Μερικά σύμβολα της Νέας Υόρκης «μεταφρασμένα» από την τέχνη

Elvira Gord, Manhattan bridge New York City , 2021. Λάδι σε καμβά, 50 x 40 cm.

Ξεκινώντας μετά τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο, το κέντρο της παγκόσμιας τέχνης, το θερμοκήπιο όλων των νέων τάσεων, καθώς και η δημιουργική αγορά, σταδιακά μετατοπίστηκε από το Παρίσι στη Νέα Υόρκη, επομένως, ένας ιστορικός τέχνης από τη γηραιά ήπειρο όπως εγώ, δεν μπορεί να ξεφύγει από το να προσποιείται ότι ζητά τις μοιραίες εργάσιμες διακοπές, να ετοιμάζει φανταστικές βαλίτσες, να αγοράζει ένα ψεύτικο αεροπορικό εισιτήριο, ίσως δύο, ίσως και να γυρίσει πίσω, για να καταπέλτη στο Μεγάλο Μήλο, οπλισμένη, μόνο, με την παράξενη φαντασία της. Όπως πολύ καλά καταλάβατε, πρόκειται για ένα πλασματικό ταξίδι, με στόχο την ανακάλυψη μερικών από τα πιο γνωστά αξιοθέατα της πόλης, τα οποία θα αναλυθούν όχι από τον συνηθισμένο ξεναγό εξοπλισμένο με ένα σκουπιδοτενεκέ, αλλά από μερικά από τα πιο σχετικά αριστουργήματα της θεματικής τέχνης ιστορία. Επιστρέφοντας στο ταξίδι μου, χωρίς να αναφέρω πια το γεγονός ότι είναι φανταστικό, αποφεύγοντας κάθε περιττή ταλαιπωρία και απογοήτευση, θα σας πω πώς θα προσγειωθώ στο John Fitzgerald Kennedy International, μετά από μια οδυνηρή εννιάμισι ώρα πτήση, που είχε προηγηθεί μεταφορά με τρένο διάρκειας τεσσερισήμισι ωρών, που με πήγε από την Πίζα στο Μιλάνο, το μέρος όπου έπιασα το ευλογημένο αεροπλάνο μου με προορισμό το Κουίνς (Νέα Υόρκη). Μόλις πατήσω το πόδι μου έξω από το αεροδρόμιο, σίγουρα με δολοφονικές εναλλαγές διάθεσης, με στόχο να συνδυάσουν ευφάνταστα την κούραση και τον εκνευρισμό με την ευφορία, τη χαρά και την ενέργεια, θα πάρω, ως μέσο μετακίνησης, για να μετακινηθώ στο κέντρο της πόλης, την εμβληματική κίτρινη καμπίνα , στο οποίο θα ανέβω μαζί με τον Andy Warhol και τον Jean Michel Basquiat. Δεν έπαθα το μυαλό μου, καθώς, το 1984 περίπου, οι δύο προαναφερθέντες δάσκαλοι έφτιαξαν ακριβώς ένα θεματικό έργο, απεικονίζοντας, μέσα από το στυλ ενός «παιδιού», ένα μαύρο αγόρι που είχε την πρόθεση να χαιρετίσει ένα ταξί στην 45th Street και στο Broadway. (Νέα Υόρκη). Αντί για τον John Fitzgerald Kennedy International, βρισκόμαστε στο Midtown Manhattan, για να «ακούμε» την εικονική ιστορία του Taxi, 45th/Broadway, ένα έργο που δεν μας μιλάει για ταξίδι, αλλά για φιλία και ρατσισμό. Στην πραγματικότητα, ο καμβάς, αποτέλεσμα της συνεργασίας των «οικείων» Basquiat και Warhol, δίνει φωνή σε μια επιτυχημένη καλλιτεχνική συνεργασία που πραγματοποιήθηκε μεταξύ 1984 και 1985 και γέννησε μια σειρά έργων στα οποία, δύο από τα πιο τρομερά καλλιτεχνικές ιδιοφυΐες του 20ου αιώνα ένωσαν την πολύτιμη άποψή τους, αν και, όπως φαίνεται με στοιχεία, το κέφι του νεότερου καλλιτέχνη επιβλήθηκε δραστικά στο αριστούργημα. Όσον αφορά το δεύτερο θέμα που πραγματεύεται ο τελευταίος, γίνεται φανερό μόνο αν κοιτάξει κανείς προσεκτικά τη λεπτομέρεια, που εμφανίζεται στο πουκάμισο του μαύρου που σκοπεύει να αποχρεμίσει την καμπίνα, δηλαδή την επιγραφή "nigger", υποτιμητικό που σημαίνει τον αναγνωρίζουν με ρητό, ρατσιστικό και βάναυσο τρόπο. Ουσιαστικά, οφείλεται ακριβώς στο χρώμα του δέρματός του που ο ασεβής λευκός οδηγός ταξί αγνοεί κατάφωρα το αίτημα του πιθανού επιβάτη, ένα γεγονός που σχεδιάστηκε εξ ολοκλήρου για να επιστρέψει σε μια πραγματικότητα εξαιρετικά οικεία στον Basquiat, ο οποίος, παρά τη μετέωρη άνοδό του στη Νέα Υόρκη καλλιτεχνική σκηνή, ήταν πάντα έτοιμη να συγκρουστεί με παρόμοια μεροληπτική βλακεία.

Edith Verdickt, Taxis Jaunes . Λάδι σε καμβά, 73 x 92 εκ.

Αυτό το παραμύθι «στα κίτρινα» συνεχίζεται από μια άλλη οπτική, δηλαδή όχι πια από την οπτική γωνία του πεζοπόρου, αλλά από την οπτική γωνία του ταξί, που τον «παίζει» καλά ο Τζόζεφ Ροντρίγκεζ, οδηγός ταξί-φωτογράφος, ο οποίος, στο Η Νέα Υόρκη των δεκαετιών του 1970 και του 1980, ακριβώς κατά τη διάρκεια των βάρδιών του, άρχισε να δημιουργεί τα πρώτα του έργα, καταγράφοντας μια ζωή στο δρόμο γεμάτη πολλαπλές συναντήσεις και απρόβλεπτες καταστάσεις. Σε αυτό το πλαίσιο, το έργο του Rodriguez φαίνεται να αποκαλύπτει ένα μυστήριο: οι εικόνες του μαρτυρούν τη συναρπαστική αύρα των οδηγών ταξί, οι οποίοι, με έναν μάλλον ανύποπτο τρόπο, αποδεικνύονται σπουδαίοι παρατηρητές και γνώστες της ανθρωπότητας. Έχοντας «αποκαλύψει» το πρώτο σύμβολο της Νέας Υόρκης, δηλαδή το κίτρινο ταξί, ξαναρχίζω την αφήγηση του ταξιδιού μου, το οποίο, εκτός από το ότι θα βάλω μπετόν στο μέλλον, φαντάζομαι να διασχίζω την Time Square, ένα μέρος όπου Υλοποιώ «οπλισμένος» με μια μεγάλη αμφιβολία να λύσω: ποια παράγκα ανάμεσα στις πολλές καλοδεχούμενες στο δρόμο θα φτιάξει το πιο νόστιμο χοτ ντογκ;;;; Τις ανοησίες μου «απαντούν» μερικοί από τους πιο γνωστούς δεξιοτέχνες της ιστορίας της τέχνης, που έχουν μεταμορφώσει ένα από τα βασικά εικονίδια της προαναφερθείσας πόλης σε ένα βρώσιμο, αλλά άκρως ελκυστικό δείγμα: Μιλάω για το χοτ-ντογκ του Colin Self και Μπέτυ Σπίντλερ. Όσο για τον πρώτο Βρετανό καλλιτέχνη της ποπ, σύγχρονο του Ντέιβιντ Χόκνεϊ και του Πίτερ Μπλέικ, το γλυπτό του χοτ-ντογκ του 1965 πιθανότατα επηρεάστηκε από την τυπική προσέγγιση του κινήματος «με επικεφαλής» τον Άντι Γουόρχολ, με στόχο την αναγνώριση θεμάτων στο γρήγορο φαγητό και τα παράγωγα. ικανή να αποκαλύψει τη φρενίτιδα της καταναλωτικής κοινωνίας. Στην περίπτωση του γλυπτού του εαυτού, όμως, ο χρωματικός «θετικισμός» τυπικός της ποπ αρτ δίνει τη θέση του σε ένα χοτ-ντογκ που μαυρισμένο μετατρέπεται σε άβολο όργανο καταγγελίας, με σκοπό να βάλει μπροστά στα μάτια του θεατή ένα χυμώδες «καμένο " πιάτο, ένας καθρέφτης από τις πολλαπλές φρικαλεότητες που διαπράχθηκαν από τους πολέμους που βρίσκονται σε εξέλιξη. Το Spindler's Hot dog (2000), σε σύγκριση με τη σκοτεινή και σοβαρή ερμηνεία του Self, φαίνεται πιο επιφανειακό και ανέμελο, αφού το χυμώδες πιάτο «γέμισε» η καλλιτέχνις με όλα τα αγαπημένα της υλικά, αποκαλύπτοντας και λειτουργικό για να βοηθήσει τους πιο αναποφάσιστους. θεατής σε ιδέες για δείπνο, που στο τέλος θα αναφωνήσει: χοτ ντογκ απόψε! Τέλος, ετοιμάζοντας τις βαλίτσες μου για να επιστρέψω στην Ευρώπη, σκέφτομαι το ταξίδι μου αναρωτώμενος γιατί η Νέα Υόρκη αποκαλείται και το Μεγάλο Μήλο, αφού αν αυτή η ονομασία οφείλεται σίγουρα σε μια σειρά ιστορικών γεγονότων, στα οποία οι φιγούρες του Edward S Martin, Ο John J. Fitgerald, ο Charles Gillet και ο Rudolph Giuliani εναλλάσσονται, ακόμη και η τέχνη μπορεί να πει τον λόγο της, αποκαλύπτοντας τις πιο κρυφές έννοιες ενός εξαιρετικά δημοφιλούς φρούτου στη δυτική μεταφορική αναπαράσταση. Από τον Αδάμ και την Εύα του Άλμπρεχτ Ντύρερ, στις νεκρές φύσεις του Πωλ Σεζάν και του Βίνσεντ βαν Γκογκ, μέχρι το Πορτρέτο ενός νεαρού άνδρα με ένα μήλο του Ραφαήλ κ.λπ. κ.λπ., το μήλο, ένα άλλο κατεξοχήν σύμβολο της Νέας Υόρκης, έχει πάρει αντίθετες έννοιες και με πολύ θολά όρια, με στόχο την ταλάντευση μεταξύ καλού και κακού, αμαρτίας και καλής διαγωγής. Αν η φαντασία των δύο προσώπων της Νέας Υόρκης, δεδομένης της πλούσιας φιλμογραφίας από αυτή την άποψη, δεν είναι πολύ δύσκολη, να αποκαλύψουμε περαιτέρω και αδημοσίευτες απόψεις για την Gotham City είναι τα έργα των καλλιτεχνών του Artmajeur, όπως αυτά του Gorka Gonzalez Crespo, Jean Mirre και Christian Naura.

Gorka Gonzalez Crespo, Νέα Υόρκη Νέα Υόρκη , 2021. Λάδι σε καμβά, 100 x 81 cm.

Gorka Gonzalez Crespo: Νέα Υόρκη Νέα Υόρκη

Η γοητεία, η κομψότητα, η φινέτσα και η ταπεινή ομορφιά του πρωταγωνιστή του λαδιού του Crespo φαίνεται να δίνουν φωνή σε μια διαχρονική ή αμετάβλητη θηλυκότητα αφού, παρά το γεγονός ότι ο καλλιτέχνης Artmajeur τοποθετεί τη γυναίκα σε ένα ακριβές χρονικό πλαίσιο, που αυτό της δεκαετίας του '30, το πρόσωπο που απεικονίζεται φαίνεται να είναι και ένα κορίτσι της εποχής μας και του Andy Warhol. Μόλις ανέφερα τον μάστορα της ποπ αρτ ακριβώς για τη θέση του πίνακα, ο οποίος, ξεχωρίζοντας σε φόντο απαλών φώτων που ανήκουν στο περιβάλλον ντίσκο του Big Apple, μου θύμισε αμέσως το εμβληματικό Studio 54, ένα δημοφιλές New York club στο οποίο συμμετείχαν, μεταξύ 1977 και 1980, όχι μόνο ο προαναφερόμενος δάσκαλος, αλλά και άλλοι γνωστοί καλλιτέχνες, κυριολεκτικά εικονίδια της ανθρωπότητας. Πράγματι, αν ο φανταστικός συνειρμός μου γινόταν πραγματικότητα, θα μπορούσαμε να «βλέπαμε» την όμορφη πρωταγωνίστρια της Νέας Υόρκης της Νέας Υόρκης να χορεύει με τον Μάικλ Τζάκσον, να μιλάει για μουσική με τον Μικ Τζάγκερ και να συζητά για την τέχνη με τον Σαλβαδόρ Νταλί, για να μην αναφέρουμε τι θα μπορούσε να είχε συμβεί αν εκείνη είχε την τιμή να συναντήσει τους Αλ Πατσίνο, Ντέιβιντ Μπάουι, Λου Ριντ, κ.λπ. Μιλώντας για το Studio 54, ο χώρος, που βρισκόταν μεταξύ της West 54th Street, μεταξύ 7th και 8th Avenue στο Midtown Manhattan (Νέα Υόρκη), είναι ο ίδιος Το icon, καθώς ήταν το λίκνο της διασκέδασης που ήταν πολυπόθητο σε όλο τον κόσμο, καθόρισε τη γέννηση της νέας έννοιας του club, ενώ διακρίθηκε για το status των καλεσμένων του, αποδεκτό από ανθρώπους που μετρούσαν και υπαγόρευαν τους κανόνες της εποχής. Επομένως, αν η ιστορία μου ήταν αληθινή, θα ζήλευες το κορίτσι από τη Νέα Υόρκη της Νέας Υόρκης έστω και για ένα βράδυ;

Jean Mirre, Νέα Υόρκη, Νέα Υόρκη , 2021. Λάδι / μελάνι σε χαρτί, 65 x 50 cm.

Jean Mirre: Νέα Υόρκη Νέα Υόρκη

Η τέχνη μάς δίνει την προσωρινή «υπερδύναμη» να μπορούμε να ατενίζουμε την πραγματικότητα με νέα και διαφορετικά μάτια, σαν να διαθέτουμε μια συλλογή από φακούς για να φορέσουμε, ικανούς να κάνουν την αντίληψή μας να κυμαίνεται μεταξύ των πιο διαφορετικών στυλ και καλλιτεχνικών τεχνικών. Στην περίπτωση του Jean Mirre αναγνωρίζουμε στα «γυαλιά» ότι ο καλλιτέχνης μας βάζει να φοράμε μετα-ιμπρεσιονιστικές τάσεις, που «λερώνονται» από κάποια ένδειξη «αφελούς» ευρηματικότητας. Ακριβώς από αυτή την τελευταία τάση βρίσκω την τυπική έλλειψη προοπτικής, την παιδική χρήση του χρώματος και του στοιχειώδους σχεδίου, ακόμα κι αν, γενικά, το έργο του καλλιτέχνη του Artmajeur έχει μεγαλύτερες συγγένειες με τους «κληρονόμους» των ιμπρεσιονιστών, τους οποίους ερμηνεύει με μια προσωπική και εξαιρετικά πολύχρωμη άποψη, που οδηγεί σε μια ταξινόμηση επίσης παρόμοια με τον εξπρεσιονισμό. Με λίγα λόγια, αυτό το όραμα της πραγματικότητας, το αποτέλεσμα της πολύ προσωπικής αφομοίωσης πολλαπλών επιρροών, δίνει ζωή σε μια πανοραμική θέα της πόλης της Νέας Υόρκης, στην οποία πρωταγωνιστές είναι το μπλε χρώμα, το οποίο τυλίγει και «κρύβει» το πολλά θέματα, και το κίτρινο από τις ξεκάθαρα διακριτές φιγούρες των τεσσάρων ταξί που σφυρίζουν με ταχύτητα, προσπερνώντας το ένα το άλλο σαν τηλεκατευθυνόμενα παιχνίδια. Στην ιστορία της τέχνης υπάρχουν πολλά έργα που έχουν ερμηνεύσει το μεγάλο μήλο με μια πολύ προσωπική γλώσσα, όπως, για παράδειγμα, η Old Brooklyn Bridge (1941) του Joseph Stella, Fifth Avenue, New York (1911) του Joaquin Sorolla, New Το York as Seen from Across the Body (1913) του Francis Picabia, κ.λπ. Ειδικότερα, η οπτική γωνία από την κορυφή του δασκάλου του ισπανικού ιμπρεσιονισμού πρέπει να θεωρείται εξαιρετικά πολύτιμη, καθώς ο Sorolla σπάνια ασχολήθηκε με το αστικό θέμα, για να δημιουργήσει έργα μεγάλης κλίμακας. Στη γκουάς του 1911, η άποψη αποτυπώθηκε από τον πλοίαρχο που ζωγράφιζε από το παράθυρο του δωματίου του με θέα την Πέμπτη Λεωφόρο, μια θέση από την οποία φωτογράφιζε την πραγματικότητα μέσα από γρήγορες πινελιές που στόχευαν να αποδώσουν τη δυναμική αστική ζωή της μητρόπολης ακίνητη.

Christian Naura, New York I , ακρυλικό σε λινό καμβά, 81 x 65 cm.

Christian Naura: Νέα Υόρκη Ι

Μια πιο κλασική άποψη της «Gotham City» κρύβεται από το ασπρόμαυρο κινηματογραφικό πλάνο του ακρυλικού της Naura σε στυλ της δεκαετίας του 1930, με στόχο, όπως εκμυστηρεύεται η ίδια η καλλιτέχνης, να αποκαλύψει την εμφάνιση του Μεγάλου Μήλου, που πιάστηκε, χωρίς καν να το περιμένει. it (σσσς, σιωπή!), ενώ στερείται την περίφημη κυκλοφορία του αυτοκινήτου της, ικανή να τη γεμίσει καθώς το αίμα πλημμυρίζει τις αρτηρίες. Η ατμόσφαιρα της ίδιας ιστορικής περιόδου βρίσκεται σε ένα γνωστό αριστούργημα της ιστορίας της τέχνης, τη Νύχτα της Νέας Υόρκης (1929) της Georgia O'Keeffe, ένας πολύτιμος πίνακας που είναι επίσης ένα «ντοκουμέντο» που στοχεύει να μαρτυρήσει πώς έκανε ο καλλιτέχνης. δεν αφιερώθηκε μόνο στα πιο γνωστά κρανία, ερήμους και λουλούδια του. Το έργο, που χρονολογείται από τα νιάτα του ζωγράφου που πέρασε στη Νέα Υόρκη, εκφράζει αρμονικά τους περίπλοκους όγκους των ουρανοξυστών, που αφήνουν πίσω τους βαρείς και ψηλούς ώμους τους ένα μακρινό και φωτεινό μονοπάτι, με στόχο να εκφράσει όλη τη ζωντάνια της πόλης, η οποία κατ' εξοχήν , δεν κοιμάται ποτέ. Αναλύοντας πιο προσεκτικά τον πίνακα, είναι φανερό ότι το εστιακό του σημείο αντιπροσωπεύεται από το ξενοδοχείο Beverly, αφού το τελευταίο ήταν ορατό από το διαμέρισμα του καλλιτέχνη, ο οποίος δανείστηκε να τον παρατηρήσει και να τον απαθανατίσει από τον τριακοστό όροφο του ξενοδοχείου Shelton. Τέλος, τα εν λόγω έργα μας παρέχουν σίγουρα δύο διαφορετικές, αλλά συμπληρωματικές, απόψεις για το ίδιο θέμα: τα καρέ New York I από κάτω και ασπρόμαυρα, η Νύχτα της Νέας Υόρκης ενισχύει το χρώμα και τα ύψη. Πιθανώς, μόνο με το συνδυασμό αυτών των δύο οραμάτων του κόσμου είναι δυνατό να συντεθεί ο πλούτος της πραγματικότητας, οι προοπτικές και οι χρωματικές αποχρώσεις του σύμπαντος.