans cette pose difficile, qui montre sa peinture, il aurait été plus difficile d'obtenir l'angle et la position de sa tête. Cela aurait nécessité une visualisation habile. Avec cette pièce intéressante, Artemisia Gentileschi a ajouté aux arguments visuels des années 1600 sur le statut élevé de l'artiste.

Contexte de conservation

La peinture a été réalisée par Artemisia alors qu'elle était en Angleterre. Le roi Charles Ier l'a acheté plus tard. Un dossier d'octobre 1651 indique que lorsque la collection royale a été divisée, elle est allée à John Jackson, un avocat qui travaillait pour les créanciers parlementaires. Le colonel William Hawley, un royaliste, récupéra le tableau pour le roi Charles II lors de sa campagne post-Restauration, qui reçut le feu vert du roi en août 1660.

Citations célèbres d'Artemisia Gentileschi

• "Tant que je vivrai, j'aurai le contrôle de mon être".
• "Mon illustre seigneurie, je vais vous montrer ce qu'une femme peut faire".
• "Vous retrouverez l'esprit de César dans cette âme de femme".

On dit d'elle

• "La seule femme en Italie qui ait jamais su ce qu'est la peinture, la couleur et l'empâtement, et des éléments essentiels similaires". Roberto Longhi
• "Artemisia Gentileschi a transformé les horreurs de sa propre vie - la répression, l'injustice, le viol - en peintures bibliques brutales qui étaient aussi un cri de guerre pour les femmes opprimées". Le gardien
• "Artemisia Gentileschi était une des premières peintres baroques italiennes et la seule femme adepte du Caravage, avec qui elle a travaillé en Italie au début du XVIIe siècle. Ses compositions innovantes et son intérêt pour les héroïnes bibliques la distinguent de ses contemporains masculins et ont conduit à la célébration de Gentileschi en tant que peintre avec une perspective uniquement féminine". Musée de Brooklyn, États-Unis