Pablo Picasso, geboren am 25. Oktober 1881 im spanischen Málaga, gilt als einer der einflussreichsten Künstler des 20. Jahrhunderts, der mit seinen bahnbrechenden Beiträgen zu Bewegungen wie dem Kubismus und Surrealismus unauslöschliche Spuren in der Kunstwelt hinterlassen hat. Sein innovativer Ansatz zur Kunst, der die Miterfindung der Collage und die Schaffung konstruierter Skulpturen umfasste, erstreckte sich über eine breite Palette von Stilen und Perioden, von der Blauen und Rosa Periode bis zu seinen späteren Werken, die oft Elemente seiner früheren Experimente vereinten. Während seiner produktiven Karriere spiegelten Picassos Werke, darunter Meisterwerke wie Les Demoiselles d'Avignon und Guernica , seine sich entwickelnde künstlerische Vision wider und festigten sein Erbe als revolutionäre Figur in der modernen Kunst.
Künstlerbiografie: Pablo Picasso
Pablo Ruiz Picasso wurde am 25. Oktober 1881 in Málaga, Andalusien, Spanien, als erstes Kind von Don José Ruiz y Blasco und María Picasso y López geboren. Picasso wuchs in einer bürgerlichen Familie auf und war schon in jungen Jahren von seinem Vater, einem erfahrenen Maler und Kunstprofessor, angeleitet worden. Sein angeborenes Talent zum Zeichnen war bereits in der Kindheit offensichtlich; seine ersten Worte waren angeblich eine spielerische Abkürzung des spanischen Wortes für „Bleistift“. Ab dem Alter von sieben Jahren erhielt Picasso eine formelle Ausbildung im Aktzeichnen und in der Ölmalerei, was ihm eine disziplinierte Herangehensweise an die Kunst vermittelte, die im Gegensatz zu seinem späteren rebellischen Geist stand. Der Umzug der Familie nach A Coruña im Jahr 1891 ermöglichte es Picasso, seine Fähigkeiten weiterzuentwickeln, obwohl die Entscheidung seines Vaters, die Malerei aufzugeben, nachdem er die überlegene Technik seines Sohnes erkannt hatte, einen entscheidenden Moment in der künstlerischen Laufbahn des jungen Picasso markierte.
1895 kam es zu einem tragischen Ereignis, als Picassos siebenjährige Schwester Conchita an Diphtherie starb, woraufhin die Familie nach Barcelona umzog. Dort blühte Picasso sowohl akademisch als auch künstlerisch auf und wurde bereits mit 13 Jahren an der Schule der Schönen Künste aufgenommen. Trotz seiner mangelnden Disziplin in formalen Umgebungen brachte ihm sein außergewöhnliches Talent Anerkennung und Bewunderung ein. Mit 16 Jahren zog Picasso nach Madrid, um die Real Academia de Bellas Artes de San Fernando zu besuchen, doch seine Verachtung für traditionellen Unterricht veranlasste ihn, das formale Studium aufzugeben. Stattdessen vertiefte er sich in das reiche künstlerische Erbe des Prado-Museums und ließ sich von Meistern wie El Greco inspirieren, dessen Einfluss in Picassos späteren Werken deutlich wird. Picassos Privatleben war ebenso lebendig und turbulent wie seine Kunst. Im Laufe seines Lebens pflegte er zahlreiche intensive Beziehungen, die sein kreatives Schaffen stark beeinflussten. Er heiratete zweimal und bekam vier Kinder mit drei verschiedenen Frauen, wobei jede Beziehung sein Werk unauslöschlich prägte. Picassos Musen, darunter Olga Khokhlova, Marie-Thérèse Walter und Dora Maar, spielten eine bedeutende Rolle in seiner künstlerischen Entwicklung und dienten als Motive und Inspirationen für einige seiner berühmtesten Werke. Seine Beziehungen waren jedoch oft von emotionalen Turbulenzen und Tragödien geprägt, wobei mehrere seiner Partner und Kinder unter psychischen Problemen litten und vorzeitig starben.
Politisch blieb Picasso weitgehend von direkter Beteiligung an Bewegungen wie dem katalanischen Unabhängigkeitskampf ausgeschlossen, obwohl er allgemeine Unterstützung ausdrückte und Freundschaften mit Aktivisten pflegte. Während des spanischen Bürgerkriegs übernahm er in Abwesenheit die Ehrenrolle des „Direktors des Prado“ und half, die Sammlung des Museums zu schützen. Die Schrecken des Krieges prägten ihn zutiefst und führten zur Schaffung seines ikonischen Antikriegsgemäldes Guernica . 1944 trat Picasso der Kommunistischen Partei Frankreichs bei, schloss sich linken Ideologien an und unterstützte aktiv Friedensbewegungen. Sein politisches Engagement spiegelte sich in seiner Kunst wider, vor allem in Werken wie Massaker in Korea und der weltweit bekannten „Friedenstaube“. Picassos Leben endete am 8. April 1973 in Mougins, Frankreich, an Lungenödem und einem Herzinfarkt. Er wurde im Schloss Vauvenargues beigesetzt, einem Anwesen, das ihm seit 1958 am Herzen lag. Die Zeit nach seinem Tod war von einer persönlichen Tragödie geprägt: Seine Frau Jacqueline Roque nahm sich 1986 das Leben, erschüttert von Picassos Tod.
Stil & Technik
Im Laufe seiner langen Karriere schuf er ein erstaunliches Werk, das viele Medien umfasst, darunter Malerei, Skulptur, Keramik, Zeichnung, Druckgrafik und sogar Textilien. Die schiere Menge seiner Kreationen – zum Zeitpunkt seines Todes waren es mehr als 45.000 unverkaufte Werke – ist ein Beweis für seinen unermüdlichen Antrieb und seine Vielseitigkeit. In der Malerei nutzte er Farbe als ausdrucksstarkes Element, stützte sich jedoch stark auf die Zeichnung, um Form und räumliche Beziehungen herzustellen. Zu seinem innovativen Ansatz gehörte es manchmal, seiner Farbe unkonventionelle Materialien wie Sand hinzuzufügen, um abwechslungsreiche Texturen zu erzeugen und die taktile Qualität seiner Arbeit zu verbessern. Eine wissenschaftliche Analyse seines Gemäldes Der rote Sessel (1931) ergab, dass Picasso in seinen Kunstwerken gewöhnliche Hausfarbe verwendete. Dies bestätigte lange gehegte Vermutungen und zeigte seine Bereitschaft, traditionelle Grenzen zu überschreiten. Auch Picassos bildhauerische Arbeit spiegelt seinen Innovationsgeist wider. Zu Beginn seiner Karriere arbeitete er mit traditionellen Materialien wie Holz, Wachs und Ton, doch von 1909 bis 1928 wandte er sich der Schaffung skulpturaler Konstruktionen aus einer breiten Palette von Materialien zu. Seine Gitarre (1912) aus Blech und Draht ist ein Paradebeispiel für diesen Ansatz, der als dreidimensionales Gegenstück zu seinen kubistischen Gemälden beschrieben wurde – eine radikale Abkehr von herkömmlichen Bildhauertechniken.
Ob es die düsteren Töne seiner Blauen Periode, die Wärme seiner Rosa Periode oder die fragmentarischen Formen des Kubismus waren, Picassos Stil war fließend und entwickelte sich ständig weiter. Er malte oft aus der Vorstellungskraft oder dem Gedächtnis und schuf Werke, die seine persönlichen Erfahrungen und Beziehungen widerspiegelten, was viele dazu veranlasste, sein Werk als eine umfangreiche bildliche Autobiografie zu betrachten. Dieser autobiografische Aspekt wird durch Picassos Angewohnheit verstärkt, seine Werke sorgfältig zu datieren, da er eine vollständige Dokumentation seiner künstlerischen Reise hinterlassen wollte. Picassos kubistische Werke grenzten zwar an die Abstraktion, lösten sich jedoch nie vollständig von der realen Welt. Seine Gemälde zeigten oft erkennbare Objekte wie Gitarren, Geigen und Flaschen, selbst wenn sie in geometrische Formen zerlegt waren. Während große narrative Szenen in seinen Gemälden selten waren, stellt Guernica (1937) eine monumentale Ausnahme dar, da es den Schrecken des Krieges in einer kraftvollen, komplexen Komposition einfängt.
Kurze Geschichte des Kubismus
Der Kubismus, eine revolutionäre Kunstbewegung des frühen 20. Jahrhunderts, die in Paris entstand, veränderte die Malerei und die bildenden Künste grundlegend und hatte auch Einfluss auf Musik, Ballett, Literatur und Architektur. Der von Pablo Picasso und Georges Braque vorangetriebene Kubismus brach mit traditionellen Perspektiven, indem er Motive analysierte, sie zerlegte und sie in abstrakten Formen neu zusammensetzte, die mehrere Blickwinkel gleichzeitig darstellten. Diese Bewegung, die von den späten Werken Paul Cézannes inspiriert wurde, wird oft als die einflussreichste Kunstbewegung des 20. Jahrhunderts angesehen. Der Kubismus entwickelte sich zunächst in den Pariser Vierteln Montmartre und Montparnasse und später im nahe gelegenen Puteaux und war durch seine radikale Abkehr von der Darstellung realistischer Räume gekennzeichnet, was zu verschiedenen Ablegern wie Orphismus, Purismus und abstrakter Kunst führte. Die Bewegung führte die Collage als moderne Kunstform ein und beeinflusste eine Vielzahl anderer künstlerischer Bewegungen, darunter Futurismus, Suprematismus, Dada und Konstruktivismus. Die Geschichte des Kubismus wird üblicherweise in Phasen unterteilt. Sie beginnt mit dem analytischen Kubismus, der zwischen 1910 und 1912 entstand und sich durch eine fragmentierte Herangehensweise an Form und Raum auszeichnet. Darauf folgte der synthetische Kubismus, der bis zum Aufkommen des Surrealismus um 1919 von Bedeutung blieb. Eine weitere Kategorisierung umfasst „Frühkubismus“, „Hochkubismus“ und „Spätkubismus“, wobei jede Phase unterschiedliche Entwicklungs- und Experimentierstadien innerhalb der Bewegung darstellt. Trotz seiner Entwicklung und der Entstehung verschiedener Interpretationen blieb der Einfluss des Kubismus allgegenwärtig und beeinflusste nicht nur die bildende Kunst, sondern trug auch zu einer breiteren ideologischen Verschiebung hin zu Modernität und Mechanisierung im frühen 20. Jahrhundert bei.
Ikonische Kunstwerke
Zu seinen berühmtesten Werken gehört Guernica (1937), ein monumentales Antikriegsgemälde, das die Schrecken des spanischen Bürgerkriegs eindringlich schildert. Les Demoiselles d'Avignon (1907), ein bahnbrechendes Werk, erschütterte traditionelle Sichtweisen und ebnete den Weg für den Kubismus. Der alte Gitarrenspieler (1904) aus seiner Blauen Periode fängt die düstere Realität menschlichen Leidens ein, während Mädchen vor dem Spiegel (1932) und Le Rêve (1932) intime Darstellungen seiner Muse Marie-Thérèse Walter sind und seine Faszination für psychologische Tiefe und Surrealismus zur Schau stellen. Picassos frühe Meisterschaft wird in Werken wie Erstkommunion (1896) und Wissenschaft und Nächstenliebe (1897) deutlich, während seine späteren Werke wie Friedenstaube (1949) und Don Quijote (1955) sein anhaltendes Engagement für Einfachheit und Symbolik hervorheben. Die drei Tänzerinnen (1925) und die Weinende Frau mit dem Taschentuch (1937) offenbaren seine Auseinandersetzung mit emotionaler Intensität, und Stierkopf (1942) veranschaulicht seine Fähigkeit, Kunst im Alltäglichen zu finden. Von der eindringlichen Melancholie der Tragödie (1903) bis zum lebhaften Surrealismus des Kusses (1925) ist Picassos Werk ein Beweis seiner unaufhörlichen Innovation und seines tiefgreifenden Einflusses auf die Kunst des 20. Jahrhunderts.
Guernica (1937)
Guernica (1937) von Pablo Picasso gilt als eines der eindringlichsten Antikriegsgemälde der Kunstgeschichte. Es bringt durch seine eindringliche Bildsprache und komplexe Symbolik die Unmenschlichkeit, Brutalität und Verzweiflung zum Ausdruck, die der Konflikt mit sich bringt. Das Gemälde entstand als Reaktion auf die Bombardierung der baskischen Stadt Guernica am 26. April 1937 während des spanischen Bürgerkriegs und geht über die spezifische Gräueltat hinaus und wird zu einem universellen Symbol des durch Gewalt verursachten Leidens. Die Bombardierung, die von der Legion Condor Nazideutschlands zur Unterstützung der nationalistischen Streitkräfte Francisco Francos durchgeführt wurde, führte zum Tod von Hunderten von Zivilisten, vor allem Frauen und Kindern. Picasso, der von diesen Ereignissen zutiefst betroffen war, wurde beauftragt, Guernica für den spanischen Pavillon der Pariser Weltausstellung 1937 zu schaffen. Das monumentale Gemälde mit den Maßen 3,5 mal 7,8 Meter ist in einer monochromen Palette aus Schwarz, Weiß und Grau gehalten, die seinen düsteren Ton verstärkt und die Ernsthaftigkeit des Motivs betont. Die chaotische Komposition ist voller fragmentierter Körper, gequälter Ausdrücke und Symbole der Gewalt, wobei links ein Stier teilnahmslos steht und ein Pferd, aufgespießt und schreiend, die Mitte dominiert. Die Interpretationen des Stiers und des Pferdes variieren, wobei einige den Stier als Symbol der Brutalität und das Pferd als das Leiden der Menschen sehen, während andere diese Figuren als mehrdeutiger betrachten. Picasso selbst ließ die Interpretation offen und ermutigte die Betrachter, ihre eigenen Bedeutungen abzuleiten. Guernica markierte eine bedeutende Verschiebung in Picassos Werk hin zum politischen Ausdruck, die teilweise durch seine Beziehung zu Dora Maar beeinflusst wurde, einer surrealistischen Fotografin und antifaschistischen Aktivistin, die die Entstehung des Gemäldes dokumentierte. Das Werk gewann durch internationale Ausstellungen an politischer Kraft, schärfte das Bewusstsein und sammelte Gelder für spanische Flüchtlinge und wurde zu einem Symbol des Widerstands gegen den Faschismus. Nach dem Krieg wurde Guernica dem Museum of Modern Art (MoMA) in New York City anvertraut, wobei Picasso festlegte, dass es nicht nach Spanien zurückkehren sollte, bis die Demokratie wiederhergestellt sei. 1981, sechs Jahre nach Francos Tod, wurde das Gemälde schließlich nach Spanien überführt, wo es sich heute im Museo Reina Sofía in Madrid befindet. Guernica bleibt ein zeitloses Symbol nicht nur für die Tragödie, die es darstellt, sondern auch für die allgemeinere menschliche Situation angesichts von Krieg und Leid. Es ist eine eindringliche Erinnerung an die verheerenden Auswirkungen von Konflikten und die Macht der Kunst, Zeugnis von der Geschichte abzulegen.
Le Baiser (1932) von Pablo Picasso
Pablo Picasso, Le Baiser, 1932. Gemälde, Öl auf Leinwand, 37 cm x 48 cm.
Pablo Picassos Le Baiser (1932) ist ein fesselndes Beispiel seines kubistischen Ansatzes und verewigt einen zärtlichen Moment durch ein meisterhaftes Zusammenspiel von Form und Farbe. Das Gemälde, ein Ölgemälde auf Leinwand, misst 48 cm x 37 cm und offenbart Picassos beispiellose Fähigkeit, menschliche Emotionen zu analysieren und zu rekonstruieren. Im Mittelpunkt des Werks steht ein Mann und eine Frau, die sich küssen, doch der Moment ist von einem tiefen Gefühl der Dualität durchdrungen. Der Blick der Frau ist innig auf ihren Geliebten gerichtet, während er paradoxerweise auf den Betrachter blickt, wodurch eine faszinierende Diskrepanz zwischen ihrer gemeinsamen Erfahrung und der Perspektive des Betrachters entsteht. Die Leinwand ist überwiegend in einer strengen monochromen Palette wiedergegeben, doch Picassos Kunstfertigkeit übersteigt die Einfachheit von Schwarz und Weiß durch die subtile Verwendung blauer Linien, die einen dynamischen Hintergrund bilden, und eines weichen grünen Schattens, der die Figur des Mannes sanft betont. Dieser dezente Farbspritzer haucht der Komposition Leben ein und unterstreicht die emotionale Tiefe der Szene, während gleichzeitig eine raffinierte Balance erhalten bleibt. Die Oberfläche des Gemäldes offenbart seine Geschichte, mit einer satten Patina der Zeit, die auf der vergilbten Leinwand und der zarten Reparatur in der oberen rechten Ecke sichtbar ist. Ein eleganter Rahmen, der sich noch immer in ausgezeichnetem Zustand befindet, umschließt das Werk, das den Charme seiner Pariser Ursprünge von 1932 in sich trägt. Die Rückseite des Werks trägt ein Galerieetikett aus dieser Zeit, das das Gemälde mit seiner geschichtsträchtigen Vergangenheit verbindet.
Da öffnete die Tochter des Pharaos den Korb und sah, dass darin ein Kind war (2010) von Pablo Picasso
Pablo Picasso , „Dann öffnete die Tochter des Pharaos den Korb und sah, dass darin ein Kind war“, 2010. Druckgrafik, 50,5 cm x 37 cm.
Dieses Werk, Teil der Exodus-Suite, spiegelt Picassos Auseinandersetzung mit der biblischen Erzählung von Moses‘ Entdeckung wider, einer Szene, die sowohl verehrt als auch ergreifend ist. Der Druck, eine Originallithografie auf Velin Arches-Papier im Format 50,5 x 37 cm, stammt aus einer limitierten Auflage von 250 Exemplaren. Die Komposition ist ein lebendiges Tableau, in dem der Akt der Enthüllung zu einer tiefgreifenden Begegnung wird. Die Tochter des Pharaos, in einem Moment zarter Erwartung verharrt, wird mit einer Intensität dargestellt, die sowohl die Ernsthaftigkeit ihrer Entdeckung als auch die Anmut ihrer Geste vermittelt. Die Farben, ein harmonischer Tanz aus hellen Farbtönen und subtilen Schattierungen, hauchen der Szene Leben ein und stellen das historische Gewicht der Erzählung Picassos charakteristischer Ausgelassenheit und modernem Feingefühl gegenüber. Die Lithografie, die 1966 von Leon Amiel in Paris und New York veröffentlicht wurde, ist ein Beweis für Picassos Fähigkeit, uralten Geschichten eine frische, dynamische Perspektive zu verleihen. Gedruckt vom berühmten Fernand Mourlot, ist dieses Werk ein leuchtender Teil eines ehrgeizigen Projekts von Marc Chagall, der die Exodus-Geschichte anhand einer Folge von 24 Lithografien beleuchten wollte. Picassos Darstellung ohne Ränder zieht den Betrachter in ein immersives Erlebnis, das nicht nur den Moment der Offenbarung widerspiegelt, sondern auch die Tiefe menschlicher Emotionen und spiritueller Bedeutung.
Auktionsverlauf
Mehrere Gemälde von Pablo Picasso zählen zu den teuersten der Welt; zahlreiche seiner Gemälde wurden bei Auktionen für Rekordpreise verkauft. Garçon à la pipe wurde 2004 bei Sotheby's für 104 Millionen Dollar verkauft, gefolgt von Dora Maar au Chat für 95,2 Millionen Dollar im Jahr 2006. 2010 erzielte Akt, grüne Blätter und Büste , das Picassos Geliebte Marie-Thérèse Walter darstellt, bei Christie's 106,5 Millionen Dollar. Sein Werk Die Frauen von Algier aus dem Jahr 1932 stellte 2015 einen neuen Rekord auf, als es bei Christie's in New York für 179,3 Millionen Dollar verkauft wurde. Weitere bemerkenswerte Verkäufe sind Femme Assise (1909), das 2016 für 43,2 Millionen Pfund verkauft wurde und damit den höchsten Preis darstellte, der jemals für ein kubistisches Werk gezahlt wurde, und Femme assise, robe bleu (1939), das 2017 für 45 Millionen Dollar verkauft wurde, nachdem es während des Zweiten Weltkriegs unterschlagen worden war. 2018 wurde Femme au Béret et à la Robe Quadrillée (1937), ein weiteres Porträt von Walter, bei Sotheby's in London für 49,8 Millionen Pfund verkauft.
In Anerkennung seines beispiellosen Einflusses war Picasso der erste Künstler, der an seinem 90. Geburtstag mit einer Sonderausstellung im Louvre geehrt wurde, und Robert Hughes stellte fest, dass kein Künstler, nicht einmal Michelangelo, zu Lebzeiten einen solchen Ruhm erlangt hatte. Trotz seines Ruhms hielt Picasso viele seiner Werke vom Markt fern, und nach seinem Tod bildeten diese zusammen mit seiner Sammlung von Werken anderer Künstler die Grundlage für das Musée Picasso in Paris. Picasso gewidmete Museen wie das Museu Picasso in Barcelona und das Museo Picasso Málaga beherbergen umfangreiche Sammlungen seiner frühen Werke und persönlichen Archive. Insbesondere Guernica wurde im MoMA in New York ausgestellt, bevor es nach Spanien zurückgebracht wurde, wo es sich jetzt im Reina Sofía Museum befindet. Picassos Erbe erstreckt sich auch auf die Popkultur. Er wurde von Schauspielern wie Anthony Hopkins und Antonio Banderas dargestellt und seine Werke werden nach wie vor hoch geschätzt. 2015 war Picasso der Künstler mit den höchsten Auktionsumsätzen. Seine Gemälde wurden am häufigsten gestohlen. Im Jahr 2012 wurden im Art Loss Register über 1.000 Gemälde als gestohlen aufgeführt. In Basel führte eine Volksabstimmung im Jahr 1968 zum erfolgreichen öffentlichen Ankauf zweier seiner Gemälde. Danach schenkte Picasso der Stadt weitere Werke und wurde Ehrenbürger der Stadt.
Selena Mattei
