Top 10: Vincent van Goghs Selbstporträts

SMOKING VAN GOGH (2019) Fotografia da Mathilde Oscar.

Umgekehrte Einführung

"Das bin wirklich ich, aber verrückt geworden." - Van Gogh

Meine gegenteilige Einleitung nimmt den letztgenannten Sinn insofern, als sie darauf abzielt, sowohl die Beschreibung der multiplen Selbstporträts von Vincent Van Gogh als auch die Analyse ihres historisch-künstlerischen, technischen, emotionalen und stilistischen Zugehörigkeitszusammenhangs nur vorübergehend auszulassen um eine vorläufige Erzählung zu erstellen, die darauf abzielt, die Figur des niederländischen Künstlers so darzustellen, wie sie von anderen großen Meistern der Zeit, darunter John Peter Russell, Henri de Toulouse-Lautrec und Paul Gauguin, gesehen wurde. Tatsächlich erscheint uns gerade das Werk des Letzteren als eine ergänzende Vision, die es uns erlaubt, in Gegenüberstellung mit Vincents Selbstporträts zu verstehen, wie dieser trotz der Tatsache, dass dieser Meisterwerke hervorbrachte, seinen inneren Zustand ausmachte sich dem realen Datum entschieden aufdrängte, blieb er immer der Wiedergabe seiner authentischsten Züge treu und bewies sogar, dass er den Mut hatte, sich in den traumatischsten Momenten seines Lebens zu porträtieren. Denken Sie darüber nach: Wer würde heute ein Foto von sich auf Instagram posten, das ihn in einem Moment des völligen Nervenzusammenbruchs zeigt, ohne die beste Version von sich zur Schau zu stellen? Nur wenige Draufgänger wie Vincent würden es tun! Um auf uns zurückzukommen, das Zitat, das diesen kunsthistorischen Bericht eröffnet, greift genau die Worte auf, die Van Gogh ausrief, als er Gauguins Werk sah, das ihn darstellt, ein Bild von 1888, das unbestritten auf den großen Postimpressionisten zutrifft, da es ein wahres psychologisches Porträt darstellt , wo markante Details hervortreten, wie zum Beispiel die halbgeschlossenen Augen, der deformierte Kopf, die niedrige Stirn, das Gesicht und die eingedrückte Nase. Gerade letztere haben uns die Gestalt eines angespannten, müden, aber hingebungsvoll auf seine geliebten Sonnenblumen gerichteten Mannes überliefert. Schließlich bieten uns die zehn von mir ausgewählten Vincent van Gogh-Selbstporträts parallel zu Vincent van Goghs Sonnenblumenmalerei (1888) die Fortsetzung dieser von Gauguin „begonnenen“ figurativen Erzählung, die sicherlich durch weitere introspektive und aufschlussreiche künstlerische Untersuchungen vertieft werden wird.

Top 10

„Es heißt – und ich bin bereit, es zu glauben – dass es schwierig ist, sich selbst zu kennen, aber es ist auch nicht leicht, sich selbst zu malen.“ - Van Gogh in einem Brief an seinen Bruder Théo, September 1889.

Van Gogh, Selbstporträt (Paul Gaguin gewidmet) , 1888. Öl auf Leinwand, 61,5 x 50,3 cm. Cambridge: Kunstmuseum Fogg.

10. Selbstporträt (Paul Gaguin gewidmet) (1888)

Nur um das, was in der Einleitung deutlich gemacht wurde, weiterzuführen, wollte ich Vincents Zitat von 1889 zitieren, das, da es seine ernsthafte Herangehensweise an das Genre des Selbstporträts offenbart, uns auch erlaubt, uns die Schwierigkeiten vorzustellen, die mit einem "vierhändigen" verbunden sind " Experimentieren mit dem Genre, das wiederum das Ergebnis einer der ikonischsten Freundschaftsgeschichten der Kunstgeschichte ist: die zwischen Van Gogh und Gauguin. Tatsächlich entstand das Selbstporträt, das vor dem Streit der beiden Künstler auf Platz zehn meiner Rangliste stand, auf Anregung von Vincent, der, dem Brauch japanischer Druckgrafiker folgend, Werke miteinander auszutauschen, Paul vorschlug, dies zu tun zwei Selbstporträts machen und später dasselbe tun. Gauguin, der das Werk als Erster fertigstellte, porträtierte sich nicht nur als Protagonist von Victor Hugos Roman Les Misérables, sondern begleitete das Selbstporträt mit einer liebevollen Widmung für seinen Freund, der sich, als er das Meisterwerk ankommen sah, dazu entschloss füge seinem Selbstportrait den Satz hinzu: an meinen Freund Paul Gauguin. Schließlich ist das Gemälde von 1888 in Bezug auf den Stil der Arbeit definitiv von der orientalischen Welt inspiriert, ein Einfluss, der sich besonders in der Wahl eines hellgrünen Hintergrunds bemerkbar macht, der, ohne Schatten zu zeigen, die erdigen Farben des Bildnisses hervorhebt.

Van Gogh, Selbstbildnis mit Strohhut (Vorderseite: Der Kartoffelschäler) , 1887. Öl auf Leinwand, 40,6 x 31,8 cm. New York: MET.

9. Selbstbildnis mit Strohhut (1887)

Wenn uns das Selbstporträt von 1888 von Freundschaft spricht, stellt dieses von 1887 eine echte stilistische Reflexion dar, da es auf der Rückseite ein weiteres Meisterwerk präsentiert, nämlich das Ölgemälde Der Kartoffelschäler, ein Gemälde, das um 1885 datiert und ausgeführt wurde in Nuenen (Niederlande) ist ein klares Beispiel für düstere und soziale Malerei, die darauf abzielt, hauptsächlich bescheidene Charaktere zu verewigen, die bei der Durchführung alltäglicher Handlungen dargestellt werden, erzählt durch einen Realismus, der Physiognomien und Umgebungen im expressionistischen Sinne deformiert. Van Gogh, der so arm war, dass er sich keine neuen Leinwände kaufen konnte, malte genau zwei Jahre später und während seines zweiten Aufenthalts in Paris auf der Rückseite von Der Kartoffelschäler das Selbstbildnis mit Strohhut, ein Meisterwerk, das bemerkenswert war Die aufgehellte Palette wird von deutlich sichtbaren Pinselstrichen in verschiedenen Richtungen und Größen begleitet, die dem Werk Bewegung und Tiefe verleihen können. Abschließend, kurz das Meisterwerk beschreibend, erscheint Vincent in der Mitte des Bildes frontal und leicht nach links versetzt, während sein Blick, der nicht auf den Betrachter gerichtet ist, in die gleiche Richtung weist wie sein Gesicht. Trotz dieses fehlenden Blickwechsels zwischen dem Bildnis und dem Betrachter erscheint Van Goghs Physiognomie sofort erkennbar, unverkennbar gekennzeichnet durch eine lange, scharfe Nase und Augen von hell schillernder Farbe.

Van Gogh, Selbstbildnis ohne Bart , 1889. Öl auf Leinwand, 65 x 54 cm.

8. Selbstbildnis ohne Bart (1889)

Viele haben bei der Betrachtung von Vincents Werken verweilt, ohne jemals zu wissen, wie er ohne seinen ikonischen rötlichen Bart aussah, daher nutze ich diese Gelegenheit, um Ihnen durch die Beschreibung des Selbstporträts ohne Bart des Meisters zu demonstrieren, wie Van Gogh , zusammen mit vielen anderen Männern unserer Bekanntschaft, wirkt deutlich jünger, manchmal fast wie ein erwachsener Junge, nachdem sie ihre behaarten Gesichter rasiert haben. Nach dieser physiognomischen Offenbarung, die für viele schockierend ist, fahre ich mit der Beschreibung des Meisterwerks fort, eines Selbstporträts, von dem viele angedeutet haben, dass es wahrscheinlich das letzte von dem Meister ausgeführte ist, den er für angebracht hielt, es ihm zu schenken seine Mutter. Wahrscheinlich erkannte der Künstler die Bedeutung der Verbindung zu letzterem, indem er sie nach der schmerzhaften "Explosion" seiner Beziehung zu Gauguin hervorhob, eine Episode, die wahrscheinlich die Melancholie rechtfertigt, mit der dieses Werk aufgeladen ist, und zu einem verstörenden Bild wurde. ein Zeuge eines Lebens, das aufgrund der seelischen Ängste des Meisters zu bröckeln begann. Abschließend melde ich eine Kuriosität: Self-Portrait without Beard ist eines der teuersten Gemälde aller Zeiten, so sehr, dass es 1998 in New York für 71,5 Millionen Dollar verkauft wurde, so viel zur Melancholie!

Van Gogh, Selbstbildnis als Maler , 1887-1888. Öl auf Leinwand, 65,1 × 50 cm. Amsterdam: Van-Gogh-Museum.

7. Selbstporträt als Maler (1888)

Wie kann man Van Goghs Werk bewundern, ohne sich auf die höchste niederländische Maltradition zu beziehen? Tatsächlich malte sich gut zweihundertdreiundzwanzig Jahre vor dem oben genannten Meister ein anderer, ebenso berühmter, in seiner Rolle als Maler, ich spreche von Rembrandt, Autor, im Jahr 1665, von Selbstbildnis mit Palette und Pinsel , ein Gemälde, das ihn jetzt in seinen Sechzigern bei der Arbeit in seinem Atelier zeigt, eine Umgebung, in der das Vorhandensein einiger Kreise, die oft als kabbalistische Symbole oder stilisierte Globen interpretiert werden, erkennbar ist. Auch in dem Meisterwerk von 1888 wird Vincent als Maler dargestellt, der sich, ausgestattet mit Palette, Pinsel und Staffelei, als moderner Künstler erweist, indem er gekonnt auf die Verwendung von leuchtenden und komplementären Farben achtet, die sich in Schattierungen klar unterscheiden von Rot, Grün, Gelb, Blau und Orange, Farbtöne, die teilweise in der gleichen Komposition des Meisterwerks vorhanden sind. Schließlich erinnere ich mich an andere berühmte Selbstporträts von Malern in ihrem Atelier, darunter Velázquez' Las Meninas, Manets Selbstporträt mit einer Palette, Courbets The Painter's Studio und Jan Vermeers The Art of Painting.

Van Gogh, Selbstporträt mit grauem Filzhut , 1887. Öl auf Baumwolle, 44,5 cm x 37,2 cm. Amsterdam: Van-Gogh-Museum.

6. Selbstbildnis mit Filzhut (1887)

Wir stellen Selbstbildnis mit Filzhut (1887) vor, indem wir einige Kuriositäten über dieses vom Künstler stark ausgebeutete Genre enthüllen, beginnend mit der Gesamtzahl dieser Art von Werken, von denen nicht weniger als fünfunddreißig bekannt sind! Im Gegensatz dazu ist uns nur ein Foto von Vincent überliefert, das ihn im Alter von neunzehn Jahren in einem wirklich harten Kerl zeigt, oder besser gesagt, in einem ziemlich schroffen Gesichtsausdruck. Eine weitere wichtige Information ist, warum sich der Künstler an Selbstporträts versucht hat, einem Genre, das erschöpfend untersucht wurde, weil der Künstler, der mittellos war und um die Suche nach Modellen kämpfte, sich unbedingt in der Menschenmalerei üben wollte. Das Meisterwerk von 1887, das während der Pariser Zeit des Meisters entstand, repräsentiert jedoch das Interesse des Künstlers an der pointillistischen Technik, die er eindeutig auf seine eigene Weise anwendete, sowie an der Verwendung von Komplementärfarben, die lange Zeit nebeneinander standen Pinselstriche in Blau, Orange, Rot und Grün. Genau anders als die Pointillisten verwendete Vincent für jeden Bereich der Leinwand eine bestimmte Art von Markierung, die in der Lage war, ein Liniensystem zu erzeugen, das sich auf das abgebildete Objekt oder die dargestellte Textur bezieht.

Van Gogh, Selbstbildnis mit verbundenem Ohr und Pfeife , 1889. Öl auf Leinwand, 51 × 45 cm. Zürich: Kunsthaus Zürich.

5. Selbstbildnis mit verbundenem Ohr und Pfeife (1889)

Dieses Selbstporträt stellt die Auswirkungen dar, die eine große Enttäuschung, buchstäblich das Ende eines Traums, auf die Routine, Psyche und Körperlichkeit von Vincent Van Gogh brachte, der durch den Verzicht auf die Gründung eines gemeinsamen Hauses und einer Gemeinschaft zutiefst gezeichnet war Kunst und Existenz mit seinem Freund und Maler Paul Gauguin im bekannten gelben Haus in Arles. Obwohl es den beiden zunächst gelungen war, an letzterem Ort zusammenzuleben, trieben sie bald charakterliche Unterschiede auseinander, die in einem wütenden Streit gipfelten, der Vincent genau am 23. Dezember 1888 dazu veranlasste, seinen zu trennen linkes Ohr und anschließend mit der Diagnose Epilepsie, Alkoholismus und Schizophrenie ins Krankenhaus eingeliefert werden. Genau einen Monat nach dieser Verstümmelungsepisode gebar Van Gogh das erwähnte Selbstporträt, das, wie am bandagierten rechten statt linken Ohr zu erkennen ist, von der Künstlerin im Spiegel, einem reflektierenden Objekt, ausgeführt wurde Er ist in einer Dreiviertelansicht mit einem vielleicht jetzt resignierten Ausdruck gefangen, der gut zu den dynamischeren Kreisen, Wellen und Zeichen passt, die durch den Rauch seiner Pfeife konstruiert wurden, wobei er auf einem Träger platziert wurde, auf dem hauptsächlich Komplementärfarben verteilt waren.

4. Selbstbildnis 1889

Dem Meisterwerk von 1889, das Vincent noch einmal in seiner Rolle als Maler darstellen möchte, geben wir die Aufgabe, uns über das Leben des Künstlers in diesem Jahr zu erzählen, eine Zeit, die möglicherweise durch die eigenen Worte des Meisters zusammengefasst wird, die er seiner Liebe gestand Bruder Theo: „Ich bin nicht wirklich psychisch krank, ich habe Lust zu arbeiten und werde nicht müde.“ Tatsächlich wurde Van Gogh nach der Ohr-Episode in das Hotel-Dieu in Arles aufgenommen, um am 7. Januar 1889 entlassen zu werden, einer Zeit, in der er in sein geliebtes gelbes Haus zurückkehrte und die Unterstützung von Joseph Roulin und seinesgleichen genoss -gegenwärtiger Bruder Theo, Präsenzen, die es ihm ermöglichten, Momente der Gelassenheit zu erleben, in denen der Meister die umgebende Realität klar und ironisch einschätzen konnte, die leider von schweren Rückfällen in Krankheiten begleitet wurden, die für einen weiteren Krankenhausaufenthalt sowie die anschließende Petition von verantwortlich waren die Bürger von Arles, die ihn für immer interniert haben wollten. Trotz dieses äußeren Drucks wollte Vincent erneut ins Krankenhaus eingeliefert werden, diesmal im Maison de Santé in Saint-Paul-de-Mausole, einem alten Kloster, das als psychiatrische Klinik in Saint-Rémy-de-Provence diente, einem Ort, an dem Vincent reifte ein gewisses Bewusstsein: "Wenn ich die Realität des Lebens der Verrückten in dieser Menagerie beobachte, verliere ich den vagen Schrecken, die Angst vor der Sache, und nach und nach kann ich dazu kommen, den Wahnsinn als eine Krankheit wie jede andere zu betrachten."

Van Gogh, Selbstporträt , 1887. Öl auf Karton, 42 × 33,7. Chicago: Kunstinstitut von Chicago.

3. Selbstporträt (1887)

Auf dem Podium, genau an dritter Stelle, steht ein Selbstporträt, das uns von Vincents Pariser Aufenthalt erzählt, der zwischen 1886 und 1888 stattfand und bei dem sich der Künstler der Herstellung von mindestens vierundzwanzig Selbstporträts widmete der, der Gegenstand unserer Aufmerksamkeit ist, sich durch seine bescheidene Größe, seine Stütze auf dem Brett und nicht auf der wiederkehrenden Leinwand und seinen dick getupften Pinselstrich, eine Besonderheit, die jetzt bei mehreren Themen desselben Genres zu finden ist, von unserem Blick abhebt und nicht. Was die Technik betrifft, scheint es offensichtlich, dass der Verweis auf den Pointillismus tatsächlich eine entgegengesetzte Richtung einschlägt, denn wenn Seurats Methode auf objektiver und kalter Wissenschaft beruhte, war Van Goghs Methode von der inneren Welt des Künstlers durchdrungen, die sich in diesem speziellen Fall manifestierte in der gekonnten Gegenüberstellung von grünen, blauen, roten und orangefarbenen Farbtönen, die einen zeitlosen Hintergrund zum Leben erwecken sollen, vor dem sich das bekannte und emotionale Bildnis abhebt. Der träge und tiefgründige Blick, den das Meisterwerk wirft, lässt uns schließlich an die eigenen Aussagen des Künstlers denken, der seinem Bruder Theo noch einmal offenbarte: „Ich male lieber die Augen der Menschen als Kathedralen … So feierlich und imposant diese auch sein mögen , eine menschliche Seele, sei es die eines armen Hausierers, interessiert mich mehr."

Van Gogh, Selbstbildnis mit verbundenem Ohr , 1889. Öl auf Leinwand, 60 × 49 cm. London: Courtauld-Galerie.

2. Selbstbildnis mit verbundenem Ohr (1889)

Da wir Van Goghs bekanntes linkes Ohr bereits ausführlich besprochen haben, möchte ich bei der Präsentation des Meisterwerks von 1889 fortfahren, indem ich mich mit einem Detail davon befasse. Ausgehend von einer allgemeineren Beschreibung, um zum wesentlichen Punkt zu gelangen, zeigt sich Vincent in Self-Portrait with Bandaged Ear nach rechts gerichtet, ausgestattet mit einem schweren dunklen Mantel und einem pelzigen Hut, während sein starrer Blick halluziniert zu sein scheint, oder vielleicht , besser gesagt, er scheint in der tiefen inneren Sphäre seines Wesens verloren zu sein. Was uns jetzt jedoch interessiert, ist der japanische Druck, der an der im Hintergrund abgebildeten Wand zu hängen scheint und als Werk von Sato Torakiyo identifiziert wurde, der vom niederländischen Meister reproduziert wurde, indem er die Figuren und die Silhouette des Berges Fuji verschoben hat Nach rechts. Gerade dieses letzte orientalische Meisterwerk führt uns dazu, die Leidenschaft Van Goghs für die japanische Kunst zu enthüllen, so sehr, dass es dem Künstler sogar gelang, seine eigene persönliche Sammlung von Drucken zu schaffen, die er sammeln konnte, da diese auf der Zeit auf dem Markt zu moderaten Preisen. Unter den verschiedenen Werken, die der Niederländer gekauft hat, sticht die berühmte Shin-Ōhashi-Brücke im Regen von Utagawa Hiroshige (1797 - 1858) definitiv hervor, ein Druck, der symbolisch für ein Interesse steht, das für den Künstler gewachsen ist, als er in Paris ankam, u Stadt, die der Mode der Zeit entsprechend ein großes Repertoire an orientalischen Drucken bot, darunter unter anderem jene, die Vincent gerne in der Galerie des deutsch-französischen Kaufmanns Siegfried Bing (1838 - 1905) bewunderte Geschäft in der Rue de Provence.

Van Gogh, Selbstbildnis , 1889. Öl auf Leinwand, 65 cm × 54 cm: Paris: Musée d'Orsay.

1. Selbstbildnis (1889)

Auf Platz eins finden wir das beliebte Selbstbildnis von 1889, ein Werk, mit dem ich mich von der allgemeineren Kritik distanziere, die, indem sie das Spiel spielen will, mir zu sagen, dass du verrückt bist, ohne es mir zu sagen, auf die zwanghafte Ornamentik hinweist im Hintergrund des Gemäldes als unverhohlene Warnung vor einem latenten psychotischen Zustand vorhanden. Was aber, wenn die offensichtliche mentale Komplexität des Künstlers einfach ein Aspekt ist, der zu seinem bereits freien und angeborenen kreativen Antrieb hinzugefügt werden kann? Ist es in diesem Sinne möglich, Vincent für einen Moment von seinen Störungen zu distanzieren und ihn einfach als gesunden Träger von Kreativität wahrzunehmen? Sicher, oft haben psychische Erkrankungen die Entwicklung des künstlerischen Talents gefördert, aber wollen wir das Flairgeschenk in den Schatten stellen, indem wir ausschließlich darüber sprechen? Außerdem müssten nach dieser Argumentation alle „Verrückten“ unbestrittene Genies der Kunst sein! Meine komplexen Fragen können sicherlich nicht von mir beantwortet werden, obwohl ich glaube, dass die "Dekoration", die das Werk präsentiert, nicht erschöpfend einer Täuschung zugeschrieben werden kann, sondern vielleicht eher der Kraft der Kombination eines zerbrechlichen Geistes und einer außergewöhnlichen Vorstellungskraft, Eigenschaften, durch die Vincent das Genre des Porträts neu erfinden konnte, indem er den innersten und manchmal impulsiven und irrationalen Bewegungen der menschlichen Seele freien Lauf ließ und sie ohne Scham zeigte.