David Hockney
David Hockney, geboren am 9. Juli 1937 in Bradford, England, ist einer der einflussreichsten und innovativsten Künstler des 20. und 21. Jahrhunderts. Er wurde in den 1960er Jahren zu einer Schlüsselfigur der Pop-Art-Bewegung und erlangte internationale Anerkennung für seine lebendigen und mutigen Werke, die sich oft mit Themen wie persönlicher Identität, Sexualität und menschlicher Erfahrung befassen.
Hockney studierte am Bradford College of Art und später am Royal College of Art in London, wo sein Talent schnell deutlich wurde. Seine frühen Werke, wie „A Bigger Splash“ und „Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)“, zeigten seinen unverwechselbaren Umgang mit Farbe und Perspektive und festigten seinen Platz als führender zeitgenössischer Künstler.
Am Royal College of Art war Hockney neben Peter Blake in der Ausstellung „New Contemporaries“ zu sehen, die die Entstehung der britischen Pop-Art markierte. Obwohl er mit der Bewegung verbunden ist, weisen seine frühen Werke expressionistische Züge auf, die an den Stil von Francis Bacon erinnern. 1964 zog Hockney nach Los Angeles, wo er sich zu einer Reihe von Swimmingpool-Gemälden inspirieren ließ, in denen er leuchtende Farben in dem damals neuen Acrylmedium verwendete. In den späten 1960er und 1970er Jahren lebte er abwechselnd in Los Angeles, London und Paris. Hockney hat verschiedene Kunstformen erkundet, darunter Malerei, Zeichnung, Druckgrafik, Aquarelle und Fotografie, sowie unkonventionelle Medien wie Faxgeräte, Papierbrei, Computeranwendungen und iPad-Zeichenprogramme. Seine Arbeiten umfassen ein breites Themenspektrum, von Stillleben und Landschaften bis hin zu Porträts von Freunden, seinen Hunden und Bühnenbildern für renommierte Veranstaltungsorte wie das Royal Court Theatre in Glyndebourne und die Metropolitan Opera in New York City.
David Hockney – Pool and Steps, Ausstellungslithografie (2021)
Während seiner gesamten Karriere war Hockney für seine Bereitschaft bekannt, mit verschiedenen Medien zu experimentieren, darunter Malerei, Druckgrafik, Fotografie und digitale Kunst. In den 1980er Jahren erlangte er weitere Anerkennung mit seinen innovativen Fotocollagen, bekannt als „Joiners“, bei denen er mehrere Fotos zu einem einzigen, zusammenhängenden Bild zusammenfügte. Im 21. Jahrhundert machte er sich die digitale Technologie zu eigen, schuf Kunst mit iPads und iPhones und erweiterte weiterhin die Grenzen traditioneller Kunstformen.
Hockneys Werke wurden in den wichtigsten Museen der Welt ausgestellt und er erhielt zahlreiche Auszeichnungen und Ehrungen für seine Beiträge zur Kunst. Sein Einfluss geht über sein eigenes Werk hinaus, da er unzählige Künstler inspiriert hat und weiterhin eine zentrale Figur in der Kunstwelt ist. David Hockneys Vermächtnis ist geprägt von ständiger Innovation, Erforschung und einem tiefgreifenden Einfluss auf die zeitgenössische Kunst.
Porträts und Reflexionen: Hockneys Auseinandersetzung mit vertrauten Themen und sich selbst
Ab 1968 und mehrere Jahre lang konzentrierte sich Hockney auf das Malen von Porträts und Doppelporträts von Freunden, Liebhabern und Verwandten. Diese Werke, die fast lebensgroß sind, wurden in einem realistischen Stil wiedergegeben, der das Wesen seiner Motive gekonnt einfing. Hockney griff oft dieselben Motive wieder auf, darunter seine Familie, Mitarbeiter, Künstler wie Mo McDermott und Maurice Payne, verschiedene Schriftsteller, die Modedesigner Celia Birtwell und Ossie Clark (insbesondere dargestellt in „Mr. and Mrs. Clark and Percy“, 1970–71), den Kurator Henry Geldzahler, den Kunsthändler Nicholas Wilder, George Lawson und seinen Balletttänzerpartner Wayne Sleep. Seine Lebensgefährten im Laufe der Jahre, wie Peter Schlesinger und Gregory Evans, tauchten ebenfalls häufig in seinen Werken auf. Darüber hinaus malte Hockney häufig sich selbst und schuf mehr als 300 Selbstporträts.
Zwischen 1999 und 2001 verwendete Hockney eine Camera Lucida, ein altes, auf Linsen basierendes Werkzeug, um für seine kunsthistorischen Studien und seine eigene Atelierarbeit Recherchen durchzuführen. Während dieser Zeit fertigte er mit diesem Gerät über 200 Zeichnungen von Freunden, Familie und sich selbst an.
2016 zeigte die Royal Academy Hockneys Serie „82 Portraits and 1 Still-life“, die später in der Ca‘ Pesaro in Venedig, Italien, 2017 im Guggenheim Museum Bilbao und 2018 im Los Angeles County Museum of Art ausgestellt wurde. Hockney bezeichnete diese 2013 begonnenen Gemälde als „20-Stunden-Belichtungen“, da für die Fertigstellung jedes Porträts sechs bis sieben Stunden an drei aufeinanderfolgenden Tagen erforderlich waren.
Hockneys künstlerische Reise durch Lithographien und Radierungen
Hockney begann bereits 1954 mit einem lithografischen Selbstporträt mit der Druckgrafik zu experimentieren und beschäftigte sich später während seiner Zeit am Royal College of Art mit Radierungen. 1965 wurde er von der Druckwerkstatt Gemini GEL eingeladen, eine Reihe von Lithografien mit Los Angeles-Motiven zu erstellen. Das Ergebnis war „The Hollywood Collection“, in der er sich eine Kunstsammlung eines Hollywood-Stars vorstellte. Hockney arbeitete weiterhin mit Gemini GEL zusammen und produzierte Portfolios wie „Friends“, „The Weather Series“ und „Some New Prints“. In den 1960er Jahren schuf er auch Druckserien, die er „Graphic Tales“ nannte, wie „A Rake's Progress“ (1961–63), „Illustrations for Fourteen Poems from CP Cavafy“ (1966) und „Illustrations for Six Fairy Tales from the Brothers Grimm“ (1969).
1973 begann Hockney eine Zusammenarbeit mit Aldo Crommelynck, Picassos Lieblingsdrucker, und übernahm Crommelyncks Techniken für Werke wie „Artist and Model“ (1973–74) und „Contrejour in the French Style“ (1974). Eines ihrer bedeutendsten Projekte war „The Blue Guitar“ (1976–77), eine Folge von 20 Radierungen, die sowohl von Wallace Stevens als auch von Picasso inspiriert waren.
1978 verbrachte Hockney sechs Wochen in Ken Tylers Studio in New York und experimentierte mit einer neuen Technik mit flüssigem Papier. Dabei entstanden 29 einzigartige Werke, darunter eine Reihe von Sonnenblumen und Schwimmbädern. Zu seinen späteren Druckportfolios gehören „Home Made Prints“ (1986), „Recent Etchings“ (1998) und „Moving Focus“ (1984–1986). Eine Retrospektive seiner Drucke fand 2014 in der Dulwich Picture Gallery in London und im Bowes Museum statt und zeigte Werke, die mit Faxgeräten und Tintenstrahldruckern erstellt wurden.
Tischler und die Rückkehr zur Malerei
In den frühen 1980er Jahren begann Hockney, Fotocollagen zu erstellen, die er in seinen persönlichen Fotoalben zunächst „Joiner“ nannte. Er begann mit Polaroid-Drucken und verwendete später 35-mm-Farbdrucke, die er zu Patchwork-Kompositionen einzelner Motive arrangierte. Diese Bilder, die aus unterschiedlichen Perspektiven und leicht unterschiedlichen Zeiten entstanden, spiegelten einen kubistischen Einfluss wider und passten zu Hockneys Interesse an der Erforschung des menschlichen Sehens. Zu seinen bemerkenswerten Werken gehören die Landschaft „Pearblossom Highway #2“ und Porträts wie „Kasmin 1982“ und „My Mother, Bolton Abbey, 1982“.
Die Entstehung von „Joiners“ geschah durch Zufall. In den späten 1960er Jahren bemerkte Hockney, dass Weitwinkelobjektive Fotos verzerrten, was ihm nicht gefiel. Während er in Los Angeles an einem Gemälde arbeitete, machte er Polaroid-Aufnahmen eines Wohnzimmers und klebte sie unbeabsichtigt zusammen, sodass eine Komposition entstand. Er erkannte, dass diese Methode eine Erzählung schuf, als würde sich der Betrachter durch den Raum bewegen, was ihn dazu veranlasste, sich eine Zeit lang ausschließlich auf die Fotografie zu konzentrieren und sein Gemälde innezuhalten.
Hockney war jedoch irgendwann frustriert über die Grenzen der Fotografie, insbesondere über ihre Unfähigkeit, den Raum einzufangen, ein Schlüsselelement in Landschaften. Er bemerkte, dass selbst Ansel Adams' Fotografie das Erlebnis des Yosemite-Nationalparks nicht vollständig wiedergeben konnte. Enttäuscht von der „einäugigen“ Perspektive der Fotografie kehrte Hockney zur Malerei zurück.
Wichtige Ausstellungen und Sammlungen
David Hockney war an über 400 Einzelausstellungen und 500 Gruppenausstellungen beteiligt. Seine erste Einzelausstellung fand 1963 im Alter von 26 Jahren bei Kasmin Limited statt. 1970 organisierte die Whitechapel Gallery in London eine große Retrospektive, die durch Europa tourte. Das LACMA veranstaltete 1988 eine Retrospektive, die später im Met und in der Tate gezeigt wurde.
2006 zeigte die National Portrait Gallery in London eine der größten Porträtausstellungen Hockneys mit über 150 Werken. Seine Ausstellung "A Bigger Picture" aus dem Jahr 2012 konzentrierte sich auf Landschaften und zog über 600.000 Besucher an. Die Retrospektive wanderte später ins Guggenheim-Museum in Bilbao und ins Ludwig-Museum in Köln.
Hockneys größte Einzelausstellung "A Bigger Exhibition" fand 2013 im de Young Museum in San Francisco statt und umfasste fast 400 Werke. Seine Retrospektive 2017 in der Tate Britain wurde mit über 4.000 Besuchern pro Tag zur meistbesuchten Ausstellung der Galerie. Die Schau wanderte weiter ins Centre Georges Pompidou und ins Met und zog in Paris und New York große Menschenmengen an.
2018 stellte Hockney neue Werke in der Pace Gallery aus, darunter sechseckige Leinwände und 3D-Fotozeichnungen. Seine frühen Werke wurden 2019 in Yorkshire gezeigt, und 2022 war Cambridge Gastgeber für „Hockneys Auge: Die Kunst und Technologie der Darstellung“. 2023 präsentierte das Honolulu Museum of Art die größte Retrospektive von Hockneys Drucken.
Seine Werke befinden sich in der Tate in Großbritannien, im Metropolitan Museum of Art in New York und im Centre Georges Pompidou in Paris. Auf lokaler Ebene werden seine Werke in der Salts Mill in Saltaire, in der Nähe seiner Heimatstadt Bradford, ausgestellt und von der David Hockney Foundation bewahrt. Weitere bedeutende Sammlungen sind im Museum of Fine Arts in Boston, der National Gallery of Australia in Canberra und dem Art Institute of Chicago zu finden. Seine Kunst ist außerdem im Museum of Fine Arts in Houston, im Louisiana Museum of Modern Art in Humlebæk, Dänemark, und im J. Paul Getty Museum in Los Angeles zu sehen. Weitere Bestände befinden sich im Los Angeles County Museum of Art, im Walker Art Center in Minneapolis und im Museum of Modern Art in New York. Auf internationaler Ebene sind seine Werke im Museum of Contemporary Art in Tokio, im Aboa Vetus & Ars Nova in Turku, Finnland, und im Mumok, Ludwig Foundation in Wien zu finden. In den Vereinigten Staaten sind seine Stücke Teil des Hirshhorn Museum and Sculpture Garden und des Smithsonian American Art Museum in Washington, DC, sowie des Muscarelle Museum of Art in Williamsburg, VA.
Selena Mattei
