Georges Braque: Zwischen Kubismus und Innovation

Georges Braque starb am 31. August 1963 im Alter von 81 Jahren in Paris. Er hatte eine erfolgreiche Karriere, die sich über fast sechs Jahrzehnte erstreckte, und bleibt eine der bedeutendsten Persönlichkeiten in der Entwicklung des Kubismus und der frühen modernen Kunst. Seine Werke inspirieren weiterhin Künstler, Kunsthistoriker und Liebhaber auf der ganzen Welt, und sein Vermächtnis als einer der wichtigsten Künstler des 20. Jahrhunderts ist gesichert.

Braque blieb sein Leben lang seinen frühen Inspirationen treu. Er wurde von den Werken Paul Cézannes beeinflusst und bezog sich in vielen seiner eigenen Kompositionen auf dessen Stillleben und Landschaften. Georges Braque gilt als einflussreiche Persönlichkeit des Salon des Indépendants, einer Pariser Ausstellung, die die Werke unabhängiger Meister zeigte, frei von den Zwängen der offiziellen Salonrichtlinien. Er war von 1904 bis 1910 regelmäßiger Aussteller und die Ausstellung spielte eine wichtige Rolle bei der Förderung der Kunst der Avantgarde-Meister an der Wende zum 20. Jahrhundert.

Sein ganzes Leben lang war er von einem Kreis einflussreicher Freunde und Unterstützer umgeben. Dazu gehörten Kunsthändler wie Ambroise Vollard und Daniel-Henry Kahnweiler sowie Malerkollegen wie Pablo Picasso, mit dem ihn eine lange und produktive künstlerische Partnerschaft verband. Diese Beziehungen waren entscheidend für Braques Erfolg, denn Georges Braque gilt allgemein als einer der Gründerväter des Kubismus, einer Bewegung, die Malerei und Bildhauerei im 20. Jahrhundert revolutionierte. Sein kreativer Weg war geprägt von intensiven formalen und technischen Experimenten, die darauf abzielten, die visuelle Realität zu dekonstruieren, um ihre verschiedenen Aspekte gleichzeitig zu analysieren und darzustellen.

Während Braque bei der Entwicklung des Kubismus tatsächlich stark von afrikanischer Kunst beeinflusst wurde, war Pablo Picasso der wichtigste Sammler afrikanischer und ozeanischer Kunst unter den Kubisten. Picassos Auseinandersetzung mit afrikanischer Kunst, insbesondere Masken und Skulpturen, spielte eine entscheidende Rolle bei der stilistischen Entwicklung beider Künstler. Braque ließ sich von denselben Elementen inspirieren und ließ diese Einflüsse in seine Arbeit einfließen, insbesondere in Bezug auf geometrische Formen und abstrakte Darstellungen.

Vielleicht ist es interessant, noch etwas zu Braques politischer Haltung hinzuzufügen: Während des Zweiten Weltkriegs blieb Georges Braque unter deutscher Besatzung im Paris, im Gegensatz zu einigen seiner Zeitgenossen, die flohen oder sich Widerstandsbewegungen anschlossen.

Vom Licht zur Geometrie – Die Entwicklung eines kubistischen Meisters

Der Meister wurde 1882 in Argenteuil-sur-Seine, Frankreich, in eine Familie geboren, die tief in der Handwerkstradition verwurzelt war. Sein Vater und sein Großvater waren beide Maler und Dekorateure, eine Berufung, die Braque zunächst in Richtung der dekorativen Künste führte. Seine kreativen Ambitionen führten ihn jedoch bald zu umfassenderen künstlerischen Aktivitäten.

Georges begann seine Ausbildung an der École des Beaux-Arts in Le Havre, wo er zunächst nach einem Lehrplan studierte, der den Schwerpunkt auf klassische Techniken legte. In diesen Jahren war sein Stil stark von der impressionistischen Bewegung beeinflusst, die in Frankreich noch in voller Blüte stand. Er bewunderte insbesondere die Werke von Claude Monet und Camille Pissarro, deren Umgang mit Licht und Farbe seine Landschaften maßgeblich beeinflusste.

Um mehr Aufmerksamkeit in der aufkeimenden Kunstszene zu erlangen, zog Georges im Jahr 1900 nach Paris. Dieser Umzug war von entscheidender Bedeutung; Paris war das Epizentrum der Avantgarde, und der junge Meister wurde schnell in das dynamische kulturelle Leben dieser Stadt hineingezogen. Braques Begegnung mit den Kunstwerken von Henri Matisse und den Fauves im Salon d'Automne 1905 war für ihn eine Wende. Er übernahm den kühnen Farbgebrauch und die ausdrucksstarke Pinselführung der Fauves, die in seinen eigenen Kreationen zum Vorschein kamen und zu seiner kurzen fauvistischen Phase führten.

Der kritischste Wendepunkt in Braques künstlerischer Entwicklung kam 1907 nach seiner Begegnung mit Pablo Picasso. Die beiden schlossen eine Freundschaft, die sowohl von Konkurrenzkampf als auch von Zusammenarbeit geprägt war und einander zu weiteren Innovationen anspornte. Picasso hatte gerade sein bahnbrechendes Werk „Les Demoiselles d'Avignon“ fertiggestellt, das Braque tiefgreifenden Einfluss auf ihn hatte. Motiviert von Picassos Bemühungen, traditionelle Perspektiven aufzubrechen, begann Braque mit Form und Perspektive zu experimentieren und bereitete damit den Boden für die Geburt des Kubismus.

Zwischen 1908 und 1912 entwickelte Goerges zusammen mit Picasso diese letztere Bewegung, einen revolutionären Stil, der traditionelle Perspektive und Darstellung aufgab. Sie zerlegten Objekte in geometrische Formen und ineinandergreifende Ebenen und präsentierten mehrere Blickwinkel gleichzeitig, was eine radikale Abkehr von der konventionellen europäischen Kunst darstellte. Diese Zeit intensiver Zusammenarbeit führte zu einigen der innovativsten und einflussreichsten Meisterwerke des 20. Jahrhunderts und kennzeichnete Braque nicht nur als Trendsetter, sondern auch als führenden Pionier der Kunst. Der Ausbruch des Ersten Weltkriegs im Jahr 1914 setzte dieser Phase eine abrupte Pause ein, als Braque in die französische Armee eintrat, eine Erfahrung, die später seinen Weg beeinflussen sollte.

Eine Reise durch Form und Raum

Der Meister spielte neben Pablo Picasso eine entscheidende Rolle bei der Entwicklung der oben genannten Bewegung und revolutionierte die Kunst des frühen 20. Jahrhunderts. Von 1908 bis 1912 waren sie Pioniere eines Stils, der sich durch innovative Ansätze in Bezug auf Struktur, Form und Perspektive auszeichnete.

Georges' Stil bestand darin, Figuren in geometrische Formen zu zerlegen, wobei er eine gedämpfte, oft monochromatische Palette verwendete, um das Volumen hervorzuheben. Zu seinen Motiven gehörten Alltagsgegenstände, Stillleben, Musikinstrumente und fragmentierte Landschaften, die rekonstruiert wurden, um den Betrachter in einen aktiven, forschenden Blick zu verwickeln.

Braque entwickelte auch die „Papier-Collé“-Technik weiter, bei der er Tiefe und Struktur hinzufügte, indem er Papierausschnitte auf die Leinwand klebte. Diese Methode verwischte die Grenzen zwischen gemalter und physischer Fläche und verstärkte die abstrakte Qualität seiner Vision.

Während dieser Zeit stellte Görges die konventionelle Bildbetrachtung in Frage und forderte die Benutzer auf, fragmentierte Szenen gedanklich neu zusammenzusetzen. Seine Meisterwerke revolutionierten nicht nur die bildende Kunst, sondern stellten auch philosophische Herausforderungen dar, was ihn zu einer Schlüsselfigur in der weiteren Entwicklung der Kunst machte.

Meisterwerke: Ikonen des Kubismus

Hier sind einige von Braques bemerkenswertesten Kreationen, die seinen bahnbrechenden Ansatz innerhalb der Bewegung veranschaulichen:

• Violine und Kerzenständer (1910)

  • Als Paradebeispiel für Braques analytischen Kubismus zerlegt dieses Stück die Geige und den Kerzenständer in fragmentierte geometrische Formen.

• Häuser in L'Estaque (1908)

  • Eine frühe kubistische Schöpfung, die die Landschaft von L'Estaque mit vereinfachten, geometrischen Formen darstellt und den Einfluss von Cézanne widerspiegelt.

• Die Portugiesen (1911)

  • Ein ikonisches kubistisches Stück mit einer fragmentarischen Darstellung eines portugiesischen Musikers, das Braques Interesse an mehreren Perspektiven und abstrakten Formen hervorhebt.

• Mann mit Gitarre (1911)

  • Dieses Meisterwerk ist eine weitere Schlüsselkreation des analytischen Kubismus und zerlegt die Figur eines Gitarre spielenden Mannes in sich kreuzende Ebenen und Formen.

• Flasche und Fische (1912)

  • Als Beispiel für Braques synthetischen Kubismus kombiniert diese Leinwand Collage-Elemente mit traditionellen Maltechniken und schafft so eine komplexe Komposition.

• Frau mit Gitarre (1913)

  • Dieses Stück ist ein Beispiel für den synthetischen Kubismus, bei dem verschiedene Texturen und Materialien zusammengeführt werden, um eine Frau mit einer Gitarre in einem fragmentierten Stil darzustellen.

• Obstschale und Glas (1912)

  • Ein Stillleben mit Collage-Elementen, das Alltagsgegenstände durch eine Kombination aus Farbe und Papier darstellt.

• Stillleben mit Metronom (1909)

  • Ein kubistisches Stillleben mit Musikinstrumenten und Alltagsgegenständen, dekonstruiert in geometrische Formen und gedämpfte Farben.

• Klarinette und eine Flasche Rum auf einem Kaminsims (1911)

  • Dieses Gemälde zeigt Braques Geschick, Alltagsgegenstände in kubistische Kompositionen zu integrieren, wobei der Schwerpunkt auf dem Zusammenspiel von Formen und Texturen liegt.

• Das Studio (1949)

  • Eine spätere Schöpfung, die Braques anhaltendes Interesse an Stillleben und Atelierinterieurs widerspiegelt und naturalistische Elemente mit abstrakten Formen kombiniert.

Einige Meisterwerke

HERA (1988) Druckgrafik von Georges Braque

Analyse von Georges Braques „HERA“ (1988)

ACHELOOS (1988) Druckgrafik von Georges Braque

Analyse von Georges Braques „Acheloos“ (1988)

Das Stück „ACHELOOS“ ist zugleich Teil der bereits erwähnten Serie von 12 Farblithografien „Les Métamorphoses de Braque“.

Die Figur wird mit einer Mischung aus organischen und geometrischen Formen dargestellt, die durch fließende und geschwungene Linien gekennzeichnet sind, die Wasser und Bewegung andeuten, neben strukturierteren und eckigeren Formen.

In „ACHELOOS“ ist der charakteristische Umgang des französischen Meisters mit Form und Struktur deutlich zu erkennen. Die Verwendung einer begrenzten Farbpalette, hauptsächlich Gold und Weiß auf schwarzem Hintergrund, betont das Spiel von Licht und Schatten und verleiht der Figur eine skulpturale Qualität. Diese Farbreduzierung lenkt die Aufmerksamkeit des Betrachters auf die Formen und ihre räumlichen Beziehungen, ein Markenzeichen von Georges‘ späteren Meisterwerken.

Die Entstehung von „Acheloos“ im Jahr 1988, das zwar posthum von Armand & Georges Israel veröffentlicht wurde, spiegelt eine Zeit des erneuten Interesses an Braques Beiträgen zur Kunst wider. Gegen Ende des 20. Jahrhunderts wurden die Techniken und Innovationen des Malers weithin gefeiert, und es gab einen starken Markt für seine Meisterwerke.

Das traditionelle lithografische Verfahren, das zur Erstellung von „ACHELOOS“ verwendet wurde, entspricht Georges‘ Interesse an Handwerkskunst und Materialität. Jede Farbe in der Lithografie wurde in einem separaten Druckzyklus aufgetragen, was die sorgfältige und arbeitsintensive Natur des Prozesses unterstreicht, was mit der Hingabe des Künstlers an Qualität und Details in seinen Werken übereinstimmt.

Der Titel „ACHELOOS“ bezieht sich auf den griechischen Flussgott, der Wasser, Transformation und Fluidität symbolisiert. Dieser mythologische Bezug steht im Einklang mit der Faszination des Malers für klassische Themen und seiner Tendenz, seiner Kreativität tiefere symbolische Bedeutungen zu verleihen.

PHOENIX (1988) Druckgrafik von Georges Braque

Analyse von Georges Braques „PHOENIX“ (1988)

„PHOENIX“, eine Farblithografie, ist ebenfalls Teil der Serie von 12 Lithografien mit dem Titel „Les Métamorphoses de Braque“, die 1988 posthum von Armand & Georges Israel veröffentlicht wurde.

Das zentrale Bild von „PHOENIX“ zeigt eine abstrakte Darstellung des mythischen Vogels Phönix. Die Figur ist in leuchtenden Farben gehalten, hauptsächlich Gold mit Akzenten in Rosa, Blau und Rot. Der Phönix ist mit komplizierten Mustern geschmückt und vor einem dunklen Hintergrund platziert, wodurch ein markanter Kontrast entsteht, der seine visuelle Wirkung verstärkt. Der Vogelkamm, in Weiß dargestellt und mit Gold umrandet, verleiht der Komposition ein Gefühl von Bewegung und Eleganz.

In „PHOENIX“ ist der reife Stil des Meisters deutlich zu erkennen. Die Verwendung heller und kontrastierender Farben und kräftiger Umrisse spiegelt sein anhaltendes Interesse an der Interaktion zwischen Form und Farbe wider. Die „abstrakte“ Darstellung des Phönix mit seinem geformten Körper und dem stilisierten Wappen zeigt seine Fähigkeit, geometrische Abstraktion mit organischen Formen zu verbinden. Dieses Stück illustriert seine Leidenschaft für mythologische Themen und sein Geschick, visuell dynamische Kompositionen zu schaffen.

Der Phönix ist ein mythischer Vogel, der Wiedergeburt, Unsterblichkeit und Erneuerung symbolisiert. Dieses Thema steht im Einklang mit Georges' Interesse an klassischer Mythologie und seiner Tendenz, seinen Werken tiefere symbolische Bedeutungen zu verleihen. Die lebendige und abstrakte Darstellung des Phönix in dieser Lithografie suggeriert Themen wie Transformation und ewiges Leben und steht im Einklang mit der Idee der Kunst als zeitlose und dauerhafte Ausdrucksform.

Eine feste Größe im Ausstellungs- und Kunstmarktbereich

Georges Braque war sowohl zu Lebzeiten als auch posthum in der Kunstwelt stark präsent. Seine erste Einzelausstellung in Paris im Jahr 1908 markierte den Beginn einer bemerkenswerten Karriere, die dazu beitrug, den Kubismus als bedeutende Kunstbewegung zu etablieren. Seine Kunstwerke, die häufig neben denen von Picasso in wichtigen Pariser Salons ausgestellt wurden, spielten eine entscheidende Rolle bei der Gestaltung der Kunst. Nach seinem Tod im Jahr 1963 wuchs Braques Erbe weiter, und seine Werke wurden zu festen Bestandteilen in großen Museen wie dem Museum of Modern Art in New York und dem Louvre in Paris. Seine Meisterwerke erzielen bei Auktionen regelmäßig hohe Preise, was seinen geschätzten Status unter Sammlern widerspiegelt. Georges‘ innovative Techniken haben umfangreiche wissenschaftliche Forschungen inspiriert und seinen Einfluss weiter gefestigt. Sein bleibendes Erbe wird durch kontinuierliche Anerkennung bei Ausstellungen und starke Leistungen auf dem Kunstmarkt unterstrichen, was seine Rolle als Pionier des Kubismus und Meister der Kunst festigt.

Generationen von Künstlern prägen

Georges Braques bahnbrechende Vision des Kubismus hat nicht nur die Kunstlandschaft neu gestaltet, sondern auch zahlreiche Künstler über Generationen hinweg tiefgreifend beeinflusst. Seine innovativen Ansätze in Bezug auf Perspektive, Form und Farbe haben eine Vielzahl von Künstlern inspiriert, die sie entweder übernommen oder angepasst haben.

Juan Gris ist vielleicht einer der direktesten Nutznießer von Braques Innovationen. Gris' Kunst übernahm die Techniken von Georges und entwickelte sie zu größerer struktureller Komplexität und Farbbrillanz. Seine Gemälde, die oft kalkulierter und gestalteter sind als die seiner Vorgänger, zeigen deutlich den Einfluss von Braques methodischer Herangehensweise an die Bildsprache.

Fernand Léger ist ein weiterer Künstler, der stark von Georges' Auseinandersetzung mit Form und Raum beeinflusst wurde. Légers Version von Picassos Bewegung, die wegen ihrer Betonung zylindrischer Formen manchmal als „Tubismus“ bezeichnet wird, unterschied sich von Braques durch die Einbeziehung einer eher kurvilinearen und maschinenähnlichen Ästhetik. Die Wurzeln der Zerlegung von Objekten in geometrische Formen, wie sie Georges vorantrieb, sind jedoch in Légers Werk deutlich erkennbar.

Über Gris und Léger hinaus ist Braques Einfluss in weiten Teilen der Kunst des 20. Jahrhunderts spürbar. Seine Techniken und stilistischen Erkundungen sind in den Werken amerikanischer Künstler wie Stuart Davis und britischer Künstler wie Ben Nicholson zu sehen, die bestimmte Elemente in ihre ausgeprägt regionalen Stile integrierten. Diese und andere Künstler wie sie adaptierten die für Georges‘ Werke typischen fragmentierten Perspektiven und abstrakten Formen, um neue Themen und Kontexte wie Stadtlandschaften und kommerzielle Kultur zu erkunden.

Auch zeitgenössische Künstler greifen weiterhin auf Braques Erbe zurück. Seine Prinzipien werden in den Meisterwerken von Künstlern deutlich, die die Fragmentierung digitaler und multimedialer Umgebungen erforschen. Georges' Schwerpunkt auf dem Aufbrechen von Formen und ihrer Rekonstruktion in einer neuen Ordnung findet Anklang bei Digitalkünstlern, die digitale Bilder zerlegen und neu zusammensetzen, um Realität und Wahrnehmung im digitalen Zeitalter in Frage zu stellen.

Braques Einfluss reicht also weit über seine ursprünglichen Werke hinaus. Es ist ein Beweis seines visionären Ansatzes, dass Künstler aus verschiedenen Epochen und unterschiedlichen Medien weiterhin Inspiration aus seinen Experimenten und Techniken ziehen. Seine Fähigkeit, die Welt durch geometrische Vereinfachung und mehrere Perspektiven neu zu interpretieren, hat die Kunstwelt unauslöschlich geprägt und die Entwicklung des künstlerischen Ausdrucks bis weit ins 21. Jahrhundert hinein geprägt.

Braques nachhaltiger Einfluss zeigt die anhaltende Kraft seiner künstlerischen Vision, denn jede neue Künstlergeneration findet in seiner Herangehensweise an die Wahrnehmung und Darstellung der Welt um sie herum neue Bedeutung. Sein Vermächtnis inspiriert, fordert heraus und erweitert weiterhin die Grenzen künstlerischer Kreativität.

Weniger bekannte Fakten