Ο Πάμπλο Πικάσο, γεννημένος στη Μάλαγα της Ισπανίας, στις 25 Οκτωβρίου 1881, φημίζεται ως ένας από τους πιο σημαντικούς καλλιτέχνες του 20ου αιώνα, έχοντας αφήσει ανεξίτηλο το στίγμα του στον κόσμο της τέχνης μέσω της πρωτοποριακής του συμβολής σε κινήματα όπως ο κυβισμός και ο σουρεαλισμός. Η καινοτόμος προσέγγισή του στην τέχνη, η οποία περιελάμβανε τη συν-εφεύρεση του κολάζ και τη δημιουργία δομημένης γλυπτικής, κάλυπτε ένα ευρύ φάσμα στυλ και περιόδων, από την περίοδο του Μπλε και του Ρόδου μέχρι τα μεταγενέστερα έργα του που συχνά συνδύαζαν στοιχεία των προηγούμενων πειραμάτων του. Καθ 'όλη τη γόνιμη καριέρα του, τα έργα του Πικάσο, συμπεριλαμβανομένων αριστουργημάτων όπως το Les Demoiselles d'Avignon και η Guernica , αντανακλούσαν το εξελισσόμενο καλλιτεχνικό του όραμα και εδραίωσαν την κληρονομιά του ως επαναστατικής φιγούρας στη σύγχρονη τέχνη.
Βιογραφία καλλιτέχνη: Pablo Picasso
Ο Πάμπλο Ρουίζ Πικάσο γεννήθηκε στις 25 Οκτωβρίου 1881 στη Μάλαγα της Ανδαλουσίας της Ισπανίας, το πρώτο παιδί του Δον Χοσέ Ρουίς υ Μπλάσκο και της Μαρίας Πικάσο και Λόπες. Μεγαλώνοντας σε μια μεσοαστική οικογένεια, ο Πικάσο βυθίστηκε στην τέχνη από μικρή ηλικία, με οδηγό τον πατέρα του, έναν ικανό ζωγράφο και καθηγητή τέχνης. Το έμφυτο ταλέντο του στο σχέδιο ήταν εμφανές από την παιδική του ηλικία, με τις πρώτες του λέξεις να είναι μια παιχνιδιάρικη συντομογραφία της ισπανικής λέξης «μολύβι». Από την ηλικία των επτά ετών, ο Πικάσο έλαβε επίσημη εκπαίδευση στο σχέδιο φιγούρων και την ελαιογραφία, ενισχύοντας μια πειθαρχημένη προσέγγιση στην τέχνη που έρχεται σε αντίθεση με το μετέπειτα επαναστατικό πνεύμα του. Η μετακόμιση της οικογένειας στην Κορούνια το 1891 επέτρεψε στον Πικάσο να αναπτύξει περαιτέρω τις δεξιότητές του, αν και η απόφαση του πατέρα του να εγκαταλείψει τη ζωγραφική αφού αναγνώρισε την ανώτερη τεχνική του γιου του σηματοδότησε μια κομβική στιγμή στο καλλιτεχνικό ταξίδι του νεαρού Πικάσο.
Η τραγωδία σημειώθηκε το 1895 όταν η επτάχρονη αδερφή του Πικάσο, Κοντσίτα, πέθανε από διφθερίτιδα, με αποτέλεσμα η οικογένεια να μετακομίσει στη Βαρκελώνη. Εκεί, ο Πικάσο ευδοκίμησε ακαδημαϊκά και καλλιτεχνικά, κερδίζοντας την είσοδο στη Σχολή Καλών Τεχνών σε ηλικία μόλις δεκατριών ετών. Παρά την έλλειψη πειθαρχίας στα επίσημα περιβάλλοντα, το εξαιρετικό του ταλέντο του κέρδισε την αναγνώριση και τον θαυμασμό. Στα δεκαέξι του, ο Πικάσο μετακόμισε στη Μαδρίτη για να παρακολουθήσει το Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, αλλά η περιφρόνησή του για την παραδοσιακή διδασκαλία τον οδήγησε να εγκαταλείψει τις επίσημες σπουδές. Αντίθετα, βυθίστηκε στην πλούσια καλλιτεχνική κληρονομιά του Μουσείου Πράδο, αντλώντας έμπνευση από δασκάλους όπως ο Ελ Γκρέκο, η επιρροή του οποίου είναι εμφανής στα μεταγενέστερα έργα του Πικάσο. Η προσωπική ζωή του Πικάσο ήταν τόσο ζωντανή και πολυτάραχη όσο και η τέχνη του. Σε όλη του τη ζωή, διατήρησε πολλές έντονες σχέσεις, οι οποίες επηρέασαν βαθιά τη δημιουργική του παραγωγή. Παντρεύτηκε δύο φορές και απέκτησε τέσσερα παιδιά με τρεις διαφορετικές γυναίκες, με κάθε σχέση να αφήνει ανεξίτηλο το στίγμα του στη δουλειά του. Οι μούσες του Πικάσο, όπως η Olga Khokhlova, η Marie-Thérèse Walter και η Dora Maar, έπαιξαν σημαντικό ρόλο στην καλλιτεχνική του εξέλιξη, υπηρετώντας ως θέματα και έμπνευση για μερικά από τα πιο διάσημα έργα του. Ωστόσο, οι σχέσεις του συχνά χαρακτηρίστηκαν από συναισθηματικές αναταράξεις και τραγωδίες, με αρκετούς από τους συντρόφους και τα παιδιά του να υποφέρουν από προβλήματα ψυχικής υγείας και πρόωρους θανάτους.
Πολιτικά, ο Πικάσο παρέμεινε σε μεγάλο βαθμό αποκομμένος από την άμεση ανάμειξη σε κινήματα όπως ο αγώνας για την ανεξαρτησία της Καταλονίας, αν και εξέφρασε τη γενική υποστήριξη και διατήρησε φιλίες με ακτιβιστές. Κατά τη διάρκεια του Ισπανικού Εμφυλίου Πολέμου, ανέλαβε ερήμην τον τιμητικό ρόλο του «διευθυντή του Πράδο», συμβάλλοντας στη διαφύλαξη της συλλογής του μουσείου. Η φρίκη του πολέμου τον επηρέασε βαθιά, οδηγώντας στη δημιουργία του εμβληματικού αντιπολεμικού πίνακα του, Guernica . Το 1944, ο Πικάσο εντάχθηκε στο Γαλλικό Κομμουνιστικό Κόμμα, ευθυγραμμιζόμενος με τις αριστερές ιδεολογίες και υποστηρίζοντας ενεργά τα κινήματα ειρήνης. Οι πολιτικές του δεσμεύσεις αντικατοπτρίστηκαν στην τέχνη του, κυρίως σε έργα όπως η Σφαγή στην Κορέα και το παγκοσμίως αναγνωρισμένο «Περιστέρι της Ειρήνης». Η ζωή του Πικάσο έλαβε τέλος στις 8 Απριλίου 1973, στο Μουζίν της Γαλλίας, από πνευμονικό οίδημα και καρδιακή προσβολή. Ενταφιάστηκε στο Château of Vauvenargues, ένα ακίνητο που αγαπούσε από το 1958. Ο απόηχος του θανάτου του σημαδεύτηκε από προσωπική τραγωδία, καθώς η σύζυγός του Ζακλίν Ροκ αυτοκτόνησε το 1986, συντετριμμένη από τον θάνατο του Πικάσο.
Στυλ & Τεχνική
Κατά τη διάρκεια της μακροχρόνιας καριέρας του, παρήγαγε ένα εκπληκτικό σύνολο έργων που κάλυπταν πολλά μέσα, όπως ζωγραφική, γλυπτική, κεραμική, σχέδιο, χαρακτική, ακόμη και υφάσματα. Ο τεράστιος όγκος των δημιουργιών του, με περισσότερα από 45.000 απούλητα έργα τη στιγμή του θανάτου του, αποτελεί απόδειξη της αδυσώπητης ορμής και της ευελιξίας του. Στη ζωγραφική, χρησιμοποίησε το χρώμα ως εκφραστικό στοιχείο, αλλά στηρίχτηκε πολύ στο σχέδιο για να δημιουργήσει φόρμα και χωρικές σχέσεις. Η καινοτόμος προσέγγισή του περιλάμβανε μερικές φορές την προσθήκη αντισυμβατικών υλικών όπως η άμμος στη βαφή του, τη δημιουργία ποικίλων υφών και τον εμπλουτισμό της απτικής ποιότητας της δουλειάς του. Μια επιστημονική ανάλυση του πίνακα του Η Κόκκινη Πολυθρόνα (1931) αποκάλυψε ότι ο Πικάσο χρησιμοποιούσε κοινή μπογιά σπιτιού στα έργα του, επιβεβαιώνοντας τις μακροχρόνιες υποψίες και επιδεικνύοντας την προθυμία του να σπάσει τα παραδοσιακά όρια. Το γλυπτικό έργο του Πικάσο αντικατοπτρίζει επίσης το καινοτόμο πνεύμα του. Στην αρχή της καριέρας του, δούλευε με παραδοσιακά υλικά όπως ξύλο, κερί και πηλό, αλλά από το 1909 έως το 1928, στράφηκε προς τη δημιουργία γλυπτικών κατασκευών από μια ευρεία γκάμα υλικών. Η κιθάρα του (1912), φτιαγμένη από λαμαρίνα και σύρμα, είναι ένα χαρακτηριστικό παράδειγμα αυτής της προσέγγισης, η οποία έχει περιγραφεί ως τρισδιάστατο αντίστοιχο των κυβιστικών του ζωγραφιών - μια ριζική απόκλιση από τις συμβατικές τεχνικές γλυπτικής.
Είτε επρόκειτο για τους σκοτεινούς τόνους της Μπλε Περιόδου του, τη ζεστασιά της περιόδου του με τα τριαντάφυλλα, είτε για τις κατακερματισμένες μορφές του κυβισμού, το στυλ του Πικάσο ήταν ρευστό και συνεχώς εξελισσόμενο. Συχνά ζωγράφιζε από τη φαντασία ή τη μνήμη, παράγοντας έργα που αντανακλούσαν τις προσωπικές του εμπειρίες και σχέσεις, κάτι που έκανε πολλούς να θεωρήσουν το έργο του ως μια τεράστια εικαστική αυτοβιογραφία. Αυτή η αυτοβιογραφική πτυχή ενισχύεται από τη συνήθεια του Πικάσο να χρονολογεί σχολαστικά τα έργα του, καθώς είχε στόχο να αφήσει μια πλήρη τεκμηρίωση της καλλιτεχνικής του διαδρομής. Τα κυβιστικά έργα του Πικάσο, αν και συνορεύουν με την αφαίρεση, ποτέ δεν χώρισαν εντελώς από τον πραγματικό κόσμο. Οι πίνακές του συχνά περιλάμβαναν αναγνωρίσιμα αντικείμενα όπως κιθάρες, βιολιά και μπουκάλια, ακόμη και όταν ήταν αναλυμένα σε γεωμετρικές μορφές. Ενώ οι μεγάλες αφηγηματικές σκηνές ήταν σπάνιες στους πίνακές του, η Guernica (1937) αποτελεί μνημειώδη εξαίρεση, αποτυπώνοντας τη φρίκη του πολέμου σε μια δυνατή, πολύπλοκη σύνθεση.
Σύντομη Ιστορία του Κυβισμού
Ο κυβισμός, ένα επαναστατικό κίνημα τέχνης των αρχών του 20ου αιώνα που εμφανίστηκε στο Παρίσι, μεταμόρφωσε βαθιά τη ζωγραφική και τις εικαστικές τέχνες, με την επιρροή του να επεκτείνεται στη μουσική, το μπαλέτο, τη λογοτεχνία και την αρχιτεκτονική. Πρωτοπόρος από τον Pablo Picasso και τον Georges Braque, ο κυβισμός έσπασε με τις παραδοσιακές προοπτικές αναλύοντας θέματα, διασπώντας τα και επανασυναρμολογώντας τα σε αφηρημένες μορφές που απεικόνιζαν πολλαπλές απόψεις ταυτόχρονα. Αυτό το κίνημα, το οποίο άντλησε έμπνευση από τα τελευταία έργα του Paul Cézanne, θεωρείται συχνά το πιο επιδραστικό κίνημα τέχνης του 20ου αιώνα. Αρχικά αναπτύχθηκε στις γειτονιές της Μονμάρτρης και του Μονπαρνάς του Παρισιού και αργότερα στο κοντινό Puteaux, ο κυβισμός χαρακτηρίστηκε από τη ριζική του απομάκρυνση από την απεικόνιση του ρεαλιστικού χώρου, οδηγώντας σε διάφορες παραφυάδες όπως ο Ορφισμός, ο Πουρισμός και η αφηρημένη τέχνη. Το κίνημα εισήγαγε το κολάζ ως μια σύγχρονη μορφή τέχνης και επηρέασε μια σειρά από άλλα καλλιτεχνικά κινήματα όπως ο Φουτουρισμός, ο Σουπρεματισμός, ο Νταντά και ο Κονστρουκτιβισμός. Η ιστορία του κυβισμού τυπικά χωρίζεται σε φάσεις, ξεκινώντας με τον Αναλυτικό Κυβισμό, ο οποίος εμφανίστηκε μεταξύ 1910 και 1912, που χαρακτηρίζεται από μια κατακερματισμένη προσέγγιση της μορφής και του χώρου. Ακολούθησε ο Συνθετικός Κυβισμός, ο οποίος παρέμεινε ζωτικός μέχρι την άνοδο του Σουρεαλισμού γύρω στο 1919. Μια άλλη κατηγοριοποίηση περιλαμβάνει τον «Πρώιμο Κυβισμό», τον «Υψηλό Κυβισμό» και τον «Ύστερο Κυβισμό», με κάθε φάση να αντιπροσωπεύει διαφορετικά στάδια ανάπτυξης και πειραματισμού μέσα στο κίνημα . Παρά την εξέλιξή του και την εμφάνιση διαφόρων ερμηνειών, η επίδραση του κυβισμού παρέμεινε διάχυτη, επηρεάζοντας όχι μόνο τις εικαστικές τέχνες αλλά και συμβάλλοντας σε μια ευρύτερη ιδεολογική στροφή προς τη νεωτερικότητα και τη μηχανοποίηση στις αρχές του 20ού αιώνα.
Εμβληματικά έργα τέχνης
Ανάμεσα στα πιο διάσημα έργα του είναι η Guernica (1937), ένας μνημειώδης αντιπολεμικός πίνακας που μεταφέρει δυναμικά τη φρίκη του Ισπανικού Εμφυλίου Πολέμου. Το Les Demoiselles d'Avignon (1907), ένα πρωτοποριακό έργο, διέλυσε τις παραδοσιακές προοπτικές και άνοιξε το δρόμο για τον κυβισμό. Ο Παλιός Κιθαρίστας (1904), από την Μπλε Περίοδο του, αποτυπώνει τη ζοφερή πραγματικότητα του ανθρώπινου πόνου, ενώ το Girl Before a Mirror (1932) και το Le Rêve (1932) είναι οι προσωπικές απεικονίσεις της μούσας του Marie-Thérèse Walter, δείχνοντας τη γοητεία του με την ψυχολογία. βάθος και σουρεαλισμός. Η πρώιμη μαεστρία του Πικάσο είναι εμφανής σε έργα όπως το First Communion (1896) και το Science and Charity (1897), ενώ οι μεταγενέστερες δημιουργίες του όπως το Dove of Peace (1949) και ο Don Quixote (1955) τονίζουν τη διαρκή δέσμευσή του τόσο στην απλότητα όσο και στον συμβολισμό. Οι Three Dancers (1925) και Weeping Woman with Handkerchief (1937) αποκαλύπτουν την εξερεύνηση της συναισθηματικής του έντασης και το Bull's Head (1942) αποτελεί παράδειγμα της ικανότητάς του να βρίσκει τέχνη στην καθημερινότητα. Από τη στοιχειωμένη μελαγχολία της Τραγωδίας (1903) μέχρι τον ζωντανό σουρεαλισμό του Φιλιού (1925), το έργο του Πικάσο είναι μια απόδειξη της αδιάκοπης καινοτομίας και της βαθιάς του επίδρασης στην τέχνη του 20ού αιώνα.
Γκουέρνικα (1937)
Η Guernica (1937) του Πάμπλο Πικάσο στέκεται ως ένας από τους πιο ισχυρούς αντιπολεμικούς πίνακες στην ιστορία της τέχνης, που περικλείει την απανθρωπιά, τη βαρβαρότητα και την απόγνωση που προκλήθηκαν από τη σύγκρουση μέσα από την έντονη εικόνα και τον περίπλοκο συμβολισμό του. Δημιουργήθηκε ως απάντηση στον βομβαρδισμό της 26ης Απριλίου 1937 στη βασκική πόλη Guernica κατά τη διάρκεια του Ισπανικού Εμφυλίου Πολέμου, ο πίνακας ξεπερνά τη συγκεκριμένη θηριωδία και γίνεται παγκόσμιο σύμβολο του πόνου που προκαλείται από τη βία. Ο βομβαρδισμός, που εκτελέστηκε από τη Λεγεώνα Condor της Ναζιστικής Γερμανίας για την υποστήριξη των εθνικιστικών δυνάμεων του Francisco Franco, είχε ως αποτέλεσμα τον θάνατο εκατοντάδων αμάχων, κυρίως γυναικών και παιδιών. Ο Πικάσο, βαθιά επηρεασμένος από αυτά τα γεγονότα, ανατέθηκε να δημιουργήσει την Guernica για το Ισπανικό Περίπτερο στη Διεθνή Έκθεση του Παρισιού το 1937. Ο μνημειώδης καμβάς, διαστάσεων 3,5 μέτρα επί 7,8 μέτρα, αποδίδεται σε μια μονόχρωμη παλέτα μαύρου, λευκού και γκρι, που εντείνει τον ζοφερό τόνο του και τονίζει τη βαρύτητα του θέματός του. Η χαοτική σύνθεση είναι γεμάτη με κατακερματισμένα σώματα, αγωνιώδεις εκφράσεις και σύμβολα βίας, με έναν ταύρο να στέκεται απαθής στα αριστερά και ένα άλογο, με λόγχη και να ουρλιάζει, να κυριαρχεί στο κέντρο. Οι ερμηνείες του ταύρου και του αλόγου ποικίλλουν, με μερικούς να βλέπουν τον ταύρο ως σύμβολο ωμότητας και το άλογο ως τα βάσανα των ανθρώπων, ενώ άλλοι βλέπουν αυτές τις φιγούρες ως πιο διφορούμενες. Ο ίδιος ο Πικάσο άφησε ανοιχτή την ερμηνεία, ενθαρρύνοντας τους θεατές να αντλήσουν τα δικά τους νοήματα. Η Γκερνίκα σηματοδότησε μια σημαντική στροφή στο έργο του Πικάσο προς την πολιτική έκφραση, επηρεασμένη εν μέρει από τη σχέση του με τη Ντόρα Μάαρ, μια σουρεαλίστρια φωτογράφο και αντιφασίστρια ακτιβίστρια που κατέγραψε τη δημιουργία του πίνακα. Το έργο απέκτησε πολιτική ισχύ μέσω διεθνών εκθέσεων, ευαισθητοποίησης και κεφαλαίων για τους Ισπανούς πρόσφυγες και έγινε σύμβολο αντίστασης ενάντια στο φασισμό. Μετά τον πόλεμο, η Γκερνίκα ανατέθηκε στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης (MoMA) στη Νέα Υόρκη, με τον Πικάσο να ορίζει ότι δεν θα έπρεπε να επιστρέψει στην Ισπανία μέχρι να αποκατασταθεί η δημοκρατία. Το 1981, έξι χρόνια μετά τον θάνατο του Φράνκο, ο πίνακας μεταφέρθηκε τελικά στην Ισπανία, όπου τώρα κατοικεί στο Museo Reina Sofía στη Μαδρίτη. Η Γκουέρνικα παραμένει ένα διαχρονικό σύμβολο όχι μόνο της τραγωδίας που απεικονίζει, αλλά και της ευρύτερης ανθρώπινης κατάστασης μπροστά στον πόλεμο και τα δεινά, που διαρκεί ως έντονη υπενθύμιση του καταστροφικού αντίκτυπου της σύγκρουσης και της δύναμης της τέχνης να μαρτυρεί την ιστορία.
Le Baiser (1932) του Πάμπλο Πικάσο
Pablo Picasso, Le Baiser, 1932. Πίνακας, Λάδι σε καμβά, 37cm x 48cm.
Το Le Baiser (1932) του Πάμπλο Πικάσο είναι ένα σαγηνευτικό παράδειγμα της κυβιστικής του προσέγγισης, απαθανατίζοντας μια τρυφερή στιγμή μέσα από μια αριστοτεχνική αλληλεπίδραση φόρμας και χρώματος. Ο πίνακας, ένα λάδι σε καμβά, έχει διαστάσεις 48 cm επί 37 cm και αποκαλύπτει την απαράμιλλη ικανότητα του Πικάσο να ανατέμνει και να αναδομεί το ανθρώπινο συναίσθημα. Στην καρδιά του, το έργο απεικονίζει έναν άνδρα και μια γυναίκα να δεσμεύονται σε ένα φιλί, ωστόσο η στιγμή είναι εμποτισμένη με μια βαθιά αίσθηση δυαδικότητας. Το βλέμμα της γυναίκας είναι στραμμένο στενά προς τον εραστή της, ενώ εκείνος, παραδόξως, κοιτάζει προς τον θεατή, δημιουργώντας μια ενδιαφέρουσα διάσταση μεταξύ της κοινής τους εμπειρίας και της οπτικής γωνίας του παρατηρητή. Ο καμβάς αποδίδεται κυρίως σε μια έντονη μονόχρωμη παλέτα, αλλά η τέχνη του Πικάσο ξεπερνά την απλότητα του μαύρου και του λευκού μέσω της λεπτής χρήσης μπλε γραμμών που σχηματίζουν ένα δυναμικό σκηνικό και μιας απαλής πράσινης σκιάς που τονίζει απαλά την αντρική φιγούρα. Αυτή η διακριτική πινελιά χρώματος δίνει ζωή στη σύνθεση, αναδεικνύοντας το συναισθηματικό βάθος της σκηνής διατηρώντας παράλληλα μια εκλεπτυσμένη ισορροπία. Η επιφάνεια του πίνακα αποκαλύπτει την ιστορία του, με μια πλούσια πατίνα χρόνου εμφανή στον κιτρινισμένο καμβά και τη λεπτή επισκευή στην επάνω δεξιά γωνία. Ένα κομψό πλαίσιο, ακόμα σε άριστη κατάσταση, περικλείει το κομμάτι, το οποίο φέρει μαζί του τη γοητεία της παριζιάνικης καταγωγής του το 1932. Η όψη του έργου φέρει μια ετικέτα γκαλερί από εκείνη την εποχή, που συνδέει τον πίνακα με το ιστορικό παρελθόν του.
Τότε η κόρη του Φαραώ άνοιξε το καλάθι και είδε ότι μέσα σε αυτό ήταν ένα παιδί (2010) του Πάμπλο Πικάσο
Pablo Picasso , Τότε η κόρη του Φαραώ άνοιξε το καλάθι και είδε ότι μέσα σε αυτό ήταν ένα παιδί, 2010. Χαρακτηριστική, 50,5 cm x 37 cm.
Αυτό το έργο, μέρος της Σουίτας Exodus, αντανακλά την ενασχόληση του Πικάσο με τη βιβλική αφήγηση της ανακάλυψης του Μωυσή, μια σκηνή σεβαστή και συγκινητική. Η εκτύπωση, μια πρωτότυπη λιθογραφία σε χαρτί Velin Arches διαστάσεων 50,5 x 37 cm, προκύπτει από μια περιορισμένη έκδοση 250 δοκιμών. Η σύνθεση είναι ένα ζωντανό ταμπλό όπου η πράξη της αποκάλυψης γίνεται μια βαθιά συνάντηση. Η κόρη του Φαραώ, προετοιμασμένη σε μια στιγμή λεπτής προσμονής, απεικονίζεται με μια ένταση που μεταφέρει τόσο τη βαρύτητα της ανακάλυψής της όσο και τη χάρη της χειρονομίας της. Τα χρώματα, ένας αρμονικός χορός φωτεινών αποχρώσεων και λεπτών αποχρώσεων, δίνουν ζωή στη σκηνή, αντιπαραθέτοντας το ιστορικό βάρος της αφήγησης με τη χαρακτηριστική πληθωρικότητα και τη σύγχρονη ευαισθησία του Πικάσο. Η λιθογραφία, που δημοσιεύτηκε από τον Leon Amiel στο Παρίσι και τη Νέα Υόρκη το 1966, αποτελεί απόδειξη της ικανότητας του Picasso να εμφυσήσει παλιές ιστορίες με μια φρέσκια, δυναμική προοπτική. Τυπωμένο από τον διάσημο Fernand Mourlot, αυτό το έργο είναι ένα φωτεινό μέρος ενός φιλόδοξου έργου που ανέλαβε ο Marc Chagall, ο οποίος προσπάθησε να φωτίσει την ιστορία του Exodus μέσα από μια σουίτα είκοσι τεσσάρων λιθογραφιών. Η απεικόνιση του Πικάσο, με την απουσία περιθωρίων, παρασύρει τον θεατή σε μια συναρπαστική εμπειρία, αντανακλώντας όχι μόνο τη στιγμή της αποκάλυψης αλλά και το βάθος της ανθρώπινης συγκίνησης και της πνευματικής σημασίας.
Ιστορικό Δημοπρασίας
Αρκετοί πίνακες του Πάμπλο Πικάσο κατατάσσονται μεταξύ των πιο ακριβών στον κόσμο, με πολυάριθμες πωλήσεις ρεκόρ σε δημοπρασίες. Το Garçon à la pipe πουλήθηκε για 104 εκατομμύρια δολάρια στον οίκο Sotheby's το 2004, ακολουθούμενη από το Dora Maar au Chat για 95,2 εκατομμύρια δολάρια το 2006. Το 2010, το Nude, Green Leaves and Bust , που απεικονίζει την ερωμένη του Picasso Marie-Thérèse Walter, απέκτησε 5 εκατομμύρια δολάρια στο Christine's. Το έργο του 1932, Women of Algiers , σημείωσε νέο ρεκόρ το 2015, όταν πουλήθηκε για 179,3 εκατομμύρια δολάρια στον οίκο Christie's στη Νέα Υόρκη. Άλλες αξιοσημείωτες πωλήσεις περιλαμβάνουν το Femme Assise (1909), το οποίο πουλήθηκε για 43,2 εκατομμύρια λίρες το 2016, θέτοντας ρεκόρ για την υψηλότερη τιμή που πληρώθηκε ποτέ για κυβιστικό έργο, και το Femme assise, robe bleu (1939), το οποίο πουλήθηκε για 45 εκατομμύρια δολάρια το 2017 μετά από υπεξαίρεση κατά τη διάρκεια του Β' Παγκοσμίου Πολέμου. Το 2018, το Femme au Béret et à la Robe Quadrillée (1937), ένα άλλο πορτρέτο του Walter, πουλήθηκε για 49,8 εκατομμύρια λίρες στον οίκο Sotheby's στο Λονδίνο.
Αναγνωρίζοντας την απαράμιλλη επιρροή του, ο Πικάσο έγινε ο πρώτος καλλιτέχνης που τιμήθηκε με ειδική έκθεση στο Λούβρο στα 90ά του γενέθλια και ο Ρόμπερτ Χιουζ σημείωσε ότι κανένας καλλιτέχνης, ούτε ο Μιχαήλ Άγγελος, δεν είχε αποκτήσει τέτοια φήμη στη ζωή του. Παρά τη φήμη του, ο Πικάσο κράτησε πολλά από τα έργα του εκτός αγοράς και μετά το θάνατό του, αυτά, μαζί με τη συλλογή έργων άλλων καλλιτεχνών, αποτέλεσαν το θεμέλιο για το Μουσείο Πικάσο στο Παρίσι. Μουσεία αφιερωμένα στον Πικάσο, όπως το Museu Picasso στη Βαρκελώνη και το Museo Picasso Málaga, φιλοξενούν εκτενείς συλλογές από τα πρώτα του έργα και προσωπικά αρχεία. Αξίζει να σημειωθεί ότι η Guernica εκτέθηκε στο MoMA στη Νέα Υόρκη προτού επιστραφεί στην Ισπανία, όπου βρίσκεται τώρα στο Μουσείο Reina Sofía. Η κληρονομιά του Πικάσο επεκτείνεται επίσης στη λαϊκή κουλτούρα, καθώς απεικονίζεται από ηθοποιούς όπως ο Άντονι Χόπκινς και ο Αντόνιο Μπαντέρας, και τα έργα του συνεχίζουν να εκτιμώνται ιδιαίτερα, με τον Πικάσο να παραμένει ο κορυφαίος καλλιτέχνης σε δημοπρασίες από το 2015. Οι πίνακές του ήταν οι πιο συχνά κλαπεί, με πάνω από 1.000 να καταγράφονται ως κλεμμένα από το Art Loss Register το 2012. Στη Βασιλεία, ένα δημοψήφισμα του 1968 οδήγησε στην επιτυχή δημόσια αγορά δύο από τους πίνακές του, μετά την οποία ο Πικάσο δώρισε επιπλέον έργα στην πόλη, και έγινε επίτιμος πολίτης της Βασιλεία.
Selena Mattei
