Alicia Keys et Swizz Beatz : protectrices des artistes

Qui sont Alicia Keys et Swizz Beatz ?

Clés Alicia

Alicia Keys, dont le nom de naissance est Alicia Augello Cook (née le 25 janvier 1981), est une chanteuse et compositrice américaine accomplie. Elle possède une formation de piano classique et a commencé à composer des chansons à l'âge de 12 ans. À seulement 15 ans, elle a signé un contrat d'enregistrement avec Columbia Records. Suite à des différends avec le label, elle a signé avec Arista Records et a ensuite sorti son premier album, "Songs in A Minor", via J Records en 2001. L'album a été à la fois acclamé par la critique et un succès commercial, se vendant à plus de 12 millions d'exemplaires dans le monde. Il présentait le single numéro un du Billboard Hot 100 "Fallin'" et a valu à Keys cinq Grammy Awards sans précédent en 2002.

Alicia Keys a connu un succès remarquable, vendant plus de 90 millions de disques dans le monde, consolidant ainsi son statut d'artiste musicale les plus vendues au monde. Ses distinctions comprennent 15 Grammy Awards, 17 NAACP Image Awards, 12 ASCAP Awards et la reconnaissance du Songwriters Hall of Fame et de la National Music Publishers Association. Elle a été honorée par Billboard en tant qu'artiste R&B/Hip-Hop de la décennie (années 2000) et classée dixième sur sa liste des 50 meilleurs artistes R&B/Hip-Hop des 25 dernières années. VH1 l'a incluse dans sa liste des 100 plus grands artistes de tous les temps et des 100 plus grandes femmes de la musique. Le magazine Time l'a nommée l'une des 100 personnes les plus influentes en 2005 et 2017. Keys est également célébrée pour son travail humanitaire, sa philanthropie et son activisme, ayant été nommée ambassadrice de conscience par Amnesty International. Elle a cofondé et est ambassadrice mondiale de l'organisation à but non lucratif de lutte contre le VIH/SIDA Keep a Child Alive.

Swizz Beatz

Kasseem Daoud Dean, né le 13 septembre 1978 et connu professionnellement sous le nom de Swizz Beatz, est un producteur de disques, rappeur, disc-jockey (DJ) et auteur-compositeur américain accompli. Il est originaire du quartier du Bronx à New York, où il a débuté sa carrière musicale en tant que DJ. À l'âge de 18 ans, il commence à se faire un nom sur la scène hip-hop, grâce au label familial, Ruff Ryders, et à son étroite association avec le rappeur DMX de Yonkers. Son rôle de producteur, DJ et hype man de DMX a propulsé Dean au rang de figure importante du monde du hip-hop.

Collectionner l'art afro-américain

En mai 2018, dans la vibrante salle des ventes de Sotheby's New York, le marteau est tombé sur "Past Times" (1997) de Kerry James Marshall, un vaste chef-d'œuvre qui dépeint un cadre pastoral moderne mettant en scène des individus noirs en train de pique-niquer, de faire du bateau, de jouer au golf, et jouer au croquet. Peu de temps après, le prix de vente final, le stupéfiant 21,1 millions de dollars, le plus élevé jamais atteint pour une œuvre d'un artiste afro-américain vivant aux enchères, a déclenché une vive discussion.

Des questions se sont posées : les artistes noirs étaient-ils soudainement devenus une tendance passagère, et les récents regains d’attention n’étaient-ils qu’une tentative de rectifier des décennies de discrimination et de racisme au sein du monde de l’art ? La somme substantielle versée par l'acquéreur, le magnat de la musique Sean « Diddy » Combs, aurait-elle pu être orientée vers des projets plus significatifs ? Notamment, la vente aux enchères présentant les œuvres de Marshall comportait également une vente spéciale qui a permis de récolter 20,2 millions de dollars pour 42 pièces créées par d'autres artistes contemporains noirs de premier plan, les bénéfices étant destinés à soutenir un prochain établissement pour le Studio Museum à Harlem.

Si Diddy avait acquis toutes ces œuvres d'art, il aurait consolidé son statut d'important collectionneur d'art contemporain, économisé près d'un million de dollars et incarné son concept cher d'« excellence noire ». Ce faisant, il aurait veillé à ce qu’une institution afro-américaine dans sa ville natale de Harlem continue de bénéficier aux artistes et conservateurs de couleur pour les générations à venir.

Pour les artistes, la vente de l'œuvre de Marshall - pour laquelle l'artiste lui-même n'a reçu aucune compensation - a rappelé brutalement une question plus immédiate : les artistes visuels devraient-ils avoir droit à des redevances sur la revente de leurs œuvres sur le marché secondaire ? Cette enquête a suscité un intérêt particulier de la part des collectionneurs Kasseem "Swizz Beatz" Dean, le célèbre producteur de hip-hop, et de son épouse, Alicia Keys, la célèbre artiste R&B qui a remporté 15 Grammy Awards. Grâce à leurs collections accumulées, désormais connues sous le nom de Dean Collection, le couple s'est imposé comme un partisan enthousiaste avec pour mission de créer une communauté protectrice pour les artistes qu'ils soutiennent. Dean, un ardent défenseur de l'art qu'il admire, a orchestré l'acquisition du tableau de Marshall par l'intermédiaire de son ami et collègue de longue date dans le monde de la musique. "Il m'a fallu une décennie pour y parvenir", a-t-il raconté, faisant référence au temps qu'il a fallu pour persuader Diddy d'investir de manière significative dans l'art noir. "J'étais catégorique sur le fait que cette œuvre de Kerry James Marshall devait rester dans notre héritage culturel."

Assis dans un restaurant italien décontracté en face de son vaste studio d'enregistrement dans le quartier de Chelsea à New York, où des artistes notables comme Jay-Z, Keys et Adele enregistrent leur musique, il a évoqué la vente historique du tableau de Marshall comme une « négociation difficile ». ". Diddy était inquiet, car il ne s'était jamais aventuré dans un tel territoire auparavant, et après la vente, il a dit à Dean : "Ne vous attendez pas à ce que je fasse quelque chose comme ça tous les jours." En sirotant du rosé, le natif du Bronx a ri et a tenu bon. "Mais il fallait le faire ! C'était un moment monumental." Le même soir, en signe de solidarité, Dean et Keys ont acquis le portrait fictif de Lynette Yiadom-Boakye « An Assistance of Amber » (2017) pour 550 000 $, l'ajoutant ainsi à leur collection.

Keys a fait remarquer : « Il existe d'innombrables artistes de diverses disciplines – musiciens, peintres, sculpteurs, danseurs – qui ont apporté des contributions significatives à la culture mais qui ont malheureusement quitté ce monde sans rien. » Elle a poursuivi : "C'est inacceptable ; ça ne devrait pas être comme ça." Keys a exprimé sa conviction de l'importance pour la société de reconnaître et d'honorer ceux qui apportent une contribution substantielle à leurs communautés. "En tant qu'artistes nous-mêmes, nous nous soucions profondément de nos collègues artistes vivants et nous veillons à ce qu'ils reçoivent une juste reconnaissance pour leur travail." Dans cette perspective, Keys et Dean explorent constamment les moyens de plaider en faveur d’une plus grande équité et d’une plus grande durabilité au sein du marché de l’art, non seulement pour leur bénéfice mais aussi pour celui des autres. "Notre objectif est de créer une communauté dynamique où chacun reçoit la reconnaissance qu'il mérite à juste titre."

L’art visuel a joué un rôle important dans leur relation dès le début. Dean se souvient avec tendresse d'un rendez-vous précoce où il était en retard parce qu'il était occupé à acheter un tableau pour sa future épouse. L'œuvre d'art représentait un piano avec des pinceaux pour touches, créé par l'artiste Art déco français d'origine russe Erté. Quelques mois plus tard, il organise une exposition d'art privée pour Keys, présentant des œuvres d'art du monde entier. L'événement, connu sous le nom de « Alicia's Erté Experience », a eu lieu à la galerie de David Rogath, marchand et collectionneur de Manhattan. Dean a même embauché un éducateur privé pour donner un aperçu du travail d'Erté, et un chef sushi était présent pour l'occasion. Dean a ajouté avec un sourire : "Nous avons parcouru l'exposition en nous plongeant dans l'enseignement dispensé pour chaque pièce." Des années plus tard, Keys a rendu la pareille à ce geste d'affection en organisant une célébration surprise du 30e anniversaire de Dean au musée Guggenheim.

Dean est un collectionneur d'art depuis ses premiers succès en produisant le méga-hit de DMX "Ruff Ryders' Anthem" en 1998, alors qu'il n'avait que 18 ans. Au cours de sa carrière, il a travaillé sur des albums remarquables pour des artistes comme Jay-Z, Busta Rhymes, Eve et Cam'ron. Lorsqu'il a acquis sa première maison, il a réalisé l'importance de l'art pour les personnes qu'il admirait, notamment l'influent directeur musical et mentor, Clive Davis. Dean a partagé : "Je voulais orner mes murs avec des œuvres d'art significatives. Je voulais impressionner Clive Davis chaque fois qu'il venait chez moi." (En fait, une moto Ducati signée par Davis orne désormais fièrement le hall du manoir de Dean et Keys à Englewood, New Jersey.)

À la fin des années 1990, Dean a commencé à fréquenter les galeries d'art et à poser des questions, tout cela dans le but de comprendre comment les gens étaient prêts à payer des sommes importantes, comme 50 000 $ pour un petit tableau. Il a persisté dans sa quête, même lorsqu’il ne se sentait pas le bienvenu. "Je suis devenu incroyablement curieux, faisant des allers-retours. Ils ne m'ont jamais vraiment pris au sérieux. J'avais les cheveux tressés et je portais des pantalons amples."

Au fil du temps, les marchands ont commencé à le remarquer alors qu'il commençait à faire des achats, y compris des premières acquisitions telles qu'une boîte de soupe d'Andy Warhol Campbell et Dracula de la série "Mythes" saupoudrée de diamants de l'artiste pop en 1981. Dean s'est souvenu des artistes qu'il avait initialement acquis, les qualifiant tous de maîtres. Cependant, ces acquisitions manquaient de liens personnels.

Le tournant s’est produit vers 2005 lorsqu’il a commencé à s’engager avec des artistes plus proches de chez lui. Dean a raconté une expérience où Ernie Barnes avait été amené chez lui par avion pour choisir des endroits où accrocher des peintures. Ernie Barnes, un artiste afro-américain décédé de Durham, en Caroline du Nord, qui a eu une carrière dans le football professionnel, s'est fait connaître pour des œuvres comme "Sugar Shack" (1971), une représentation surréaliste de personnages noirs dansant sous des banderoles portant les noms de des légendes de la musique comme « Big Daddy » Rucker et Marvin Gaye.

Au fur et à mesure que Dean approfondissait le domaine de l'art noir, il réalisa qu'il n'y avait pas assez de collectionneurs au sein de la communauté elle-même. S'il entretient un intérêt pour l'art de tous horizons et de toutes cultures, la Dean Collection met un accent particulier sur les artistes afro-américains longtemps négligés. Avant le récent regain d’intérêt, les conservateurs de musée organisaient rarement des expositions personnelles pour les artistes noirs, et les collectionneurs privés et publics acquéraient rarement leurs œuvres de manière significative. Les quelques artistes noirs qui ont réussi à établir des marchés significatifs l'ont souvent fait avec le soutien d'un groupe restreint de mécènes, dont AC Hudgins, collectionneur dévoué et membre du conseil d'administration du Museum of Modern Art, la défunte activiste et collectionneuse Peggy Cooper Cafritz de Washington, DC, et d'autres artistes noirs comme David Hammons, qui collectionnait avec ferveur les vastes œuvres abstraites d'Ed Clark.

Dans leurs efforts pour élargir ce réseau de soutien, Dean et Keys se sont engagés de manière substantielle dans la collecte d'art noir. Dean a souligné que ces artistes méritent d’être reconnus, affirmant qu’ils doivent être le moteur du changement qu’ils souhaitent voir.

L'une des plus importantes collections d'art afro-américain

Au cours de la dernière décennie, la collection Dean a rassemblé un éventail diversifié de plus de 1 000 œuvres d’art, mettant en vedette des artistes tels que Kehinde Wiley, KAWS, Jeffrey Gibson et Ansel Adams. Ces œuvres abordent fréquemment des thèmes englobant la dynamique du pouvoir, les récits historiques, les perspectives raciales et les questions de genre, chacun ayant une profonde signification personnelle pour Dean et Keys. La collection se distingue également par son caractère inclusif, mettant en valeur de nombreuses artistes femmes comme Toyin Ojih Odutola, Deana Lawson et Deborah Roberts, ainsi que des artistes autodidactes comme le talent émergent Reginald Sylvester II.

En 2015, Dean et Keys ont chargé Sylvester de créer un portrait de Nasir, l'un de leurs cinq enfants, ce qui, comme l'a exprimé Sylvester, « m'a sans aucun doute fourni une rampe de lancement ». Il a poursuivi en expliquant : « Commencer en tant qu'artiste peut être un défi. Si vous travaillez avec diligence, la reconnaissance peut être insaisissable et vous pouvez rester invisible auprès de certaines personnes. Recevoir un tel soutien précoce a sans aucun doute été une source d'inspiration et de motivation.

Alors que le couple s'est concentré sur la consolidation de leur collection d'art, la collection Dean est devenue l'une des compilations les plus importantes d'œuvres d'artistes afro-américains, notamment des personnalités renommées telles que Lorna Simpson, Derrick Adams, Mickalene Thomas et Nina Chanel Abney. . Keys a souligné son dévouement à collectionner de jeunes artistes de couleur, le considérant comme une obligation culturelle. Elle a expliqué : "C'est comme ça que ça devrait être. Il s'agit d'élever les autres, de perpétuer un héritage." Elle aspire à voir leur approche influencer les autres, en particulier les jeunes artistes, à reconnaître l'importance et l'influence de l'art.

Dean et Keys sont nettement plus transparents sur leurs intentions et leurs aspirations que d'autres collectionneurs de leur envergure, qui gardent souvent leurs collections et leurs motivations secrètes. Leur philosophie est résumée dans une devise informelle, telle qu'articulée par Keys, 38 ans : « Pour l'artiste, par l'artiste, avec le peuple ». Ils partagent volontiers les œuvres nouvellement acquises sur le compte Instagram de Dean Collection pour une visualisation facile par le public. Des articles récents ont présenté des œuvres d'art comme « Cornerstone » de Henry Taylor (2016-19), représentant un sans-abri à Los Angeles tenant une pancarte demandant de la nourriture ; « So What » de l'artiste jamaïcain Paul Anthony Smith (2016), offrant la vision d'une femme en costume de plumes célébrant le Carnaval, vue à travers un motif rappelant une clôture de brise-vent ; et la grande composition céleste à trois panneaux de la jeune peintre Naudline Pierre, « Lead Me Gently Home » (2019), poursuivant la tradition expressive et colorée du regretté peintre américain Bob Thompson.

Les collectionneurs qui recherchent spécifiquement des œuvres d'art ayant des thèmes raciaux et culturels profonds sont relativement rares, et la collection Dean se distingue par son engagement passionné dans ce type d'œuvres. Une grande partie de l'importance historique et du sentiment d'urgence de la collection peut être attribuée au travail d'un autre artiste de premier plan, Arthur Jafa. Dean a exprimé son étonnement en déclarant : « Nous sommes les premiers collectionneurs afro-américains de son travail », soulignant le caractère révolutionnaire de leur entreprise. Cet esprit pionnier les a motivés à réaliser des acquisitions substantielles, notamment une pièce monumentale de la série de sculptures « Big Wheel » de Jafa, représentant d'imposants pneus enveloppés de chaînes. De plus, ils ont acquis « Apex » (2013), l'une des premières œuvres vidéo de Jafa composée d'images fixes sur un rythme techno, évoquant le son rythmé d'un moniteur cardiaque.

Dean a également utilisé son influence pour convaincre Kehinde Wiley de se séparer de « Femme Piquée par un Serpent » (2008), une peinture à l'huile monumentale de 25 pieds de long représentant un homme noir vêtu d'un jean, d'une casquette de baseball et d'Adidas, allongé dans un fauteuil. pose inspirée de l’art classique couvrant des siècles. Lors de l'exposition de cette œuvre dans l'enquête de Wiley en 2015 au Brooklyn Museum intitulée « A New Republic », Dean a exprimé son désir de l'acquérir, ce à quoi Wiley a d'abord répondu : « Oh chérie, ce n'est pas à vendre ».

Aujourd'hui, cette pièce remarquable orne une pièce en miroir de leur résidence. Dean et Keys débarrassent parfois cet espace de mobilier pour permettre aux invités, souvent invités à leurs rassemblements renommés, de se délecter librement et de danser à leur guise.

Protéger les artistes

Par une chaude journée d'été, Dean avait rendez-vous chez Sotheby's, où il s'est penché sur une cause qui lui tenait à cœur : "Dean's Choice". Keys, inspirée par son engagement en faveur du développement communautaire et de l'inclusion, a développé ce concept comme « quelque chose qu'un collectionneur pourrait adopter et dire : « Quand je vends cette œuvre d'art, j'aimerais qu'une redevance soit restituée à l'artiste ou à sa famille ». .' C'est tout à fait logique ! Comment peut-on acheter l'œuvre d'un artiste pour 10 000 $ au départ, et plus tard, elle est évaluée à 30 millions de dollars, sans qu'aucune part ne revienne à lui ou à sa famille ?

Pensez à « Past Times », le chef-d’œuvre de Kerry James Marshall qui a établi un record à 21,1 millions de dollars. Il a été initialement vendu en 1997 pour seulement 25 000 $. Peu de temps après son acquisition très médiatisée par Diddy en 2018, un autre incident surprenant a découragé l’artiste basé à Chicago. Lorsque sa ville natale a annoncé son intention de vendre aux enchères une fresque murale qu'il chérissait, « Knowledge and Wonder », qu'il avait créée en 1995 pour la bibliothèque publique de Chicago, avec un prix estimé entre 10 et 15 millions de dollars chez Christie's New York, Marshall a déclaré dans un communiqué a partagé avec ARTnews : "La Ville aux Grandes Épaules a extrait chaque once de valeur possible des fruits de mon travail."

Les projets de vente ont été retirés après l’apparition d’une importante controverse. Il existe cependant de nombreux cas où les œuvres d’artistes noirs ont accédé à des sommes substantielles sur le marché secondaire, ne laissant aux artistes eux-mêmes aucune part des recettes. Notamment, les artistes féminines émergentes Jordan Casteel et Tschabalala Self, toutes deux présentées dans la collection Dean, ont récemment vu leurs premières œuvres, créées au cours de leurs années d'études supérieures, être vendues aux enchères pour des centaines de milliers de dollars. Les prix d’enchères de ces premières pièces pourraient avoir un impact significatif sur les trajectoires de leurs carrières.

« Dean's Choice » apparaît comme une solution potentielle pour remédier à cette iniquité en offrant aux vendeurs la possibilité d'attribuer une partie du produit de leurs ventes au créateur original de l'œuvre. Dean a souligné que cette proposition « n'est pas une question de charité » mais plutôt un appel aux véritables mécènes. Il a établi une comparaison en déclarant : « Si vous mettez quelque chose en gage dans un prêteur sur gages, ils feront ce dont ils ont besoin : c'est le poste de traite. » Dean estime que les acheteurs et vendeurs consciencieux sur le marché secondaire devraient agir en tant que protecteurs des artistes.

Joeonna Bellorado-Samuels, directrice de la galerie Jack Shainman à New York, considère Keys et Dean comme des alliés et des coéquipiers plutôt que de simples clients. Elle a souligné l'importance de leur plaidoyer public en faveur des droits des artistes, citant « Dean's Choice » et leur collaboration avec Sotheby's comme des initiatives puissantes. Bellorado-Samuels, qui a facilité l'inclusion de la sculpture en acier inoxydable « Strike » de Hank Willis Thomas (2018) et de « Stone Arabesque » de Yiadom-Boayke (2018), une peinture à quatre panneaux représentant une ballerine noire, dans la collection Dean, les considère comme des leaders qui jouent un rôle important. Elle a noté : "Ils expriment des idées qui ont peut-être été murmurées auparavant. Leur franc-parler est vraiment vital."

"Dean's Choice" ne représente qu'un des concepts que Keys et Dean ont développés pour rediriger une partie des bénéfices de l'art vers les artistes. En 2015, ils ont lancé « No Commission », une foire d'art où les artistes participants conservent 100 % des recettes de leurs ventes. L'année dernière, ils ont lancé une initiative de subvention appelée « St(art)ups », fournissant 5 000 $ à 20 artistes du monde entier pour soutenir l'organisation de leurs expositions. De plus, ils prévoient de dévoiler une application nommée « Smart Collection » l’année prochaine. Dean l'a décrit comme « une plateforme par abonnement où les artistes conservent 100 % de ce qu'ils vendent ». Ce concept, développé en partie lors des études de Dean à la Harvard Business School en 2017, vise à offrir aux artistes qui n'ont pas accès à la représentation traditionnelle en galerie une opportunité de présenter et de vendre leur travail.

"Pays des rêves" et "Pays créatif"

Il existe également Dreamland, une résidence d'artistes informelle créée par Dean et Keys en Arizona en 2017. Dean a expliqué que même si elle est ouverte à tous les artistes, quelle que soit leur origine, il souhaite que les artistes afro-américains sachent qu'il existe un lieu appartenant à des Africains. -Les Américains où ils peuvent aller pour se libérer des pressions liées aux spectacles et aux ventes. Il considère Dreamland comme un sanctuaire permettant aux artistes de se réinitialiser et de vider leur esprit.

L'enthousiasme de Dean a culminé lors de la discussion d'un projet à long terme que lui et Keys ont envisagé : une nouvelle institution provisoirement nommée Creativeland. Cette institution servira d'espace aux créatifs de divers domaines pour collaborer sur des idées liées à l'art, à la technologie et aux affaires. Leur vision comprend des plans pour un campus avec des espaces d'exposition pour leur collection, un centre de performance, des salles de classe et des espaces de vie/travail pour les visiteurs. Ils ont identifié un site couvrant plus de 100 acres de terrain dans le nord de l'État de Macédoine, dans l'État de New York, une petite ville située à environ 20 miles de Rochester. L'éducation est un aspect crucial du projet, car Dean vise à fournir à la communauté culturelle des outils essentiels, inspirés de son passage à Harvard, pour aider les artistes à obtenir plusieurs places à la table et au sein des conseils d'administration. L’objectif est de responsabiliser les créatifs et de leur fournir les ressources nécessaires pour réussir.

Keys a souligné que leurs initiatives sont conçues pour être inclusives et uniformiser les règles du jeu, rendant l'art plus accessible et bénéfique pour tous. En tant que couple profondément impliqué dans le type de travail qui a initialement fait leur succès, ils apprécient particulièrement la valeur des relations d’artiste à artiste. Ils comprennent des aspects de l’art que d’autres pourraient négliger parce que ce n’est pas leur principale source de revenus.

Dean et Keys redéfinissent le rôle des collectionneurs contemporains. Aux côtés de collectionneurs noirs influents tels que la philanthrope Pamela J. Joyner, l'ancien producteur de MTV Bernard Lumpkin et Troy Carter, directeur polyvalent de la musique et de la technologie, ils sont des mécènes activistes qui considèrent leur rôle comme une opportunité de se connecter avec des artistes et de s'assurer que leur travail trouve une place dans des collections significatives. Simultanément, ils contribuent à diversifier l’histoire de l’art tout en aidant les artistes à interagir avec des publics qui partagent leurs expériences et offrent un contexte où leur représentation est priorisée et valorisée.

Derrick Adams, dont les œuvres font partie de la Dean Collection, a partagé son point de vue : « Il est essentiel pour moi que de jeunes collectionneurs noirs acquièrent mes œuvres. Les récits que j'incorpore dans mon art sont liés aux expériences quotidiennes des Noirs. non seulement le comprendre d'un point de vue formel, mais aussi du point de vue de l'héritage, a plus de poids : cela donne du pouvoir."

Dean et Keys ont également organisé des expositions remarquables présentant des œuvres d’art dépassant leur propre collection. "Dreamweavers", une exposition collective de deux mois inaugurée en février à l'UTA Artist Space de Los Angeles (gérée par United Talent Agency), a présenté 20 artistes noirs contemporains, dont Carrie Mae Weems, Cy Gavin, Ming Smith et Karon. Davis. L'exposition a célébré une « renaissance noire » contemporaine dans la production artistique, telle que décrite par la conservatrice Nicola Vassell, qui supervise la collection Dean. Des amis, dont Beyoncé et Jay-Z, ont acquis des œuvres de l'exposition pour leurs propres collections.

L'engagement du couple dans les expositions s'étend au prêt d'œuvres d'art pour des expositions institutionnelles. Plus tôt cette année, « Gordon Parks : Selections from the Dean Collection » présentait 80 photographies couvrant la carrière de l'artiste emblématique à la galerie Ethelbert Cooper de l'Université Harvard. L'exposition a été rendue possible après que Keys ait acquis suffisamment de pièces comme cadeau de fête des pères pour faire de la collection Dean le plus grand détenteur privé de photographies de Gordon Parks. Le travail de Parks allait de la photographie de mode à la documentation du mouvement des droits civiques d'une manière poignante et honnête. Keys a exprimé l'importance de collectionner leur culture et a souligné l'engagement de son mari envers cette mission.

Ambassadeurs de la Fondation Gordon Parks

Peter W. Kunhardt Jr., directeur exécutif de la Fondation Gordon Parks, a fait remarquer : "Alicia et Swizz entretiennent une amitié qui dure depuis près d'une décennie". Après avoir fait leur connaissance, il a ajouté : "J'ai été vraiment impressionné par eux deux en raison de leur connaissance approfondie de Parks, de son récit et de sa vie." Lorsqu'ils ont exprimé leur désir de défendre la fondation, Kunhardt n'aurait pas pu être plus ravi. "Nous avons ici deux artistes très importants dans leurs propres domaines qui réfléchissent aux artistes décédés et réfléchissent à la manière dont l'héritage d'individus comme Gordon Parks peut encore avoir une signification et avoir un impact dans le monde d'aujourd'hui."

Le dévouement de Dean envers Gordon Parks est profondément enraciné dans son engagement à remodeler le récit dans le cadre d'une mission plus large visant à défendre et perpétuer l'héritage des artistes de couleur influents. Dans le but de devenir un défenseur plus efficace à cet égard, il a assumé le rôle de membre du conseil d'administration du Brooklyn Museum en 2015, où il a continué à servir avec diligence. Anne Pasternak, la directrice du musée, a souligné : « Cet individu utilise son influence considérable dans le monde, sa position de pouvoir important, au profit des autres – artistes, institutions. Il va au-delà de l'intérêt personnel, ce qui est rare parmi ceux qui occupent des positions similaires. " Lui et Alicia ont délibérément et activement mis à profit leur position pour le bien commun. Cela fait partie de leurs convictions fondamentales. "

Dean lui-même encourage les autres à utiliser ses ressources en disant : « Je dis à tout le monde : écoutez, utilisez-moi comme une force de changement. » En plus de son rôle au sein du conseil d'administration de la Fondation Amériques des Serpentine Galleries de Londres, il s'aligne sur Pasternak comme un « perturbateur ». Après une discussion d'après-midi autour du rosé, il a résumé son plaidoyer en ceci : « Contactez-moi lorsque vous êtes prêt à perturber le statu quo. »

Pour l’avenir, il envisage la mise en œuvre pratique des initiatives dont il discute, telles que parvenir à un plus grand équilibre sur le marché de l’art, étendre No Commission à une entreprise plus importante et introduire Smart Collection. Alors qu'il énumérait ces efforts, il fit une brève pause, reconnaissant : « Je ne peux pas y parvenir seul. » Cette reconnaissance souligne l’importance des efforts collectifs de divers horizons pour faire avancer cette cause.