Andreas Gursky im März 2013 im Düsseldorfer Museum K21. Autor: Hpschaefer, via Wikipedia, beschnittenes Foto
Andreas Gursky
Andreas Gursky, ein renommierter deutscher Fotograf, wird für seinen bahnbrechenden Einsatz digitaler Bildbearbeitung und Großformatfotografie gefeiert. Gursky ist für seine lebendigen Farbbilder bekannt und ist einer der erfolgreichsten zeitgenössischen Fotografen weltweit. Besonders bekannt sind seine monumentalen Werke, die oft die Wahrnehmung von Raum und Maßstab in Frage stellen.
Gursky wurde 1955 in Leipzig, Ostdeutschland, geboren. Seine Familie zog 1957 nach Westdeutschland und ließ sich zunächst in Essen und später in Düsseldorf nieder. Von 1978 bis 1981 studierte er visuelle Kommunikation an der Universität Essen, wo er von den bekannten Fotografen Otto Steinert und Michael Schmidt lernte. Obwohl Gursky gehofft hatte, bei Steinert studieren zu können, besuchte er nur wenige seiner Vorlesungen, bevor Steinert 1978 starb.
1981 schrieb sich Gursky an der Kunstakademie Düsseldorf ein, wo er von dem einflussreichen Fotografenduo Bernd und Hilla Becher unterrichtet wurde. Ihr systematischer, dokumentarischer Stil der Aufnahme von Industrieanlagen hinterließ einen bleibenden Eindruck in Gurskys Herangehensweise an die Fotografie. Weitere bemerkenswerte Einflüsse auf seine Arbeit waren der britische Landschaftsfotograf John Davies, dessen erhabene, detailreiche Kompositionen Gurskys frühe Straßenaufnahmen prägten, sowie der amerikanische Fotograf Joel Sternfeld.
Gursky ist vor allem für seine großformatigen Farbfotografien bekannt, die er oft aus erhöhter Perspektive aufnimmt und Stadtlandschaften, Architektur und weitläufige, von Menschenhand geschaffene Umgebungen festhält. Seine Fähigkeit, aus großer Entfernung komplexe Details zu vermitteln, ermöglicht es ihm, in seinen Bildern Themen wie Globalisierung und Massenkonsum zu behandeln. Werke wie „99 Cent II Diptychon“ und „Rhein II“ unterstreichen seine Faszination für Abstraktion und Realismus. Insbesondere „Rhein II“ wurde 2011 zum teuersten Foto der Welt und wurde bei Christie's für 4,3 Millionen Dollar versteigert.
Andreas Gurskys Arbeiten stellen die konventionelle Fotografie immer wieder in Frage, indem sie die Grenzen zwischen Realität und digitaler Manipulation verwischen. Seine großformatigen, sorgfältig komponierten Fotografien fangen nicht nur die enorme Größe moderner Räume ein, sondern spiegeln auch die Komplexität des heutigen globalen Lebens wider. Mit seinem einzigartigen Ansatz hat sich Gursky als eine der führenden Persönlichkeiten der zeitgenössischen Fotografie etabliert und sowohl den Kunstmarkt als auch die visuelle Kultur nachhaltig beeinflusst.
Karriere und künstlerischer Stil
Gursky begann seine Karriere mit Kleinformatfotografie, wechselte jedoch Ende der 1980er Jahre zu größeren Formaten und begann Anfang der 1990er Jahre mit der digitalen Bildbearbeitung. Während er die Bilder zunächst ohne Manipulation aufnahm, nutzte Gursky bald die Technologie, um seine Fotografien zu verändern und zu verbessern. Sein methodischer Ansatz bei der Fotografie spiegelt den konzeptuellen Rahmen der Bechers wider, obwohl Gursky über deren minimalistische industrielle Katalogisierung hinausgeht und breitere Themen erforscht. Er fotografiert Landschaften, Architektur und Innenräume und setzt Farben sparsam, aber präzise ein.
In vielen seiner Werke verwendet Gursky computergestützte Bildbearbeitung, um Montagen zu erstellen, die künstliche Effekte erzeugen und Realismus mit Abstraktion vermischen. Sein Werk „Montparnasse“ aus dem Jahr 1993 ist ein Beispiel dafür. Hier hat er Bilder eines Pariser Wohnhauses digital zusammengefügt, um eine ornamentale, aber seltsam leblose Fassade zu schaffen. Während das Bild zunächst flach erscheint, offenbart eine genauere Betrachtung komplizierte Details – Menschen, Möbel und das alltägliche Leben, das hinter den Fenstern festgehalten ist.
Eines seiner späteren Werke, „Mayday V“ (2006), verwendet ähnliche Techniken, um die Westfalenhalle während einer Technoparty darzustellen. Das Bild, eine gewaltige 18-stöckige Darstellung der Veranstaltung, kombiniert mehrere Perspektiven, um eine faszinierende, fast surreale Darstellung des Veranstaltungsortes zu schaffen.
Die Rolle der digitalen Manipulation
Vor den 1990er Jahren bearbeitete Gursky seine Bilder nicht digital. Mit dem technischen Fortschritt begann er jedoch, Computer offen zur Manipulation seiner Arbeit zu verwenden und Szenen zu schaffen, die über das hinausgehen, was das Auge auf natürliche Weise erfassen kann. Gurskys Montagen spielen oft mit der Wahrnehmung des Realismus durch den Betrachter. In „Madonna I“ beispielsweise vergrößert er das Publikum bei einem Madonna-Konzert digital und verzerrt so die Grenze zwischen Wahrheit und Fiktion.
In seiner Serie „F1 Pit Stop“ zeigt Gursky Boxenstopps der Formel 1 und kreiert dabei geordnete, sich wiederholende Kompositionen. Die präzisen Linien und Muster verleihen den Szenen ein strukturiertes, homogenes Gefühl. Doch subtile Unvollkommenheiten in der Wiederholung stören die Illusion der Objektivität und führen zu einer Neubetrachtung der Rolle der Fotografie bei der Darstellung der Realität.
Globale Perspektive und Hauptwerke
Gursky ist dafür bekannt, dass er aus erhöhten Blickwinkeln fotografiert, was seiner Arbeit eine umfassende Perspektive verleiht, die ganze Szenen umfasst – sowohl zentrale als auch periphere Elemente. Dieser Ansatz eignet sich besonders für die Aufnahme großer, anonymer Räume wie Hochhäuser, Büroinnenräume, Börsen und Einzelhandelsumgebungen. Seine Arbeit beschäftigt sich oft mit Themen wie Globalisierung und Konsumkultur.
Eines seiner bekanntesten Werke, „99 Cent“ (1999), zeigt das Innere eines 99 Cents Only-Ladens in Los Angeles und verwandelt die Reihen ordentlich angeordneter Produkte in ein lebendiges Farbfeld. Ähnlich bietet „Rhein II“ (1999) eine abstrahierte Ansicht des Rheins und präsentiert horizontale Farbbänder, die die Grenze zwischen Landschaftsfotografie und Abstraktion verwischen.
In seiner Serie „Ocean I-VI“ (2009–2010) verwendete Gursky hochauflösende Satellitenbilder in Kombination mit digitalen Verbesserungen, um großformatige Darstellungen der Ozeane der Erde zu erstellen. Dieses Werk erforscht die Vermischung von Realität und Manipulation in seiner Fotografie weiter.
Erfolg auf dem Kunstmarkt
Gurskys Arbeiten erzielen auf dem internationalen Kunstmarkt regelmäßig Höchstpreise. 2011 erzielte sein Foto „Rhein II“ einen Weltrekord: Bei einer Christie’s-Auktion wurde es für 4,3 Millionen Dollar verkauft, was es zum teuersten jemals verkauften Foto machte. Zuvor hatte sein „99 Cent“ (2001) 2006 bereits 2,26 Millionen Dollar bei Sotheby’s erzielt, und später im selben Jahr wurde „99 Cent II Diptychon“ bei Phillips de Pury & Company für 2,48 Millionen Dollar verkauft. Im Februar 2007 erzielte ein Abzug dieses Werks 3,3 Millionen Dollar.
Gursky wird von großen Galerien wie Sprüth Magers, White Cube und Gagosian Gallery vertreten und seine Werke sind Teil bedeutender internationaler Sammlungen und Museen, darunter das Museum of Modern Art in New York und die Tate Modern in London.
Ausstellungen und öffentliche Sammlungen
Andreas Gursky hat im Laufe seiner Karriere an zahlreichen bedeutenden Ausstellungen teilgenommen, beginnend mit seiner ersten Einzelausstellung in der Galerie Johnen & Schöttle in Köln im Jahr 1988. Diese Ausstellung markierte den Beginn seines Aufstiegs in der Welt der zeitgenössischen Kunst. Sein Debüt in den Vereinigten Staaten gab er 1998 mit einer Ausstellung im Milwaukee Art Museum in Wisconsin, wo er dem amerikanischen Publikum seine monumentalen Fotografien vorstellte. Einer der wichtigsten Momente seiner Karriere war die Retrospektive im Jahr 2001 im Museum of Modern Art (MoMA) in New York City. Diese Retrospektive steigerte seine internationale Bekanntheit erheblich und bot einen umfassenden Überblick über seine großformatigen fotografischen Arbeiten. Gursky hat seine Kunst auch bei großen internationalen Kunstveranstaltungen ausgestellt, darunter der Biennale von Venedig 1990 und 2004 sowie der Biennale von Sydney 1996 und 2000.
2007 wurde sein Beitrag zur zeitgenössischen Fotografie in einer großen Retrospektive im Kunstmuseum Basel in der Schweiz hervorgehoben. Gurskys globaler Einfluss wurde 2018 durch seine Ausstellung in der Hayward Gallery in London weiter gefestigt, in der über 60 seiner Werke gezeigt wurden und seine einzigartige Fähigkeit, weitläufige Umgebungen zu manipulieren und einzufangen, veranschaulicht wurde. Seine Werke werden weiterhin in Galerien und Museen weltweit ausgestellt, wobei Einzel- und Gruppenausstellungen bis in die letzten Jahre andauerten, darunter wichtige Ausstellungen im Jahr 2020.
Gurskys Werke befinden sich in zahlreichen bedeutenden öffentlichen Sammlungen auf der ganzen Welt. Das Museum of Modern Art (MoMA) in New York hat seine Werke in seine angesehene Fotografiesammlung aufgenommen, ebenso wie andere ikonische Institutionen wie die Tate Modern in London und das Art Institute of Chicago. Gurskys Fotografien sind auch Teil der Dauerausstellung im Centre Pompidou in Paris und im Metropolitan Museum of Art in New York, was seine Bedeutung in der Welt der modernen und zeitgenössischen Kunst unterstreicht. Seine großformatigen Werke befinden sich im San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), im Kunstmuseum Basel und im Museum für Gegenwart im Hamburger Bahnhof in Berlin. Auch andere große Institutionen wie das Stedelijk Museum in Amsterdam und die National Gallery of Art in Washington DC haben seine Werke in ihren Sammlungen, was seinen Status als eine der führenden Persönlichkeiten der zeitgenössischen Fotografie weiter unterstreicht.
Selena Mattei
