Sculpture BLEU CRACQUELÉ II (2018) de Pin Vega
L'art abstrait est un mouvement artistique qui se distingue de l'art figuratif traditionnel, représentant une réalité non objective et méconnaissable. Alors que le figurativisme se concentre sur la représentation fidèle des données visibles, l'art abstrait vise à exprimer des émotions, des idées et des concepts à travers des formes, des couleurs et des lignes qui n'imitent pas directement le monde extérieur. Cette divergence signifie que l'art abstrait nécessite souvent une explication pour être pleinement compris et apprécié.
L'art abstrait a émergé dans le contexte de la peinture au début du XXe siècle en réaction aux transformations culturelles et sociales de l'époque. Parmi les pionniers de l'art abstrait figurent des maîtres comme Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich et Piet Mondrian. Kandinsky, en particulier, croyait que l'art devait aller au-delà de la simple représentation visuelle pour explorer le monde intérieur de l'artiste et l'esprit humain. Son essai de 1911, "Du spirituel dans l'art", représente l'une des premières tentatives de théoriser l'art abstrait.
Par la suite, l'art abstrait s'est rapidement développé en une variété de styles et de mouvements, tels que le suprématisme de Malevich et le néoplasticisme de Mondrian, chacun avec son approche unique de la forme et de la couleur. Ces visions cherchaient à distiller l'essence de la réalité en formes géométriques pures et en couleurs primaires, créant des œuvres à la fois contemplatives et révolutionnaires.
Il est évident que, pour l'instant, nous avons discuté d'une histoire maintenant bien connue de tous : les manières dont l'art abstrait est né et s'est imposé dans le langage de la peinture. Je veux maintenant expliquer et illustrer comment ce langage s'est ensuite exprimé dans la sculpture, la photographie et d'autres supports artistiques. Tout cela sera illustré par des exemples contemporains sélectionnés dans le riche corpus d'œuvres faisant partie de la collection en évolution d'Artmajeur. Commençons donc par l'histoire du dessin !
J'ai vu tant de paysages (2023) Dessin de Frank Verreyken
Dessin Abstrait : Histoire, Style et Chefs-d'œuvre
Le dessin et la peinture ont toujours été étroitement liés, le dessin étant souvent considéré comme une phase préliminaire ou une étude pour des œuvres picturales plus grandes. Dans l'art abstrait, cette relation reste évidente, car de nombreux peintres abstraits ont également produit des dessins abstraits qui reflètent leurs explorations picturales. Comment cette connexion entre les deux langages se manifeste-t-elle ? Elle se voit dans le partage des thèmes, des techniques et des objectifs entre les deux médiums : tous deux cherchent à transcender la représentation figurative traditionnelle pour explorer de nouvelles formes d'expression artistique.
Pour approfondir, Wassily Kandinsky, par exemple, a créé de nombreux dessins abstraits qui, comme ses peintures, évitent les représentations reconnaissables pour se concentrer sur des compositions purement idéales, destinées à explorer la couleur et la forme et à évoquer des émotions et des concepts spirituels.
De même, Piet Mondrian a appliqué des principes géométriques dans ses dessins ainsi que dans ses peintures, tandis que Kazimir Malevich, avec son suprématisme, a créé des dessins qui explorent la pure sensibilité de la forme, sans aucune référence aux objets physiques, tout comme dans son art pictural.
Alors, qu'est-ce qui distingue un dessin d'une peinture abstraite ? Bien qu'il soit vrai que le premier médium partage de nombreuses caractéristiques avec le second, comme l'utilisation de formes géométriques, de lignes fluides et de couleurs contrastées destinées à évoquer des émotions et des concepts, le dessin abstrait a également ses particularités distinctives. Alors que la peinture peut exploiter les qualités uniques de la couleur et de la texture, le dessin tend à se concentrer davantage sur la ligne, la composition et la forme, utilisant une gamme de couleurs plus limitée, souvent en se concentrant sur le noir et blanc ou les tons monochromatiques pour accentuer la structure et le mouvement. Enfin, si le dessin abstrait explore souvent la spontanéité et l'immédiateté du trait, la peinture peut nécessiter des processus plus longs et des couches de travail.
Sans titre 838 (2024) Peinture d'Oto Macek
Exemples Contemporains : Comparaison entre la Peinture et le Dessin d'Oto Macek
Pour illustrer le lien entre la peinture et le dessin abstrait, nous pouvons considérer le travail de l'artiste contemporain Oto Macek. Sa peinture "Untitled 838" (2024) et son dessin "Untitled 3732" (2023) représentent le même sujet et l'exploration de la forme, mais ils diffèrent dans leur utilisation de la couleur, la technique et les nuances employées.
Dans "Untitled 838", Macek utilise diverses nuances de bleu et de bleu ciel, en employant une technique de peinture en couches pour créer une composition dynamique et vibrante où les lignes et les formes géométriques s'entrelacent et se chevauchent, générant un sens de mouvement et de profondeur.
"Untitled 3732", en revanche, présente une approche légèrement plus minimaliste dans le dessin. Les formes géométriques sont dessinées avec des lignes précises et nettes, principalement en noir et blanc. La composition est moins dense, avec des espaces laissés dans la couleur du papier, permettant à l'œil de se reposer et de se concentrer sur les interactions entre les formes.
Ces deux œuvres de Macek montrent comment le dessin et la peinture abstraits peuvent explorer les mêmes thèmes et sujets à travers des interprétations différentes, en maintenant une cohérence conceptuelle tout en variant dans l'exécution et l'impact visuel.
Passons maintenant à l'estampe !
Miroir (2024) Impression d'art par Benedicte De Nouel Imbert
Un bref aperçu de la gravure artistique : Passé et Présent
À l'instar du dessin, la gravure artistique, inspirée par la peinture, a embrassé l'abstraction en présentant des sujets similaires à ceux que l'on trouve dans la peinture. Encore une fois, certains des peintres abstraits les plus renommés ont également créé des estampes, tout comme le célèbre maître Joan Miró.
Un exemple contemporain de cette tradition est "Miroir" (2024), une estampe de l'artiste Benedicte De Nouel Imbert, réalisée à l'aide de la technique de la linogravure sur papier. Cette méthode consiste à graver un dessin sur une plaque de linoléum, qui est ensuite encrée et pressée sur du papier pour transférer l'image. Cette technique est connue pour sa capacité à produire des lignes nettes et des contrastes audacieux, idéaux pour l'expression artistique abstraite.
La technique de la linogravure a permis à De Nouel Imbert d'explorer la répétition et la variation des formes avec un grand souci du détail. L'œuvre présente une composition abstraite avec des motifs organiques et géométriques superposés. Les couleurs dominantes sont l'orange et le bleu, créant un fort contraste visuel. Les formes orange évoquent des caractéristiques naturelles similaires à des feuilles, tandis que la figure bleue centrale ajoute un élément de profondeur et de complexité. L'utilisation de couleurs vives et de motifs répétitifs confère à l'œuvre un sens de mouvement et de dynamisme.
Sans titre (n° 121) (2024) Sculpture de Didier Fournier
Sculpture abstraite : histoire, style et chefs-d'œuvre
La sculpture abstraite a commencé à se développer au début du XXe siècle, parallèlement aux changements survenus dans la peinture. De même, les sculpteurs ont cherché à s'affranchir des traditions et des représentations naturalistes, en explorant plutôt des formes pures, des géométries et de nouveaux matériaux. Grâce à cette approche, ils ont pu exprimer des concepts et des émotions à travers la forme et la structure plutôt que par la représentation figurative.
L'un des premiers et des plus influents sculpteurs abstraits fut sans aucun doute Constantin Brâncuși. Né en Roumanie, Brâncuși est connu pour avoir révolutionné le langage sculptural avec son approche de la forme et de la matière. Ses œuvres se caractérisent par des lignes épurées et des surfaces lisses, conçues pour capturer l'essence du mouvement et de la vie, transcendant tout détail réaliste.
Un autre pionnier de la sculpture abstraite est Jean Arp, qui a contribué à ce mouvement avec ses œuvres biomorphiques distinctives. Connu pour travailler principalement avec le bronze et la pierre, Arp a créé des formes organiques qui semblent émerger spontanément de la nature. Ses créations illustrent son approche de l'abstraction à travers l'utilisation de formes fluides et naturelles.
Naum Gabo est également un sculpteur abstrait notable, réputé pour son exploration de l'espace et du temps à travers des formes géométriques et des matériaux transparents, utilisant des lignes et des plans interconnectés. Les œuvres de Gabo visent à représenter des volumes d'espace vide, remettant en question les conceptions traditionnelles de la sculpture.
Pour illustrer davantage ce récit historique et artistique, quelques chefs-d'œuvre notables de la sculpture abstraite de ces maîtres incluent : « Bird in Space » de Constantin Brâncuși (1932-40), « Sculpture to be Lost in the Forest » de Jean Arp (1932) et « Construction in Space » de Naum Gabo (1937-39).
En résumé, la sculpture abstraite se manifeste par l’utilisation de formes géométriques, de lignes épurées et de matériaux innovants destinés à exprimer des idées, des émotions et des concepts abstraits.
Axoliz I (2014) Sculpture de Vincent Champion-Ercoli
Gran bañista (2024) Sculpture de Roberto Canduela
Exemples contemporains : comparaison entre Vincent Champion-Ercoli et Roberto Canduela
J'ai trouvé deux exemples contemporains dans les sculptures « Axoliz I » de Vincent Champion-Ercoli et « Gran bañista » de Roberto Canduela. Qu'ont en commun ces œuvres ? Outre leur approche abstraite, elles utilisent toutes deux le métal comme principal matériau expressif. Plongeons-nous dans l'analyse...
La première œuvre, « Axoliz I », est une création composée de deux éléments linéaires en bronze qui se rejoignent pour former un développement ascendant. Cette description incarne une sorte de dualisme de lourdeur et de légèreté, rendu par un sentiment de mouvement ascendant, symbolisant la croissance et la persévérance. De plus, l'œuvre est porteuse d'autres significations, car les surfaces lisses et la composition imposante évoquent l'élégance et l'optimisme, suggérant une ascension continue malgré les difficultés.
D'autre part, "Gran bañista" rappelle, comme l'a révélé l'artiste lui-même, le sujet des "Grandes Baigneuses" de Cézanne, réinterprété dans les traits abstraits d'une personne se reposant sur le rivage. En ce sens, la forme géométrique s'arque d'une extrémité à l'autre, créant un oculus au centre, rappelant un visage. Les éléments obliques permettent à la sculpture de reposer sur le plan, de manière similaire aux bras et aux coudes d'une baigneuse séchant au soleil. Reflétant ce dernier élément, la sculpture hérite de l'éclat du soleil, avec une finition dorée.
Avec un peu d'imagination, "Axoliz I" peut également être interprétée comme une figure humaine, les lignes ascendantes suggérant la posture verticale d'un corps humain. De cette façon, la nature des formes géométriques analysées ci-dessus peut être liée à un récit plus familier, plus proche de la réalité du spectateur. Tournons maintenant notre attention vers la photographie !
Texture sociétale 6 (2022) Collages de Henok Getachew Woldegebreal
Un bref aperçu du collage : passé et présent
L'abstraction a trouvé un terrain fertile dans la technique du collage, permettant aux artistes d'explorer de nouvelles modalités expressives grâce à la combinaison de divers matériaux. L'utilisation du collage dans l'art abstrait a commencé à prendre forme au début du XXe siècle, grâce à l'innovation d'artistes pionniers cherchant à rompre avec les conventions traditionnelles de la peinture et de la sculpture.
Dans le collage abstrait, les artistes utilisent une variété de matériaux et de techniques pour créer des œuvres qui mettent l'accent sur la composition, la couleur et la texture. Cette forme d'art se détache des représentations figuratives et se concentre sur l'interaction de différents éléments pour évoquer des émotions et des concepts abstraits. Les artistes peuvent combiner des coupures de journaux, des photographies, des tissus et d'autres matériaux pour créer des œuvres stratifiées et dynamiques.
De plus, le collage permet une grande liberté d'expression, car les artistes abstraits peuvent manipuler et réorganiser les matériaux pour créer de nouvelles configurations visuelles. Ce processus d'assemblage et de désassemblage reflète une expérimentation et une découverte continues, typiques de l'art qui échappe à la représentation réaliste.
Parmi les artistes pionniers qui ont adopté le collage dans l'art abstrait figure Hans Arp, connu pour des œuvres comme "Sans titre" (1916-17) et "Grand collage" (1918). En se tournant vers les artistes contemporains, "Societal Texture 6" de l'artiste d'Artmajeur Henok Getachew Woldegebreal se distingue. Ce collage, créé à partir de cartons d'emballage provenant de marchés locaux, disséqués et réassemblés, explore l'interaction complexe entre la modernité, le consumérisme et la mondialisation dans la société contemporaine. Il a été conçu pour critiquer le consumérisme effréné et le cycle de production et de déchets typique des sociétés actuelles.
Après le feu - Pink Orange Pink de Rothko (2018) Photographie de Véronique Durruty
Photographie Abstraite : Histoire, Style et Chefs-d'œuvre
La photographie abstraite a commencé à s'exprimer presque immédiatement après l'invention de cette technologie. En 1842, John William Draper a créé des images en utilisant un spectroscope, dispersant les rayons lumineux en motifs visibles qui n'avaient aucun lien avec la réalité visible. Ces images ont démontré la capacité de la photographie à transformer l'invisible en une présence tangible. Bien que destinées à être des documents scientifiques, ces images sont aujourd'hui appréciées pour leur qualité artistique innovante.
De même, Anna Atkins, l'une des premières photographes, a produit un livre de photogrammes en 1843 en plaçant des algues séchées sur du papier cyanotype, créant des images éthérées blanches sur bleu avec une qualité abstraite. Malgré leur intention d'études scientifiques, ces œuvres possèdent une valeur artistique significative.
Pendant la première décennie du XXe siècle, il y a eu une vague d'exploration artistique qui a conduit à la transition du post-impressionnisme vers des mouvements comme le cubisme et le futurisme. Des artistes tels qu'Alfred Stieglitz, Paul Strand et Edward Steichen ont commencé à expérimenter avec des compositions photographiques abstraites. En 1914, Erwin Quedenfeldt a exposé les premières photographies abstraites publiquement reconnues, tandis qu'Alvin Langdon Coburn a créé la série Vortographs (1917) en utilisant un prisme multifacette pour obtenir des images qui s'éloignaient de la réalité visible.
À partir des années 1920 et 1930, il y a eu une augmentation significative du nombre de maîtres explorant des images abstraites. Comment ce mouvement a-t-il continué à se manifester dans la photographie ? Il l'a fait par diverses techniques, telles que la double exposition, la macrophotographie et la manipulation en chambre. Ces techniques permettent la création d'œuvres qui défient la perception conventionnelle, invitant le spectateur à voir au-delà de la surface apparente.
En parlant de maîtres et de chefs-d'œuvre, les photographes renommés qui ont créé des œuvres abstraites incluent les susmentionnés Alfred Stieglitz, Paul Strand et Edward Steichen, ainsi que Man Ray et László Moholy-Nagy. Le "Rayograph" (1922) de Man Ray et les "Photogrammes" de Moholy-Nagy sont tous des chefs-d'œuvre qui ont transformé des objets ordinaires en compositions visuelles extraordinaires, défiant les conventions et ouvrant de nouvelles possibilités expressives dans l'art photographique.
Série Materia - Composition n° 32 (2024) Photographie d'Alessandro Idini
Exemple contemporain : Materia Series - Composition n° 32 par Alessandro Idini
"Materia Series - Composition n° 32" d'Alessandro Idini est une photographie qui fait partie d'une série conçue pour explorer le concept d'abstraction à travers la matière dans divers états. Cette œuvre s'inspire de la philosophie d'Aristote, qui postule que la matière est nécessaire à la composition de la réalité. La photographie présente des formes délicates et sinueuses qui semblent flotter dans l'espace, générant un mouvement et la sensation d'une transformation et création continues.
De plus, le choix de représenter la matière dans ces états extrêmement fugaces donne à l'œuvre un caractère éphémère, visant à capturer un moment unique qui disparaît dans la matière elle-même peu de temps après. Il est évident que l'exploration continue d'Idini de l'abstraction dans la photographie utilise la matière dans divers états pour explorer les possibilités expressives des formes, créant des compositions qui ne vivent que pour un instant avant de se dissoudre.
Linéarité #7 (2024) Art numérique de Carla Sá Fernandes
Un bref aperçu de l'art numérique
L'art numérique a commencé à prendre forme dans les années 1950 grâce aux expérimentations de Ben Laposky aux États-Unis et de Manfred Frank en Allemagne. Tous deux étaient des mathématiciens et des programmeurs, et non des artistes traditionnels, mais ils possédaient une sensibilité créative qui les a attirés vers l'art graphique.
Progressivement, le monde de l'art numérique a fait des progrès significatifs, cherchant à se faire une place et à établir une niche de marché. De nombreuses expositions ont été organisées et des prix ont été décernés dans le but de sensibiliser le public à cette nouvelle forme d'art.
Il est intéressant de noter que l'art numérique s'exprime à travers l'imitation et la réinterprétation de divers mouvements artistiques traditionnels. Grâce à des logiciels avancés, les artistes numériques peuvent reproduire des techniques de peinture classique, telles que l'huile et l'aquarelle, et expérimenter de nouvelles formes d'expression comme la réalité augmentée (AR) et la réalité virtuelle (VR). Ces technologies permettent aux artistes d'explorer et d'innover continuellement, intégrant des techniques traditionnelles avec des outils modernes pour créer des œuvres allant de l'impressionnisme jusqu'à l'abstraction, notre domaine d'intérêt.
"Linearity #7" est un exemple emblématique de la façon dont l'abstraction numérique prend forme et vie. Cette œuvre est une symphonie de lignes vibrantes, où chaque couleur joue sa propre mélodie tout en s'harmonisant avec ses voisines. La pièce explore l'ordre et le rythme, infusant l'espace d'une énergie puissante qui célèbre à la fois l'unité et la diversité.
Olimpia Gaia Martinelli
