Paul Klee, Ad Parnassum, 1932. Λάδι σε καμβά, 100×128 εκ. Kunstmuseum, Berna.
Βασικές έννοιες της αφηρημένης τέχνης
Απλώς για να δώσουμε στον αναγνώστη ένα «πότε» και «που»: η αφαίρεση, ένα πρωτοποριακό κίνημα τέχνης, γεννήθηκε στις αρχές του 20ου αιώνα στη Γερμανία, εξαπλώθηκε σε διάφορες περιοχές της χώρας που ήταν αρκετά απομακρυσμένες η μία από την άλλη, όπου πήρε διαφορετικές οπτικές και εννοιολογικές παραλλαγές. Στην ουσία, η αφηρημένη τέχνη αναφέρεται σε όλη την καλλιτεχνική παραγωγή της οποίας ο πυρήνας περιστρέφεται γύρω από τη δημιουργία έργων που εξερευνούν πραγματικότητες απαλλαγμένες από προηγούμενες καλλιτεχνικές παραδόσεις, όπου τα χρώματα και οι μορφές γίνονται το νέο επίκεντρο μιας αφήγησης, έτοιμη να εκφράσει τα συναισθήματα, τις ιδέες και τις εμπειρίες του καλλιτέχνη. . Είναι σημαντικό να διευκρινιστεί ότι υπάρχουν δύο τρόποι για να είναι κανείς αφηρημένος: μερικός και πλήρης. Στην πρώτη περίπτωση, αναφερόμαστε σε έργα που εξακολουθούν να παρουσιάζουν αναγνωρίσιμα θέματα, αλλά αυτά έχουν απλοποιηθεί, παραμορφωθεί, αποδοθεί με μη ρεαλιστικούς τρόπους ή έχουν αφαιρεθεί από το συνηθισμένο τους πλαίσιο. Όσον αφορά την πλήρη αφαίρεση, από την άλλη, αναφέρεται σε δημιουργίες που ξεπερνούν την αναπαράσταση των πλαισίων, με στόχο να αντλήσουν έμπνευση από την πραγματική οπτική πραγματικότητα. Και στις δύο περιπτώσεις, στόχος είναι να αμφισβητηθεί ο σκοπός και το νόημα της τέχνης, δυνητικά απελευθερώνοντάς την από τη σχέση της με τον περιβάλλοντα κόσμο, διευρύνοντας τα όρια αυτού που θα μπορούσε να νοηθεί ως καλλιτεχνική παραγωγή. Αυτό κατά συνέπεια αμφισβητεί τους πιο παραδοσιακούς κανόνες αισθητικής προκειμένου να πάρουν την τέχνη από το χέρι και να την οδηγήσουν σε πιο ανοιχτούς και πειραματικούς τρόπους. Αυτά είναι ιδιαίτερα αποτελεσματικά κάθε φορά που κάποιος επιθυμεί να εκφράσει φιλοσοφικές αρχές και ιδεολογίες, ιδέες που μερικές φορές είναι πολύ περίπλοκες και άπιαστες για να περιοριστούν σε εικονιστικά θέματα. Σε αυτό το «παιχνίδι» περιλαμβάνεται και ο θεατής και ο ρόλος του αποκτά νέα σημασία: αυτός της ερμηνείας αυτού που βλέπει, τόσο με τον δικό του τρόπο όσο και συγκρίνοντάς το με την οπτική του καλλιτέχνη. Τώρα που ξεκαθαρίσαμε εν συντομία το ιστορικό και καλλιτεχνικό πλαίσιο στο οποίο λειτουργούμε, μπορούμε να ξεκινήσουμε από τα 10 κορυφαία μας, τα οποία, με χρονολογική σειρά της ημερομηνίας των απεικονιζόμενων πινάκων, μπορούν να θεωρηθούν ως συνέχεια της προαναφερθείσας αφήγησης, ικανή να παρουσιάζοντας τις διάφορες εξελίξεις του εν λόγω κινήματος.
Vasilij Vasil'evič Kandinskij, Χωρίς τίτλο (Πρώτη αφηρημένη ακουαρέλα), 1910. 49,6 x 64,8 εκ. Centro Georges Pompidou, Παρίσι.
Top 10
1. Wassily Kandinsky, Χωρίς τίτλο (Πρώτη αφηρημένη ακουαρέλα) (1910)
Γιατί να ξεκινήσετε με τον Καντίνσκι; Επέλεξα να τοποθετήσω το Untitled στο νούμερο ένα στη λίστα μου γιατί οι κριτικοί το θεωρούν την αρχή της Αφηρημένης Τέχνης. Σε αυτή την ακουαρέλα, ο Ρώσος ζωγράφος εξάλειψε κάθε αναφορά στον ορατό κόσμο, δημιουργώντας μια σύνθεση μεταξύ μουσικής και ζωγραφικής για να δημιουργήσει εντελώς νέες εικόνες που παραπέμπουν σε συναισθήματα και διαθέσεις. Αυτό επιτυγχάνεται μέσω προσεκτικά επιλεγμένων χρωμάτων, γραμμών, σημείων και κηλίδων, οργανωμένων με εξαιρετικά αρμονικό τρόπο. Αξίζει να σημειωθεί ότι πριν από τον Καντίνσκι, ο κυβισμός και ο ιμπρεσιονισμός είχαν ξεπεράσει τα όρια της οπτικής κατανόησης, όπως φαίνεται στα έργα του Μπρακ, του Πικάσο ή των μεταγενέστερων νούφαρων του Μονέ. Ωστόσο, μέσα στα έργα τους, κάποια αναφορά στον πραγματικό οπτικό κόσμο εξακολουθούσε να παραμένει, ενώ στο Untitled, ο Kandinsky αποφάσισε σκόπιμα να εξαλείψει όλες τις αναφορές στην απτή πραγματικότητα, ζωγραφίζοντας μόνο γραμμές, σημεία και σημάδια που προορίζονταν να αναπαραστήσουν τον εαυτό τους. Στην ακουαρέλα κυριαρχούν καφέ, κίτρινες και πορτοκαλί κηλίδες, μερικές πιο πυκνές από άλλες, σχηματίζοντας ένα σύμπλεγμα που μοιάζει με αστερισμούς. Ο ρυθμός αυτών των στοιχείων, σε συνδυασμό με την αρμονική χρήση των χρωμάτων και τη σχέση μεταξύ των σημαδιών, δίνει μια αίσθηση σύνθεσης.
Joan Miró, The Hunter (Catalan Landscape), Ιούλιος 1923-χειμώνας 1924. Λάδι σε καμβά, 64,8 x 100,3 cm. Μαμά, Νέα Υόρκη. @ssteph888
2. Joan Miró, The Hunter (Καταλανικό Τοπίο) (1923-24)
Η δεύτερη θέση στην κατάταξή μου, με χρονολογική σειρά εκτέλεσης, πηγαίνει στον Joan Miró με τον πίνακα του The Hunter (Catalan Landscape). Αυτό το έργο τέχνης αποτελεί παράδειγμα της προαναφερθείσας έννοιας της μερικής αφηρημένης τέχνης. Μπορώ να το δηλώσω με σιγουριά γιατί μετά από προσεκτική παρατήρηση, το αριστούργημα αποκαλύπτει την απεικόνιση ενός ξεχωριστού τοπίου με φιγούρες ανθρώπων και ζώων, παραπέμποντας σε μια συγκεκριμένη περίοδο της ζωής του καλλιτέχνη όταν ζούσε στο αγρόκτημα της οικογένειάς του στο Montroig (Καταλονία). Γιατί να πάει ο θεατής σε αυτό το μέρος στην Ισπανία; Ο πίνακας θα μπορούσε πράγματι να μιλάει για την πατρίδα του δασκάλου, με στόχο να τονίσει μια ορισμένη κλίση προς τον καταλανικό εθνικισμό, εμφανής στην υπαινιγμό του παραδοσιακού χορού της περιοχής, που εκφράζεται ρητά με τη λέξη "sard", μαζί με την παρουσία της καταλανικής σημαίας. όπως η ισπανική και η γαλλική σημαία. Παραμερίζοντας τέτοιες ερμηνείες, το σίγουρο για το έργο είναι ότι αντιπροσωπεύει τον ίδιο τον καλλιτέχνη, που απεικονίζεται, όπως σε άλλες περιπτώσεις, με το πρόσχημα του κυνηγού. Αναφέρομαι στη στυλιζαρισμένη φιγούρα με ένα τριγωνικό κεφάλι, που βρίσκεται στην αριστερή πλευρά του καμβά, κρατώντας ένα φρεσκοκομμένο κουνέλι και ένα τουφέκι που καπνίζει ακόμα. Ωστόσο, όλα όσα περιγράφονται μπορούν επίσης να ερμηνευθούν μέσα στη σφαίρα του ονειρικού, καθώς το σουρεαλιστικό αριστούργημα είναι προϊόν αυτοματισμού, χρήσης του υποσυνείδητου, που ευνοεί την απόδοση νέων μορφών και ερμηνειών της πραγματικότητας.
Piet Mondrian, Composition with Red, Yellow, and Blue, 1930. Λάδι σε καμβά, 45 cm × 45 cm. Kunsthaus Ζυρίχης
3. Piet Mondrian, Σύνθεση με κόκκινο, κίτρινο και μπλε (1930)
Ας επιστρέψουμε στην πλήρη αφαίρεση με τον Piet Mondrian και την περίφημη Σύνθεσή του με κόκκινο, κίτρινο και μπλε, ένα έργο που δημιουργήθηκε στον Μεσοπόλεμο, στο απόγειο της καριέρας του καλλιτέχνη. Δεδομένων των συνθηκών, ένιωθε πιο γαλήνιος και ικανός να αφοσιωθεί στην καλλιτεχνική του έρευνα, με στόχο τη νεοπλασματική σύνθεση. Αναφέρομαι στη διαδικασία της τυπικής απλοποίησης, που στοχεύει στην επίτευξη μιας συγκεκριμένης επιθυμίας για πνευματική κάθαρση που ένιωθε ο ζωγράφος, ο οποίος, επηρεασμένος και από τις θεοσοφικές σπουδές, εγκατέλειψε προοδευτικά την εικονογράφηση. Αυτό γίνεται αντιληπτό στο προαναφερθέν έργο, το οποίο χαρακτηρίζεται από την παρουσία παχύρρευστων μαύρων γραμμών που τέμνονται για να δημιουργήσουν ορθογώνια και τετράγωνα πεδία, μερικά από τα οποία είναι χρωματισμένα σε κόκκινο, κίτρινο και μπλε. Η επιλογή των βασικών χρωμάτων έχει σκοπό να αναπαράγει επίσημη και χρωματική ισορροπία, αντανακλώντας την πνευματική αναζήτηση του καλλιτέχνη, καθοδηγούμενη από την καθολική ισορροπία. Σε αυτή την περίπτωση, η ισορροπία βρίσκεται απουσία ενός συνθετικού γεωμετρικού κέντρου, υπονοώντας ότι το αριστούργημα θα μπορούσε ενδεχομένως να επεκταθεί πέρα από τον ζωγραφισμένο καμβά.
Paul Klee, Ad Parnassum, 1932. Λάδι σε καμβά, 100×128 εκ. Kunstmuseum, Berna.
4. Paul Klee, Ad Parnassum (1932)
Βρισκόμαστε αντιμέτωποι με ένα άλλο παράδειγμα μερικής αφαίρεσης, δηλαδή το Ad Parnassum, ένα αριστούργημα σε καμβά που δημιούργησε ο Klee εμπνευσμένος από την παραμονή του στην Ιταλία έξι χρόνια νωρίτερα. Εκείνη την περίοδο, εντυπωσιάστηκε από τα ψηφιδωτά της Ραβέννας, τα οποία ερμήνευσε εκ νέου χρησιμοποιώντας μια νέα νεοδιβιζιονιστική τεχνική. Αυτή η τεχνική χαρακτηρίζεται από τις χαρακτηριστικές πινελιές του pointillist, δημιουργώντας μια πυκνή χρωματική υφή όπου τα χρώματα εκπέμπουν ένα μοναδικό, έντονο φως που θυμίζει παλαιοχριστιανική τέχνη. Όσον αφορά τη χρωματική παλέτα, κυριαρχούν οι αποχρώσεις του μπλε-πράσινου και του κιτρινοπορτοκαλί, προσδίδοντας δυναμισμό σε όλη τη σύνθεση. Η ομοιόμορφη λάμψη σπάει από την παρουσία γραμμών που σχηματίζουν τη σιλουέτα ενός πυραμιδικού λόφου, που συνοδεύεται από έναν ψηλό ήλιο στον ουρανό. Τέλος, ολοκληρώνουμε αυτή την περιγραφή με τα διαφωτιστικά λόγια του ίδιου του καλλιτέχνη: «Το θέμα ήταν ο κόσμος, ακόμα κι αν όχι αυτός ο ορατός κόσμος». Παρά αυτά τα λόγια, αυτό που παρατηρούμε δεν χάνει εντελώς την επαφή με την πραγματικότητα που γνωρίζουμε. Αντίθετα, το ανακαλεί με τη μορφή μνήμης και θραυσμάτων, που μεταφέρονται μέσα από μια σύνθετη αρμονία χρωμάτων που αποκαλύπτουν τις μουσικές μελωδίες που γνώριζε καλά ο δάσκαλος, ένας δεξιοτέχνης βιολιστής.
Αριστερά: Ben Nicholson OM, 1934 (ανάγλυφο), 1934. Ελαιογραφία σε μαόνι, 718 × 965 × 32 mm. Τέιτ. @ jay.parmar
5. Ben Nicholson OM, 1934 (ανάγλυφο), 1934
Για να κατανοήσουμε το αριστούργημα του Nicholson, πρέπει να εξετάσουμε το ιστορικό πλαίσιο μέσα στο οποίο ο καλλιτέχνης ανέπτυξε την οπτική του για την τέχνη. Κατά την ταραγμένη περίοδο του Μεσοπολέμου, όταν οι καλλιτέχνες στράφηκαν στην αφαίρεση αναζητώντας μια χαμένη αθωότητα και αγνότητα στην ανθρωπότητα, ο Nicholson άρχισε να πειραματίζεται με διαφορετικούς τρόπους απεικόνισης του χώρου. Ακολούθησε αυτούς τους στόχους μέσω της δημιουργίας ανάγλυφων έργων, όπου περιοχές διαφορετικού βάθους καθόρισαν τον χώρο, μερικές φορές χρωματισμένο μόνο σε λευκό ή γκρι, στις αποχρώσεις της αγνότητας. Ένα βασικό παράδειγμα αυτού του μονόχρωμου και πολυεπίπεδου πίνακα είναι το 1934 (relief), ένα αριστούργημα που αντλεί έμπνευση από την επιρροή του Mondrian, όπως ο Miró και ο Calder. Για να δημιουργήσει αυτό το έργο, ο Nicholson χάραξε έναν κύκλο και ένα τετράγωνο από ένα ξύλινο πάνελ, παραπέμποντας στην ιδέα της απουσίας και της βαριάς παρουσίας σε περιόδους σύγκρουσης. Η χρήση γεωμετρικών μορφών, η διαστρωματοποίηση και η μονοχρωματική παλέτα συμβάλλουν στην απομάκρυνση των συναισθημάτων.
Στα δεξιά: Mark Rothko, White Center (Yellow, Pink and Lavender on Rose), 1950. 205,8 cm × 141 cm. Η βασιλική οικογένεια του Κατάρ.
6. Mark Rothko, White Center (Yellow, Pink and Lavender on Rose) (1950)
Το 1950, ο Rothko άρχισε να χωρίζει τον καμβά σε οριζόντιες χρωματικές ζώνες και το White Center (Yellow, Pink και Lavender on Rose) δημιουργήθηκε κατά τη διάρκεια αυτού του έτους. Το αριστούργημα παρουσιάζει μια μετωπική σύνθεση όπου μεγάλες χρωματικές ζώνες φαίνονται να επιπλέουν και να συγχωνεύονται με το χρωματικό πεδίο στο οποίο είναι τοποθετημένες. Στην ουσία, το White Center είναι μέρος του ξεχωριστού πολυμορφικού στυλ του Rothko, στο οποίο επικαλύπτονται διαφορετικά μπλοκ συμπληρωματικών χρωμάτων σε έναν μεγάλο καμβά. Περιγράφοντας το με την προσθήκη χρώματος, το έργο ξεκινά με ένα κίτρινο οριζόντιο παραλληλόγραμμο, συνεχίζει με μια οριζόντια μαύρη ρίγα, μια λευκή ορθογώνια ταινία, με αποκορύφωμα το κάτω μισό σε τόνους λεβάντας. Η φωτεινότητα ολόκληρου του κομματιού επιτυγχάνεται μέσω επαναλαμβανόμενης στρώσης λεπτών πέπλων βαφής, από τα οποία αναδύεται κάποια υποβαφή στα ανώτερα στρώματα. Ό,τι αναλύθηκε θα μπορούσε να εφαρμοστεί, σίγουρα με παραλλαγές, σε μεγάλο μέρος της δουλειάς του καλλιτέχνη κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου. Είχε σκοπό να αναζητήσει λεπτές παραλλαγές στην αναλογία και το χρώμα, προτείνοντας πολλαπλά συναισθήματα και ατμόσφαιρες με στόχο να τυλίξει τον θεατή.
Jackson Pollock, Convergence, 1952. Λάδι σε καμβά, 237 cm × 390 cm. Μουσείο Τέχνης Buffalo AKG, Buffalo. @Jackson_pollock
7. Jackson Pollock, Convergence (1952)
Ο καμβάς καλύπτεται με μπερδεμένα σημάδια και η παρουσία μαύρων κυκλικών γραμμών φαίνεται ομοιόμορφη σε όλο το στήριγμα, ενώ σε άλλα σημεία είναι ορατά ίχνη κόκκινου, κίτρινου, μπλε και λευκού. Αναφέρομαι στο έργο τέχνης που καταλαμβάνει την έβδομη θέση, το Convergence, που αρχικά κρίθηκε από τους κριτικούς ως μη εντυπωσιακό αλλά αργότερα έγινε εξαιρετικά γνωστό. Ο αρχικός σκεπτικισμός των ιστορικών τέχνης οφειλόταν πιθανότατα στο γεγονός ότι το έργο, αρχικά σε ασπρόμαυρο, αντιπροσώπευε μια επανεξέταση από τον καλλιτέχνη, ο οποίος αργότερα πρόσθεσε επιπλέον χρώματα. Η λύτρωση του Convergence δεν ήρθε μόνο μέσω μεταγενέστερων επαναξιολογήσεων αλλά και μέσω της αναγνώρισης του Harold Rosenberg, ενός κριτικού τέχνης που το αναγνώρισε ως το υψηλότερο παράδειγμα αφηρημένου εξπρεσιονισμού και ζωγραφικής δράσης. Με αυτούς τους όρους, εννοώ απλώς την καλλιτεχνική πρακτική που ανέπτυξε ο ζωγράφος, όπου άφησε ελεύθερα τις πιο ενστικτώδεις χειρονομίες του να κυλήσουν κατά τη δημιουργία των έργων του, μεταφράζοντάς τα σε καμβάδες με αδιαμφισβήτητη ενέργεια.
Helen Frankenthaler, Mountains and Sea, 1952. Λάδι και κάρβουνο σε καμβά, 220 cm × 297,8 cm. Εθνική Πινακοθήκη Τέχνης, Ουάσιγκτον, DC @ helenfrankenthalerfoundation
8. Helen Frankenthaler, Mountains and Sea (1952)
Ας μιλήσουμε για την τεχνική: Το Mountains and Sea δημιουργήθηκε τοποθετώντας τον ακατέργαστο, μη ασταρωμένο καμβά στο πάτωμα και ρίχνοντας πάνω του λάδι και μπογιά με βάση το νέφτι. Αναφέρομαι στην προσωπική ζωγραφική πρακτική της Frankenthaler, γνωστή ως χρώση, την οποία χρησιμοποίησε για πρώτη φορά στη συγκεκριμένη περίπτωση. Το αποτέλεσμα είναι πεδία διαφανούς χρώματος που φαίνονται να επιπλέουν αλλά στην πραγματικότητα αγκυρώνονται από την υφή του καμβά, παρέχοντας επιπεδότητα και σταθερότητα. Σε αυτό το πλαίσιο, τα χρώματα δεν τοποθετούνται τυχαία, αλλά εξυπηρετούν το σκοπό να προκαλούν ένα φυσικό περιβάλλον, κάθε φορά μοναδικό και διαφορετικό. Παρόμοια με το Convergence, Mountains and Sea, το πρώτο έργο που εκτέθηκε επαγγελματικά από τον Frankenthaler, επικρίθηκε αρχικά αλλά αργότερα έγινε κατανοητό, σε σημείο που οι New York Times αφιέρωσαν αυτή τη λεπτή και εορταστική περιγραφή σε αυτό: "Mountains and Sea" είναι "ένα φως και διάφανη ανάκληση λόφων, βράχων και νερού».
Robert Motherwell: Ελεγεία στην Ισπανική Δημοκρατία Νο. 57, 1957-1961. Κάρβουνο και λάδι σε καμβά, 213,36 εκ. × 277,18 εκ. Συλλογή SFMOMA.
9. Robert Motherwell: Ελεγεία στην Ισπανική Δημοκρατία Νο. 110 (1971)
Το επίμαχο αριστούργημα, όπως εν μέρει υπονοείται από τον τίτλο του, προκύπτει από τις αναμνήσεις που άφησε αποτυπωμένες στο μυαλό του ζωγράφου ο ισπανικός εμφύλιος όταν ήταν μόλις είκοσι ενός ετών. Ο αντίκτυπος αυτού του καταστροφικού γεγονότος ήταν τέτοιος που ο Μάδεργουελ επανεξέτασε το θέμα όχι μόνο στην Ελεγεία στην Ισπανική Δημοκρατία Νο. 110 αλλά σε μια σειρά περισσότερων από 200 πινάκων αφιερωμένων σε αυτό το θέμα. Ομοίως, μπορούμε να θυμηθούμε τη διάσημη Γκερνίκα του Πικάσο, με ημερομηνία 1937, η οποία αναφέρεται για άλλη μια φορά στο επεισόδιο του Ισπανικού Εμφυλίου Πολέμου. Ωστόσο, στην περίπτωση του συγγραφέα της Ελεγείας στην Ισπανική Δημοκρατία υπ' αρ. συναίσθημα που εκφράζεται με τη μορφή αφηρημένων και ποιητικών συμβόλων που αντιπαραβάλλουν τον θάνατο και τη ζωή. Αυτή η προσέγγιση του αφηρημένου εξπρεσιονισμού κληρονομεί ορισμένα στοιχεία από τη γλώσσα του γαλλικού συμβολισμού, ιδιαίτερα αυτή του Stéphane Mallarmé, ενός ποιητή που υποστήριξε την αναπαράσταση του συναισθηματικού αποτελέσματος που παράγεται από γεγονότα ή ιδέες και όχι από τα ίδια τα γεγονότα ή τις ιδέες. Τέλος, η προαναφερθείσα αντίθεση μεταξύ ζωής και θανάτου αποδίδεται συγκεκριμένα στον καμβά μέσα από την αντιπαράθεση μαύρου και λευκού, καθώς και την αντίθεση μεταξύ οβάλ και ορθογώνιων σχημάτων.
Gerhard Richter, Abstraktes Bild, υπογραφή, με ημερομηνία 1987, με αριθμό 636. @theartbystander
10. Gerhard Richter, Abstraktes Bild (809-1) (1994)
Το αριστούργημα του Ρίχτερ, γνωστό ως ένας από τους πιο ακριβούς πίνακές του μεταξύ των δέκα κορυφαίων του, είναι μέρος μιας σειράς τεσσάρων έργων και είναι το αποτέλεσμα μιας περίπλοκης, επαναλαμβανόμενης και πιθανώς κουραστικής δημιουργικής διαδικασίας, της οποίας ο ίδιος ο καμβάς μαρτυρεί. εμφανίζει σημάδια χρονικών διακοπών στην εργασία. Ωστόσο, μόλις ολοκληρωθεί, το Abstraktes Bild πήρε τη μορφή λωρίδων και μουτζουριών μπογιάς που σύρθηκαν στην άκρη του καμβά χρησιμοποιώντας ένα μάκτρο και εμπλουτίστηκαν με την προσθήκη άλλων χρωμάτων που εφαρμόστηκαν με παρόμοιο τρόπο. Στην πραγματικότητα, η διαδικασία εφαρμογής του χρώματος, γρήγορη, τυχαία και επαναλαμβανόμενη, περιλαμβάνει στρώματα χρώματος που διαδέχονται το ένα το άλλο έως ότου ο καλλιτέχνης θεωρήσει τον πίνακα ολοκληρωμένο. Αυτό προκαλεί προβληματισμό σχετικά με το πώς, μέσω της υπέρθεσης διαφορετικών στρωμάτων, οι μέθοδοι δημιουργίας του έργου είναι μόνο επιφανειακά αναγνωρίσιμες επειδή στην πραγματικότητα κρύβονται στα υποκείμενα επίπεδα. Ωστόσο, μπορούμε να περιγράψουμε το Abstraktes Bild ως εξής: μια επιφάνεια από κάθετες και οριζόντιες γραμμές πλούσιες σε χρώμα, που προορίζεται από τον καλλιτέχνη να μεταφέρει ηρεμία και αρμονία στον θεατή.
Olimpia Gaia Martinelli