Top 10: aufstrebende Künstler

SCHWARZE FRAU (2022) Gemälde von Sabrina Seck.

Aufstrebender Künstler: Was bedeutet das?

Ein aufstrebender Künstler wird normalerweise als jemand definiert, der sich in den Anfängen seiner Karriere befindet, d bekannte Handelsvertretung. Ich habe dieses Konzept auf der Grundlage der oberflächlichsten und einleitendsten Aussagen der Website der NYFA (New York Foundations for the Arts) ausgedrückt, die deklarativ und ohne Bedenken zugibt, wie sehr die obige Definition im Gegensatz zum Begriff nicht erschöpfend ist vielfältigen Interpretationen unterworfen, die sich anhand unterschiedlicher Parameter wie Meeresströmungen in ständiger Zirkulation verändern, grob nach Angaben zu Alter, Ausstellungsgeschichte und Reputation des Künstlers. Um das komplizierte Thema etwas vereinfacht zu behandeln, habe ich mich daher bemüht, in einer Top 10, weder erschöpfend noch nach Gefallen geordnet, die Arbeiten einer Reihe von Artmajeur-Künstlern zu sammeln, die durch die Tatsache vereint sind ihr Beitrag in der Kunstwelt, stellt eine vorläufige und viel versprechende Etappe dar, der eine spätere, erwünschte und zukünftige mediale Aufmerksamkeit gegenübersteht. Folglich kann der Kontakt mit der Arbeit dieser Künstler äußerst anregend sein, da Sie möglicherweise derjenige sind, der zu ihrem späteren und zukünftigen Erfolg beiträgt, als ob Sie daran interessiert wären, vergrabene Schätze zu heben, die sich von bloßen Relikten abheben werden eines Tages zu unbezahlbaren Relikten der Zivilisation, die in den wichtigsten Kunstinstitutionen der Welt aufbewahrt werden. Warum versuchen Sie Ihr Glück also nicht gerade durch den Kauf eines „entstehenden“ Werkes? Ich lade Sie ein, nicht länger zu zögern und jetzt durch meine Top 10 zu stöbern! Ah, ich vergaß, bevor Sie sich in Zwangskäufen verlieren, ist es wichtig hervorzuheben, wie mein Ranking die Erzählung von zehn Künstlern hervorbringt, die einem genauen Kriterium der technischen, stilistischen, chromatischen und thematischen Unterteilung folgen, innerhalb derer sie präsentiert werden: 3 Maler , unterteilt nach künstlerischen Strömungen, denen sie angehören; 3 Bildhauer, ausgewählt nach chromatischen Besonderheiten; 2 Fotografen, die einige der bekanntesten Meisterwerke der Kunst neu präsentieren wollen; 2 digitale Künstler, die darauf abzielen, die weibliche Figur durch neue Technologien zu untersuchen. Schließlich wird all dieser Diskurs notwendigerweise von einem kontinuierlichen Dialog mit den Werken der großen Tradition begleitet, der unsere aufstrebenden Künstler eines Tages vielleicht erfolgreich nacheifern werden! (Daumen drücken).

DIE FARBEN DER STRASSE (2020) Gemälde von Val Escoubet.

ERWACHEN NACH EINER LANGEN NACHT (2022)Gemälde von Péter Duhaj.

Maler: Hyperrealismus, Surrealismus und Expressionismus

1.Der Hyperrealismus von Péter Duhaj

Péter Duhaj, ein ungarischer hyperrealistischer Maler, zitiert in seinem reichen figurativen Werk das Vorbild zeitgenössischer Künstler aus seinem Land, wie Zsolt Bodoni, László Nyári, István Sándorfy und Tibor Csernus. Durch diese Beispiele entwickelte er seine sehr persönliche Sichtweise und strebte nach der getreuesten Darstellung des realen Datums, in der eine extreme Genauigkeit in der Behandlung des chromatischen Datums, der Formen, der Bewegung und der Emotionen, die oft durch verkörpert werden, zum Vorschein kommt Frauenfiguren, die von ihren perfekten Körpern eine mystische erotische Ladung ausstrahlen. Ein solcher Bericht erweist sich auch als perfekt, um das Erwachen nach einer langen Nacht zu beschreiben, ein Gemälde, das in seinen figurativen und popularisierenden Absichten durch die eigenen Worte des Künstlers gut dargestellt wird: „Die Idee zu diesem Gemälde kam spontan aus einem Moment, den ich nach einer Party erlebt habe mit Freunden. Das Gemälde stellt eine etwas verträumte junge Frau dar, die morgens nach einer wilden Nacht erwacht. Ihre Pose, ihr Gesichtsausdruck und ihre entblößten Brüste provozieren und regen den Betrachter an, sich verschiedene Variationen dessen vorzustellen, was die Frau in der Nacht erlebt hat, was sie war denkt jetzt, wie sie sich fühlt. Die Atmosphäre des Gemäldes zieht den Betrachter in die Geschichte hinein und wird zum Akteur darin.“ Wenn wir an dieser Stelle ein Meisterwerk aus der Vergangenheit finden wollen, das ähnlich, wenn auch auf keuschere und traditionellere Weise, die obige Szene vorwegnimmt, können wir Rest 2 nehmen, ein berühmtes Werk des bekannten koreanischen Meisters Chang Hong Ahn , als Beispiel.

EGG BOY IN RED HAT (2023) Gemälde von Ta Byrne.

2. Ta Byrnes Surrealismus

Der Surrealismus von Dali, Meister par excellence der Bewegung, nimmt neue Formen und beispiellose Botschaften an, durch das informelle künstlerische Flair von Ta Byrne, einem thailändischen Maler, der in die tiefe und introspektive Welt des Unbewussten des oben genannten spanischen Künstlers eintaucht , hat mit größerer Konstanz eine entschieden humorvollere Sichtweise eingebracht, die durch die Schaffung einer Paralleldimension zu unserer verwirklicht wurde, in der menschliche Figuren durch das Vorhandensein von Elementen des Alltags, die einfach aufgesetzt werden, "verzerrt" werden ihre Gesichter. Byrne führt seine figurative Forschungsweise auf einen „Automatismus“ der Freudschen Implantation zurück, wonach „je länger man ein Objekt betrachtet, desto abstrakter wird es und ironischerweise auch realer“. An dieser Stelle möchte ich das Gesagte testen, um zu testen, ob ich, wenn ich meine Mutter ein paar Minuten lang ansehe, wenn ich das Grollen des Hungers höre, tatsächlich sehe, wie sich ihr Gesicht in ein leckeres Spiegelei verwandelt , die gleiche Delikatesse, die das Abbild des Protagonisten von Egg Boy in Red Hat bedecken soll. Schließlich ist genau das Ei, das oft in Byrnes surrealistischen Porträts zu sehen ist, heute in jeder Hinsicht ein Star in der Kunstwelt, da es von Hieronymus Bosch, Jean-Baptiste Greuze, Salvador Dalí, Claes Oldenburg, Sarah Lucas usw. dargestellt wurde.

EHRLICH (2023) Gemälde von Young Park.

3.Der Expressionismus von Young Park

Wenn wir Parks innovatives Werk wirklich mit einer standardisierten künstlerischen Strömung assoziieren wollen, wird ihr besonderer „Expressionismus“ durch den emotionalen Einsatz, mit dem sie die Farben auf der Leinwand arrangiert, der Träger, in dem die Gesichter ihrer Figuren lebendig werden, verwirklicht durch die Verwendung von Chromatik, die, obwohl sie manchmal nicht sehr naturalistisch ist, sicherlich intimistisch, introspektiv und von großer psychologischer Wirkung ist. Tatsächlich macht die 1977 in Südkorea geborene Künstlerin ohne Zögern deutlich, dass sie in jeder ihrer porträtierten Figuren, ob materiell, immateriell, männlich, weiblich etc Wissen um ihr Wesen, bis hin zum Berühren ihrer Gedanken, die beteuern, dass es im Leben keine eigentlich richtige Antwort gibt. Genau genommen fangen seine Werke nur die einzige Wahrheit ein, nämlich die des gegenwärtigen Augenblicks, das Ergebnis tiefer Einsicht, die sich gegen die Zumutung durch die Existenz des universellen Denkens auflehnt. Apropos Protagonist von Honestly, er wurde fast unwillkürlich in einem klaren Moment der persönlichen Reflexion gefangen genommen, in dem seine tausend Ideen die Form von weichen Farbtönen anzunehmen scheinen, die auf seinem Gesicht platziert sind und sich auf ein verwandtes Meisterwerk der Kunst beziehen Geschichte, in der die Pigmentierung der Protagonistin einen etwas ähnlichen, wenn auch drastischeren Prozess durchlief, nämlich Sonia Delaunay-Terks Finlandaise (Finnische Frau) (1907-1908).

OMNIA VINCIT AMOR (RED) (2022)Skulptur von Andrea Giorgi.

Skulpturen und Farben: rot, schwarz und ocker

4.Andrea Giorgis Rot

Die Farbe Rot wurde im Rahmen der künstlerischen Untersuchung von Andrea Giorgi, einem 1974 geborenen italienischen Bildhauer, wiederholt, aber sparsam gewählt, da dieser Farbton eher mit einer bestimmten Botschaft verbunden ist, mit der einige Werke konzipiert wurden, als mit einem Ton Trend, der von den oberflächlichsten Saisontrends diktiert wird. Deutlich werden diese Aussagen durch die Worte der Künstlerin zur Skulptur Omina vincit amor, die darauf abzielt, die oben genannte Farbe zu verwenden, da letztere am besten geeignet ist, das Konzept der Liebe auszudrücken, ein ewiges Gefühl, das in diesem Fall durch die Protagonistin der Skulptur greifbar gemacht wird , der darauf bedacht ist, eine kleine Figur zu beobachten, die geschickt in seinem riesigen Herzen platziert ist, nämlich: seine geliebte Frau. Eine solche romantische Botschaft wird weiter verstärkt, sowohl durch das Tattoo auf dem Arm des Protagonisten, das den Titel der Skulptur selbst wiedergeben soll, als auch durch das antike Erscheinungsbild des Werks, das so beabsichtigt ist, als wäre es gerade von der Intensität der Liebe verzehrt worden . Apropos künstlerisches Geschichtenerzählen, andererseits verband der bekannte zeitgenössische Bildhauer Chen Wen Ling Rot auch mit einer tiefgreifenden Bewegung der Seele, nämlich dem Lachen, das darauf abzielte, Red Memory - Smile, eine etwa 5 Meter hohe Skulptur, zu beleben. kürzlich von der chinesischen multinationalen Alibaba Group in ihrem Hauptsitz in Hangzhou erworben.

BABYFOOT 85 (2021) Skulptur von Idan Zareski.

5. Idan Zareskis Schwärze.

Schwarze Stimmung: Diese beiden Wörter fassen teilweise die „dunkle“ Skulptur von Zarescki zusammen, einem 1968 geborenen israelischen Künstler, der ein etwas erwachsenes und bösartig mürrisches Kind durch die Farbtöne der oben genannten Farbe verewigen wollte, um interpretiert zu werden als die klarste Wiedergabe jener schändlichen und wütenden Stimmungen, die uns in die dunkelsten und gehässigsten Irrwege unseres Geistes führen. In der Tat, wenn wir darüber nachdenken, was der Zorn eines Kindes auslösen könnte, könnte das Werk diese tonale „Schwere“ genauso gut aufgeben, denn obwohl ihre Wutanfälle ärgerlich sind, führen sie im Allgemeinen nicht zu schändlichen Maßnahmen. Apropos Künstler von Artmajeur, Zareski, der in mehreren Ländern lebt und arbeitet, hat in sich einen reichen kulturellen Hintergrund angesammelt, dessen Arbeit weitgehend seine vielen Erfahrungen widerspiegelt. Trotz dieses Reichtums, in dem es nicht schwer wäre, sich zu verlieren und vom Thema abzuschweifen, behält der Künstler seine klare figurative Identität bei, die durch die Darstellung großer Füße wiederkehrt, die darauf abzielen, die Herkunft sowie unsere Verbindung als Mutter widerzuspiegeln Erde. Abschließend möchte ich zum Abschluss dieser kurzen Abhandlung über die oben genannte Farbe die Hilfe von Fernando Botero hinzuziehen, dessen bekannte Schwarze Hand, eine Skulptur aus der Stadt Madrid, in Richtung der des mürrischen Babyfoot 85 gestreckt werden konnte, um ihn einzuladen aufzustehen, zu lächeln und wieder zu spielen.

云中君(ODE TO GALLANTRY) (2022) Skulptur von 永昌 赵 (Zhao Yongchang).

6. Yong Chang Zhaos Gelb.

Als westliche Laie, die ich bin, wage ich es, Zhaos Ode an die Galanterie etwas blasphemisch mit dem bekannten Bild von Bastien auf Falkor zu vergleichen, das 1984 in dem populären Film mit dem Titel The Neverending Story vorgeschlagen wurde. Im Gegenteil, der westliche Künstler Zhao erweist sich als völlig außerhalb der von Wolfgang Petersens Film vorgeschlagenen Realität, so sehr, dass seine weisere und weniger materialistische westliche Kultur die wahre Interpretation des Werks offenbart, die in den folgenden Worten zusammengefasst werden soll des Bildhauers selbst: „Der Junge und das Drachenpferd fühlen sich und sind miteinander verschmolzen. Der Junge hat die unsterbliche Kraft und göttliche Natur des Drachenpferds, und das Drachenpferd hat die Weisheit und den Mut des Jungen die Wolken und reiste um die Welt, um diese Welt gerechter und leichter zu machen." Daraus folgt, dass, wenn auch auf ganz andere Weise und trotz Zhaos größerer Bewusstheit und introspektiver Tiefe, die Freunde in Skulptur und Film, die zusammen tausend Wechselfällen begegnen, auch zu Symbolen für die Stärke zweier Köpfe werden, die das Gemeinwohl verfolgen , gemeinsam handeln, um die höchsten Werte der Menschheit zu erreichen. Zum Thema Farbe schließlich erinnerte mich das Gelb von Zhaos Skulptur an einen Farbton, den Medardo Rosso oft verwendete, um seinen vielen Köpfen Leben einzuhauchen, darunter The Concierge, ein Werk aus gelbem Wachs von 1883.

DIE ODALISKE MIT DEM WEISSEN ARSCH (2020)Fotografie von Mathilde Oscar.

Fotografie & Remakes

7. Mathilde Oscar und Die große Odaliske

Mathilde Oscar, eine 1980 geborene französische Künstlerin, interessierte sich zunächst für Malerei, dann für Kunstgeschichte und Grafikdesign und entdeckte erst später ihre größte Leidenschaft für die Fotografie, eine Technik, mit der sie ihre figurativen Ideen umsetzte, stark inspiriert von der Arbeit der große Meister der romantischen und klassizistischen Malerei. Solche Themen aus der Vergangenheit werden mit der Erzählung moderner und technologischer Zeiten vereint, da der Künstler die Codes der klassischen Malerei mit Fotografie und digitaler Manipulation kombiniert und eine Erzählung erzeugt, deren Sinnlichkeit, Schalk und Ironie durch einen leuchtenden Ansatz extrem verstärkt wird die Atmosphäre der berühmtesten Meisterwerke nachzubilden. In der Interpretation des letzteren zeigt sich jedoch eine stark anachronistische und nonkonformistische Ader, die, in eine unbekannte Raumzeit versetzt, äußerst zeitgenössische Frauenfiguren hervorbringt, die stolz sinnlich, augenzwinkernd, stolz und charismatisch sind. Ein Beispiel für das eben Gesagte ist die Fotografie The Odalisque with the White Butt, deren respektloser Titel uns bereits auf die Entweihung von Jean-Auguste-Dominique Ingres' Meisterwerk The Great Odalisque (1814) aufmerksam macht, auf dem die Die sinnliche Pose des Models wurde von einem ruhigen und schüchternen Lächeln begleitet, während uns der Fotograf in Oscars Version etwas mehr über den Po zeigt und diesen Blick von einem stolzen, augenzwinkernden und äußerst selbstbewussten Gesichtsausdruck begleitet, der zu sagen scheint: Ich zeige es dir Mein Hintern, na und?

FRÜHSTÜCK AUF DEM GRAS #2. NACH ÉDOUARD MANET (2017)Fotografie von Marta Lesniakowska.

8.Marta Lesniakowska und Frühstück auf dem Rasen.

Wenn sich ein zeitgenössischer Künstler einem "klassischen" Meisterwerk nähert, schlägt er oder sie es nicht immer neu vor, indem er seine Details verbessert und verändert, da es Zeiten gibt, in denen diese großartigen Beispiele der Vergangenheit bewundert und reproduziert werden, als ob sie aus der Ferne beobachtet würden, einen neuen Blickwinkel auf das Thema zu erzeugen, der angesichts der Distanz die heilige Aura der Geschichte intakt zu lassen scheint, ein neues Kapitel aufzuschlagen, ohne es zu "verunstalten". Das dachte ich, als ich Breakfast on the Grass #2 sah, ein Werk ursprünglich von Édouard Manet, reproduziert in der Version von Lasniakowska, einer Künstlerin, Fotografin und Kunstkritikerin, deren künstlerische Auseinandersetzung die Absicht verfolgt, vertraute Bilder in Erinnerung zu rufen um sie im Kontext des 21. Jahrhunderts zu vermitteln und zu verinnerlichen. Bezüglich der Variationen, die Breakfast on the Grass durch die Artmajeur-Perspektive des Künstlers erfahren hat, ist hingegen unbestritten, wie der dunkle, verblichene Farbton der Fotografie die ursprüngliche rein impressionistische Farbe provokativ ablehnte, um die Idee des Vergehens wiederzugeben Zeit und unvollkommene Erinnerung, deren unbestrittener Sprecher und einzige Spur das fotografische Medium ist. Die ferne Rahmung schließlich orientiert sich an der Romantik und verbindet so das Werk Manets mit der Sichtweise Caspar David Friedrichs, in dessen Werk natürliche Flächen wiederkehren, die der Dramatisierung des Bildes dienen.

ANA ISABEL (2023) Digitale Künste von Carla Sá Fernandes.

Digitale Kunst und weibliche Themen

9. Die digitalen Frauen von Carla Sá Fernandes

Es ist unbestritten, dass Farbe ein integraler Bestandteil des Werks von Carla Sá Fernandes ist, da sie bei jeder Gelegenheit oder fast jeder Gelegenheit primär und unbestreitbar präsent ist, sei es in der Malerei oder in der digitalen Malerei oder in den figurativen Arbeiten lineare und tropfende Abstraktion. Tatsächlich verwendet die 1971 geborene portugiesische Künstlerin Fernandes, wie die Biografie der Künstlerin zeigt, das Medium der Malerei, um ihre Erfahrungen und Emotionen zu explizieren, und zwar gerade durch die Verwendung spontaner und lebendiger Farbkombinationen. Bei dem digitalen Gemälde Ana Isabel hingegen können wir uns dieses Werk als eine große Innovation der Moderne vorstellen, da die großen Meister der Vergangenheit Frauen nicht so anschaulich darstellen konnten, tatsächlich können wir uns eine andere Frau mit Rot vorstellen Haare, die von Degas entschieden nüchterner dargestellt wurden, wie das von Portrait of a Young Woman von 1867.

WAS WIR SIND ... (2022) Digitale Künste von Masa Zodros.

10. Die digitalen Frauen von Masa Zodros.

Masa Zodros ist eine Künstlerin, die sich auf fotografische Manipulation spezialisiert hat, eine Technik, in der sie vor allem Porträts von farbigen Menschen Raum gibt, Themen, die in Epochen der Vergangenheit oder surrealen, mythologischen und kulturellen Situationen festgehalten werden, die durch die Verwendung von ausgeführt werden Software, beginnend mit der Modifikation von Modellen, die in ihrem Studio beobachtet wurden. Der Zweck dieser Arbeit wird uns vom Künstler deutlich gemacht, der Versionen des schwarzen Mannes und der schwarzen Frau schaffen möchte, die von unserer Geschichte befreit sind, die im Gegenteil reich an dramatischen Ereignissen von Beherrschung, Ausbeutung und Entfremdung ist . Jenseits dieser traurigen Tatsachen stellt sich Zodros eine Realität außerhalb der Zeit vor, das heißt, eine gerechtere Dimension, in der sich sein Volk hätte entwickeln und eine gerechtere kulturelle Expansion erreichen können, die in Strukturen und Institutionen stattfindet, die ihnen ähnlicher sind. Diese letztere künstlerische Absicht liegt auch What We Are zugrunde, einem Werk, in dem mich die Maske des Protagonisten zum Thema von Les Fétiches (1938) zurückbringt, einem Meisterwerk von Lois Mailou Jones, einem schwarzen Künstler, der für die Anerkennung gekämpft hat Geschichte, Kultur und Rechte der Schwarzen.

Haben Sie sich schon für Ihren aufstrebenden Lieblingskünstler entschieden?