Top 10: πίνακες μουσικών

LADY GAGA (2022) Digital Arts του Sobalvarro.

Η Katy Perry, η Beyonce και η Lady Gaga...

Οι δέκα κορυφαίοι πίνακές μου συνδέουν την τέχνη και τη μουσική με τον τρόπο που η πρώτη από αυτές τις δύο μορφές έκφρασης προσεγγίζει τη δεύτερη, απαθανατίζοντας και κάνοντας συγκεκριμένο τον άυλο ήχο της. Στην πραγματικότητα, πιθανότατα ήταν η ζωγραφική που προσέγγισε αρχικά τον αφηρημένο κόσμο των νότων, αρχικά μέσω ενός ρεαλισμού που στόχευε στην σύλληψη μουσικών οργάνων και μουσικών και, αργότερα, με το να αποδεσμευτεί από το πιο προφανές πραγματικό δεδομένο, όπως δίδαξε το παράδειγμα των Kandinsky και Klee. μας. Ο πρώτος από αυτούς τους δύο δασκάλους έδωσε στα έργα του ονόματα που σχετίζονται με τη μουσική, εστιάζοντας το έργο του στις ισορροπίες και τις εντάσεις μεταξύ των χρωμάτων, δημιουργώντας συγχορδίες διαφορετικών τόνων, δηλώνοντας ρητά ότι η ζωγραφική μπορούσε να αναπτύξει ακριβώς τις δυνάμεις της μουσικής. Σχετικά με το δεύτερο, ωστόσο, ο ίδιος, επίσης μουσικός, εμπνεύστηκε από τον ήχο για τη διαμόρφωση των τεχνικών που αναπτύχθηκαν μέσω της εικαστικής του έρευνας. Αυτή η εξύψωση του ρόλου της ζωγραφικής, για να γίνει κατανοητή ως μέσο απόδοσης της κατεξοχήν εφήμερης τέχνης της μουσικής, δεν θα πρέπει, ωστόσο, να παραβλέπει πώς ο ήχος, με τη σειρά του, ενέπνευσε επίσης τη γλώσσα του πινέλου, μέσω της πιο αφηρημένης μορφές του λεξιλογίου του, κάτι που φαίνεται, για παράδειγμα, στη δραστηριότητα του James McNeill Whistler, ενός ζωγράφου που ονόμασε πολλά από τα έργα του με μουσικούς όρους. Εκτός από το τελευταίο, ο καλλιτέχνης PJ Crook ασχολήθηκε επίσης με τη μουσική, σχεδιάζοντας μια σειρά από αξέχαστες διασκευές άλμπουμ που ταίριαζαν απόλυτα με τις εξωφρενικές και εξερευνητικές νότες του συγκροτήματος King Crimson.

KATY PERRY (2021) Πίνακας της Iryna Kastsova.

BEYONCÉ, ORIGINAL PAINTING, BEAUTIFUL CELEBRATE SINGER (2023) Πίνακας Marina Fedorova.

Μεταφέροντας, αλλά και συνεχίζοντας, αυτή τη συζήτηση στο πιο κοντινό σήμερα, αφού είδα τα έργα τέχνης του Artmajeur που απεικονίζουν τη Lady Gaga, την Beyonce και την Katy Perry, όπως αυτά που εκτελέστηκαν από την Iryna Kastsova, τη Marina Fedorova και τη Sobalvarro, σκέφτηκα πώς αυτοί οι τρεις τραγουδιστές έχουν μερικές φορές στην πραγματικότητα μετακινούνταν από τον κόσμο της μουσικής στον κόσμο των εικαστικών τεχνών. Μάλιστα, ο πρώτος σταρ έχει συνεργαστεί με τον Τζεφ Κουνς, ξεκίνησε τη «μέθοδο Αμπράμοβιτς» αναδημιουργώντας τις προηγούμενες παραστάσεις του εμβληματικού καλλιτέχνη και έχει απεικονιστεί από τον καλλιτέχνη-φωτογράφο Robert Wilson ως μερικές από τις πιο διάσημες φιγούρες στη συλλογή του Λούβρου. Όσο για την Beyonce, από την άλλη πλευρά, η τραγουδίστρια είναι γνωστό ότι αναμειγνύει αριστοτεχνικά τις ιστορικές αναφορές τέχνης στα βίντεο, τα περιοδικά και τα εξώφυλλα των άλμπουμ της, σε μια εμφάνιση που έχει σχεδιαστεί για να ενισχύσει την εικόνα της ως διεκδικητική θεά. Αυτή η μορφή υβριδισμού μεταξύ των τεχνών πηγάζει από το οικογενειακό πλαίσιο στο οποίο μεγάλωσε η καλλιτέχνις, όπου η μητέρα της την ενθάρρυνε να προβληματιστεί για τον εαυτό της μέσω της χρήσης θετικών, ευγενών και δυνατών εικόνων από την αφρικανική, αφροαμερικανική και γενικότερα γυναικεία εικονογραφία. . Τελειώνοντας με την Kety, έχει τη διάκριση ότι συνεργάστηκε με τον ζωγράφο Will Cotton για να σχεδιάσει το βίντεο California Gurls και με τον γλύπτη Urs Fischer, έναν Ελβετό καλλιτέχνη τον οποίο συμμετείχε στην προώθηση του άλμπουμ της Witness, ωθώντας τον να δημιουργήσει ένα γλυπτό από πλαστελίνη που διαθλά τον Perry. εαυτήν. Τέλος, αφού δημοσιοποίησα ακόμη και τις λιγότερο δημοφιλείς αναφορές στην τέχνη από τον κόσμο της μουσικής, επιστρέφω στο top 10 μου, με στόχο να δείξω πώς οι πιο δημοφιλείς ζωγράφοι όλων των εποχών έχουν αιχμαλωτίσει μουσικούς, παρτιτούρες και μουσικά όργανα.

Top 10: πίνακες μουσικών

Édouard Manet, The Fifer , 1866. Λάδι σε καμβά, 160×98 εκ. Museo d'Orsay, Parigi.

10. The Fifer (1866) του Édouard Manet

Σε ένα ουδέτερο και άδειο φόντο, στο οποίο το δάπεδο δεν διακρίνεται σχεδόν από το πάνω μέρος του στηρίγματος, που απεικονίζει, ίσως, τον τοίχο ενός εσωτερικού χώρου, τοποθετείται η μορφή ενός νεαρού αυλητή, ο οποίος, από τα ρούχα του, συνάγεται ότι να είναι τοποθετημένος με την Αυτοκρατορική Φρουρά, μια ιδιαιτερότητα που κάνει κάποιον να πιστεύει ότι ένα τέτοιο μοντέλο προμηθεύτηκε για τον καλλιτέχνη ο διοικητής Lejsne, αν και ορισμένοι κριτικοί έχουν διατυπώσει την υπόθεση ότι είναι ο Léon-Édouard Koëlla, ο υποτιθέμενος γιος του Manet και της Suzanne Leenhoff. . Παρά αυτές τις φλύαρες ταυτιστικές υποθέσεις, αυτό που είναι πραγματικά σημαντικό είναι ο τρόπος με τον οποίο αντιμετωπίζεται το προαναφερθέν θέμα, με στόχο να καταστήσει σαφή την πρόθεση του Γάλλου δασκάλου να υπερβεί τους κανόνες της ζωγραφικής μέσω της επεξεργασίας μιας απλοποιημένης γλώσσας, η οποία, ο χρόνος, έγινε αντιληπτός ως κάπως προκλητικός στον τρόπο απόδοσης των μορφών, που δόθηκε από την παράθεση δισδιάστατων φόντων. Τέλος, επιστρέφοντας στο ομοίωμα, είναι σημαντικό, περισσότερο από την ταυτότητά του, να τονίσουμε πώς είναι μια φιγούρα καθαρής ισπανικής έμπνευσης, μια χώρα στην οποία ο Μανέ άρχισε επίσης να αναζητά έμπνευση από τα έργα που στεγάζονται στο Μουσείο Πράδο στη Μαδρίτη. ένα μέρος όπου θαύμασε ιδιαίτερα το έργο του Velázquez, εντυπωσιασμένος από το αριστούργημα με τίτλο Pablo de Valladolid.

Edgar Degas, The Orchestra of the Opéra , 1868. Λάδι σε καμβά, 56,5×46 cm. Museo d'Orsay, Παρίσι.

9. The Orchestra of the Opéra (1868) του Edgar Degas

Η προοπτική περικοπή του εν λόγω αριστουργήματος, με στόχο να «αποκεφαλίσει» το πάνω μέρος του σώματος των χορευτών, που απεικονίζεται για να μας κάνει να καταλάβουμε πού βρισκόμαστε, ενώ εστιάζουμε την προσοχή στο θέμα της ορχήστρας, φαίνεται να έχει δανειστεί από η νεογέννητη φωτογραφική τέχνη, μια τεχνική που ο Ντεγκά χρησιμοποίησε ως πηγή έμπνευσης για πολλούς από τους πίνακές του, πειραματιζόμενος επίσης με μια οικεία και αυτοσχέδια σχέση. Επιστρέφοντας στο εν λόγω αριστούργημα, η L'orchestre de l'Operà απεικονίζει κυρίως μερικούς από τους μουσικούς του διάσημου θεάτρου του Παρισιού, τοποθετώντας στο κέντρο το πορτρέτο ενός παίκτη του όμποε, ο οποίος περιβάλλεται από άλλους οργανοπαίκτες, οι οποίοι παρατηρούνται, σε σχεδόν απόκοσμο τρόπο, από μια μοναχική φιγούρα στο βάθος, που απεικονίζεται μέσα σε μια πλαϊνή σκηνή. Είναι σημαντικό να επισημανθεί ότι η προσέγγιση του θέματος που περιγράφηκε παραπάνω ήταν κάπως νέα και αντισυμβατική για την εποχή, καθώς στους πίνακες της ίδιας ηλικίας το θέμα που ερευνήθηκε ήταν γενικά αυτό της σκηνής, ενώ στην πραγματικότητα υπάρχουν λίγες απεικονίσεις της ορχήστρας, η οποία βρίσκεται στο έργο των Doré και Daumier. Επιπλέον, δεν γνωρίζουμε αν η επιλογή ενός τέτοιου θέματος ευνοήθηκε από το γεγονός ότι οι προαναφερθέντες μουσικοί ήταν στην πραγματικότητα γνωστοί του Degas, τόσο πολύ που ανάμεσά τους είναι ο συνθέτης Emmanuel Chabrier και ο ομποϊστάς Désiré Dihau, που ζούσαν ακριβώς δίπλα στο ατελιέ ζωγράφου όταν επέστρεψε από την Ιταλία.

8. Man with Violin του George Braque

Μια κάπως συγκεχυμένη άποψη των μορφών, μέσα στις οποίες μόνο τα chiaroscuros εμφανίζονται με σαφήνεια, με στόχο να δημιουργήσει, όπως αναγκαστικά ξεκαθαρίζει ο τίτλος, τη φιγούρα ενός άνδρα με βιολί, ένα θέμα που αποδίδεται μέσω της πιο τυπικής κυβιστικής οπτικής του Braque, ικανό να αποδίδει ομοιώματα μέσω η αντιπαράθεση αποσυντιθέμενων μορφών, που στην προκειμένη περίπτωση προσλαμβάνουν την όψη ενός έγχορδου μουσικού οργάνου, του οποίου η παρουσία είναι διαισθητική στο κάτω, φωτισμένο μέρος του στηρίγματος. Η πρόθεση αυτής της περίεργης οπτικής γωνίας για την πραγματικότητα είναι σίγουρα να προχωρήσει πέρα από τον πιο παραδοσιακό γεωμετρικό σχεδιασμό της εικόνας, ευνοώντας μια περιγραφή μορφών που υπερβαίνει την απλή παρατήρηση, παρακινώντας τον θεατή να φανταστεί πράγματα που δεν είχαν γίνει ποτέ αντιληπτά. Αυτή η αντίληψη της τέχνης δέχεται ένα συστατικό της αφαίρεσης, το κύριο ενδιαφέρον του οποίου πραγματοποιείται στην εικονιστική αποσύνθεση, με στόχο να γίνει μια ακριβής δήλωση του αισθητικού ιδεώδους, στο οποίο ο άνθρωπος και το βιολί μπορούν να ταυτιστούν πολύ δύσκολα και, σίγουρα, με λίγες λεπτομέρειες. ικανή να καθοδηγήσει την αποκρυπτογράφηση των μορφών.

7. Μάθημα πιάνου (1916) του Χέρνι Ματίς

Σε αντίθεση με τα περισσότερα από τα αριστουργήματα της ιστορίας της τέχνης, που σχεδιάστηκαν για να αποκαλύψουν τη σχέση ανθρώπου και μουσικής μέσω της πιο δημοφιλής απεικόνισης της κολπικής κίνησης διαδοχικά των χεριών των ομοιωμάτων, στρέφοντας τα «χάδια» τους σε ένα συγκεκριμένο μουσικό όργανο, το Matisse. αριστούργημα κρύβει, πίσω από μια παρτιτούρα, αυτό το επαναλαμβανόμενο όραμα της απτικής συνάντησης. Μιλάω για το Piano Lesson, έναν πίνακα του 1916 του Γάλλου δασκάλου, στον οποίο αποτυπώνεται το γεγονός που υποδηλώνει ο ίδιος ο τίτλος, το οποίο, που διαδραματίζεται στο σαλόνι του σπιτιού του ζωγράφου στο Issy-les-Moulineaux, αιχμαλωτίζει το νεότερο του καλλιτέχνη. γιος, δηλαδή ο Pierre, ενώ σκοπεύει να εξασκηθεί στο προαναφερθέν όργανο, περιτριγυρισμένος από το γλυπτό του πατέρα του, με τίτλο Διακοσμητική Φιγούρα (1908) και τοποθετημένο κάτω αριστερά στο στήριγμα, και τον πίνακα του ίδιου συγγραφέα, που απεικονίζει μια γυναίκα σε ένα σκαμνί. Τα πάντα αφηγούνται μέσα από νατουραλιστικά στυλιστικά χαρακτηριστικά που εγκαταλείπονται προοδευτικά, καθώς στερούνται λεπτομέρειες και εμπλουτίζονται με φαρδιά φόντο «αφηρημένου» χρώματος, με σκοπό να προκαλέσουν εκείνη την ακριβή στιγμή, στην οποία το φως αποκαλύπτεται ξαφνικά σε ένα εσωτερικό. παίρνοντας σχήμα στο πράσινο τρίγωνο που βρίσκεται κοντά στην πόρτα των γαλλικών παραθύρων, καθώς και στην ίδια γεωμετρική φιγούρα που εμφανίζεται στο πρόσωπο του νεαρού πρωταγωνιστή του έργου.

Amedeo Modigliani, The Cellist , 1909. Λάδι σε καμβά, 73,5×59,5 εκ. Ιδιωτική συλλογή.

6. The Cellist (1909) του Amedeo Modigliani

Πριν αναλύσουμε το Τσελίστας, καλό είναι να ξεκαθαρίσουμε ορισμένα βασικά σημεία της εικονιστικής έρευνας, αναφορικά με το είδος του πορτρέτου, που πραγματοποίησε ο εν λόγω Ιταλός μάστορας, ένας τυπικός τοξικομανής και αλκοολικός καταραμένος ζωγράφος, που κατάλαβε το ανθρώπινο υποκείμενο ως συγκεκριμένη δυνατότητα διαπλοκής σχεσιακών ανταλλαγών, με στόχο να δώσει φωνή σε ένα παρείσακτο ταλέντο έτοιμο να συλλάβει τις πιο οικείες πτυχές του ομοιώματος, αποκαλύπτοντάς τις σε ένα είδος εσωτερικού καθρέφτη. Για το λόγο αυτό, στις περισσότερες περιπτώσεις, ο καλλιτέχνης συλλαμβάνει τα θέματά του κατά μέτωπο, αναδεικνύοντας τα χαρακτηριστικά τους και τα συχνά τυφλά τους μάτια. Στην περίπτωση του Τσελίστα, όμως, η άπιαστη οπτική με την οποία αποτυπώνεται το πρόσωπο του πρωταγωνιστή μας στερεί μια προσεκτική εξωτερίκευση του εσωτερικού του εαυτού, που αποτυπώνεται, μάλλον, στην οικεία σχέση που έχει με το όργανό του. Επιπλέον, το The Cellist είναι επίσης ένα από τα λίγα αριστουργήματα του Amedeo στο οποίο το θέμα είναι παγιδευμένο σε κάτι άλλο, καθώς είναι εξαιρετικά συγκεντρωμένος στην εκτέλεση μιας δράσης, αντί να είναι ένα στατικό μοντέλο που περιμένει να απεικονιστεί.

Marc Chagall, The Fiddler , 1913. Ζωγραφική,   188 × 158 εκ. Μουσείο Stedelijk στο Άμστερνταμ, Ολλανδία.

5. The Fiddler (1913) του Marc Chagall

Το «μουσικό πορτρέτο» του March Chagall ξεπερνά την απλή απεικόνιση μιας μορφωμένης προσωπικότητας, ενώ έχει την πρόθεση να παίξει μουσική, καθώς αντιπροσωπεύει επίσης μια ξεκάθαρη υπενθύμιση της πολιτιστικής κληρονομιάς της πατρίδας του ζωγράφου, η οποία ανακαλείται νοσταλγικά, τόσο με την ομοιότητα του προαναφερθέντος παίκτη. και το ρουστίκ χωριό στο οποίο εργάζεται για να εξασκηθεί. Στα παραπάνω προστίθενται και οι θρησκευτικές πεποιθήσεις του Chagall, οι οποίες, αναφερόμενες στη φιγούρα του Chabad Hasidim, αναγνωρίζουν τη μουσική και τον χορό ως μέσο επίτευξης κοινωνίας με τον Θεό, τόσο που ο ίδιος ο βιολιστής θεωρήθηκε απαραίτητη παρουσία στις τελετές. και πανηγύρια. Αν και ο εν λόγω πίνακας αντικατοπτρίζει την εγγύτητα του δημιουργού του με την πατρίδα του, ολοκληρώθηκε το 1913, όταν δηλαδή ο ζωγράφος βρισκόταν στη Γαλλία, ένα μέρος όπου αφομοίωσε ορισμένα από τα κυβιστικά στυλιστικά χαρακτηριστικά, για να ζωντανέψει το η προαναφερθείσα απεικόνιση, η οποία, τοποθετημένη ακριβώς στο Vitebsk, συνοψίζει σε έναν μόνο χαρακτήρα τη μάχη που υπάρχει σε κάθε μέσο άτομο, με στόχο να αντιπαραβάλει το πέρασμα των διαφορετικών σταδίων της ζωής.

4. Μουσική I (1895) Gustav Klimt

Με τον Κλιμτ γνωρίζουμε ένα είδος απεικόνισης της μουσικής, το οποίο, μέχρι αυτό το σημείο στο top 10, έχει κάπως παραμεληθεί, δηλαδή το αλληγορικό, που αποδίδεται μέσω της απεικόνισης δύο βασικών θεμάτων: μιας γυναίκας που κρατά μια λύρα και της αντίστοιχη, που αποδίδεται με το πρόσχημα μιας σφίγγας ζωγραφισμένη στη δεξιά πλευρά της κερκίδας, με σκοπό να αναπαραστήσει αυτό το αιγυπτιακό μυθολογικό πλάσμα που, μισή γυναίκα και μισό λιοντάρι, είναι σε θέση να ενώσει μέσα της την πολικότητα του ζωικού και πνευματικού κόσμου, καθώς και εκείνα του ενστίκτου και της λογικής. Όσο για τη λυράρη, από την άλλη, αυτή, το θέμα δύο άλλων έργων του καλλιτέχνη, όπως ένα πάνελ που δημοσιεύτηκε στο Ver Sacrum το 1901 και μια σκηνή από τη Ζωφόρο του Μπετόβεν, δημιουργήθηκε ως σύνθεση των θεωριών του Σοπενχάουερ. , Νίτσε και Ρίχαρντ Βάγκνερ, στόχευαν στον προσδιορισμό της μουσικής ως ανώτερης τέχνης, αφού είναι ικανή, ανεξάρτητα από λέξεις και εικόνες, να μεταδώσει τη γνώση στον άνθρωπο. Όλη αυτή η περίπλοκη αφήγηση μεταφέρεται στον θεατή μέσω ακριβών στιλιστικών μηχανισμών, που συμπίπτουν με την ανάμειξη παραστάσεων και στολιδιών, καθώς και τη δισδιάστατη και ανάγλυφη, καθιστώντας σαφές μανιφέστο του νεανικού ύφους του καλλιτέχνη, που χαρακτηρίζεται άρρηκτα από την Art Nouveau.

Jan Vermeer, The Music Lesso n , 1662. Λάδι σε καμβά, 74,6 cm × 64,1 cm. Queen's Gallery, Λονδίνο.

3. The Music Lesson (1662) του Jan Vermeer

Πριν αναλύσουμε το αριστούργημα του 1662, αξίζει να εξηγήσουμε πώς η μουσική είναι ένα κάπως επαναλαμβανόμενο θέμα στο έργο του Βερμέερ, ενός ζωγράφου που ερμήνευσε αυτό το θέμα, ένα από τα πιο εμβληματικά στην ολλανδική ζωγραφική της Χρυσής Εποχής, σε τουλάχιστον δώδεκα από τους τριάντα -έξι έργα τέχνης από το χέρι του γνωστά σήμερα. Αυτή η εικονιστική επιλογή θα μπορούσε να συνδεθεί με το γεγονός ότι έργα με μουσικό θέμα βρήκαν αρκετή επιτυχία στους πελάτες του καλλιτέχνη, οι οποίοι, μέλη της υψηλής κοινωνίας, είχαν σίγουρα μουσική κατάρτιση. Το είδος των εν λόγω πινάκων ήταν επίσης γνωστό και περιζήτητο επειδή συχνά περιείχαν σκανδαλώδεις, καθώς και σαγηνευτικές, αναφορές σε ρομαντικές ίντριγκες, σχεδιασμένες να αυξάνουν το ενδιαφέρον για τέτοιες απεικονίσεις. Αυτό που μόλις διαπιστώθηκε θα αντικατοπτρίζεται επίσης στο The Music Lesson (1662), ένα αριστούργημα στο οποίο ο καθρέφτης αποκαλύπτει πώς, στην πραγματικότητα, η κοπέλα ενδιαφέρεται περισσότερο να παρατηρήσει τον κύριο στο πλευρό της, παρά το πιάνο. Ενίσχυση αυτών των υποθέσεων θα ήταν επίσης το λατινικό σύνθημα που εμφανίζεται στο παρθενικό: «η μουσική είναι σύντροφος της χαράς και το βάλσαμο στη λύπη», με σκοπό να υπαινίσσεται, τόσο στις κατευναστικές δυνάμεις της μουσικής όσο και στις συναισθηματικές αντιξοότητες.

Pablo Picasso, The Old κιθαρίστας , 1903. Λάδι σε πάνελ, 122,9 cm × 82,6 cm. Ινστιτούτο Τέχνης του Σικάγο.

2. The Old Guitarist (1903) του Πάμπλο Πικάσο

Είναι αδύνατο να μιλήσουμε για τον Old Blind κιθαρίστα χωρίς να αναφερθούμε στη γαλάζια περίοδο στην οποία ανήκει το ίδιο το αριστούργημα, η οποία μπορεί να αναχθεί σε ένα χρονικό διάστημα τριών ετών από το 1901 έως το 1904, και που είναι αφιερωμένο στην εξωτερίκευση, μέσω της τέχνης, μια βαθιά θλίψη που κατέλαβε τον καλλιτέχνη, που σημαδεύτηκε ανεξίτηλα από τον θάνατο του φίλου του Carlos Casagemas, ενός ζωγράφου που αυτοκτόνησε εξαιτίας της ανεκπλήρωτης αγάπης του για το Γαλλικό μοντέλο και χορεύτρια Germaine Pichot, την πρωταγωνίστρια πολλών από τους καμβάδες του Πικάσο. Στο πρόστυχο παραπάνω γεγονός προστίθενται και οι οικονομικές δυσκολίες του Πάμπλο, ο οποίος βρίσκει στο μπλε χρώμα ένα μέσο εξιλέωσης για τη θλίψη του, που αποτυπώνεται κυρίως στην απεικόνιση περιθωρίων, ανήσυχων και δραματικών θεμάτων. Ο γέρος τυφλός κιθαρίστας ταιριάζει καλά σε αυτό που μόλις περιγράφηκε, παρουσιάζοντας ο ίδιος μια έκφραση αδιαμφισβήτητου δράματος και οδύνης, τα οποία αντικρούονται από την κιθάρα του: ένα μουσικό όργανο που αντιπροσωπεύει τη ζωή και τη σωτηρία, καθώς η τέχνη, αυτή καθεαυτή, γίνεται πάντα κατανοητή ως μέσο για να ξεπεράσεις τις αντιξοότητες και να δεις ξανά ορατή την ομορφιά του κόσμου.

Caravaggio, The musicians , 1597. Λάδι σε μουσαμά, 87,9×115,9 εκ. Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης, Νέα Υόρκη.

1. Οι Μουσικοί (1597) του Καραβάτζιο

Το λάδι σε καμβά του Ιταλού μάστορα κάνει συγκεκριμένο στο εικαστικό στήριγμα το όραμα μιας παγανιστικής αλληγορίας, που στοχεύει να διαμορφώσει τις ομοιότητες τριών νεαρών μουσικών ντυμένων με παλιομοδίτικο τρόπο, που βρίσκουν τη θέση τους σε ένα στενό περιβάλλον. Αυτό που περιγράφεται φαίνεται δύσκολο από το να ερμηνευθεί σε ερωτικό κλειδί, αν και αυτό θα ήταν δυνατό, καθώς η παρουσία του φτερωτού έρωτα, ο οποίος σκοπεύει να μαδήσει ένα τσαμπί σταφύλια, φαίνεται να δείχνει μια επανένωση οικείου χαρακτήρα , με στόχο την έκρηξη σε ένα ερωτικό πάθος, χαρακτηριστικό της ασάφειας των πρώιμων έργων του Καραβάτζιο. Ο εν λόγω ερωτισμός ζωντανεύει από τα σώματα εξιδανικευμένων νέων ανθρώπων, με αρκετά λεπτά και εκλεπτυσμένα πρόσωπα, στα οποία μόνο ο χαρακτήρας που παίζει το κορνέ, τοποθετημένος στο κέντρο, φαίνεται να αποδίδεται στο είδος του πορτρέτου και ακριβώς της αυτοπροσωπογραφίας, τόσο που θα μπορούσε να απεικονίσει τον ίδιο τον νεαρό Καραβάτζιο, δεδομένης της συγγένειας που παρουσιάζει ο τελευταίος με άλλους σύγχρονους πίνακες, στους οποίους ο ζωγράφος είχε αποτυπώσει τα δικά του χαρακτηριστικά. Όσον αφορά την ενδυμασία, από την άλλη, δεν είναι καθόλου παράξενο που ο κύριος έκανε αναφορά στην αρχαιότητα, αφού τότε οι νέοι μουσικοί ντύθηκαν με το κλασικό στυλ, δηλαδή ως Έρως, Βάκχος ή αγγελικοί τραγουδιστές, όπως ακριβώς θα μπορούσε να συνέβαινε κατά τη διάρκεια των παραστάσεων που αγαπούσε ο μεγαλύτερος προστάτης του ζωγράφου: ο καρδινάλιος ντελ Μόντε. Τέλος, μέσα στη μεγάλη ιταλική καλλιτεχνική-ιστορική παράδοση, αξίζει να επισημανθεί πώς οι ζωγράφοι του διαμετρήματος του Giorgione και του Titian συνήθιζαν γενικά να διασκευάζουν μουσικά θέματα σε υπαίθρια, ποιμαντικά και αλληγορικά περιβάλλοντα, ενώ ο Caravaggio μετατόπισε το θέμα σε ένα εσωτερικό, φέρνοντας καινοτόμα. πορτραίτα αποτυπωμένα από φυσικές και αλληγορικές απεικονίσεις.