Paul Klee, Ad Parnassum, 1932. Öl auf Leinwand, 100×128 cm. Kunstmuseum, Bern.
Grundbegriffe der abstrakten Kunst
Nur um dem Leser ein „Wann“ und „Wo“ zu geben: Der Abstraktionismus, eine avantgardistische Kunstbewegung, wurde im frühen 20. Jahrhundert in Deutschland geboren und breitete sich in verschiedenen Regionen des Landes aus, die ziemlich weit voneinander entfernt waren es nahm verschiedene visuelle und konzeptionelle Variationen an. Im Wesentlichen bezieht sich abstrakte Kunst auf alle künstlerischen Produktionen, deren Kern sich um die Schaffung von Werken dreht, die von früheren künstlerischen Traditionen befreite Realitäten erforschen, in denen Farben und Formen zum neuen Mittelpunkt einer Erzählung werden und bereit sind, die Emotionen, Ideen und Erfahrungen des Künstlers auszudrücken . Es ist wichtig zu präzisieren, dass es zwei Möglichkeiten gibt, abstrakt zu sein: teilweise und vollständig. Im ersten Fall beziehen wir uns auf Werke, die immer noch identifizierbare Themen darstellen, diese jedoch vereinfacht, verzerrt, auf unrealistische Weise wiedergegeben oder aus ihrem üblichen Kontext entfernt wurden. Unter vollständiger Abstraktion versteht man dagegen Schöpfungen, die über die Darstellung von Kontexten hinausgehen und darauf abzielen, sich von der tatsächlichen visuellen Realität inspirieren zu lassen. In beiden Fällen geht es darum, den Zweck und die Bedeutung der Kunst in Frage zu stellen, sie möglicherweise von ihrer Beziehung zur umgebenden Welt zu befreien und die Grenzen dessen zu erweitern, was als künstlerische Produktion verstanden werden könnte. Dies stellt folglich die eher traditionellen ästhetischen Kanons in Frage, um die Kunst an die Hand zu nehmen und sie zu offeneren und experimentelleren Modi zu führen. Diese sind besonders effektiv, wenn man philosophische Prinzipien und Ideologien zum Ausdruck bringen möchte, Ideen, die manchmal zu komplex und schwer fassbar sind, um auf figurative Themen beschränkt zu werden. Auch der Betrachter wird in dieses „Spiel“ einbezogen, und seine Rolle erhält eine neue Bedeutung: die des Betrachters, das Gesehene auf seine eigene Weise zu interpretieren und es mit der Perspektive des Künstlers zu vergleichen. Nachdem wir nun kurz den historischen und künstlerischen Kontext geklärt haben, in dem wir uns bewegen, können wir mit unseren Top 10 beginnen, die in chronologischer Reihenfolge des Datums der gezeigten Gemälde als Fortsetzung der oben genannten Erzählung angesehen werden können Darstellung der verschiedenen Entwicklungen der betreffenden Bewegung.
Vasilij Vasil'evič Kandinskij, Ohne Titel (Erstes abstraktes Aquarell), 1910. 49,6 x 64,8 cm. Centro Georges Pompidou, Paris.
Top 10
1.Wassily Kandinsky, Ohne Titel (Erstes abstraktes Aquarell) (1910)
Warum mit Kandinsky beginnen? Ich habe „Untitled“ auf Platz eins meiner Liste gesetzt, weil Kritiker es als den Beginn der abstrakten Kunst betrachten. In diesem Aquarell eliminiert der russische Maler jeden Bezug zur sichtbaren Welt und schafft eine Synthese zwischen Musik und Malerei, um völlig neue Bilder zu schaffen, die auf Emotionen und Stimmungen anspielen. Dies wird durch sorgfältig ausgewählte Farben, Linien, Punkte und Flecken erreicht, die äußerst harmonisch angeordnet sind. Es ist erwähnenswert, dass Kubismus und Impressionismus vor Kandinsky die Grenzen des visuellen Verständnisses erweitert hatten, wie in den Werken von Braque, Picasso oder Monets späteren Seerosen zu sehen ist. In ihren Werken bestand jedoch immer noch ein gewisser Bezug zur realen visuellen Welt, wohingegen sich Kandinsky in „Ohne Titel“ bewusst dafür entschied, alle Bezüge zur greifbaren Realität zu eliminieren und nur Linien, Punkte und Markierungen zu malen, die sich selbst darstellen sollten. Das Aquarell wird von braunen, gelben und orangefarbenen Flecken dominiert, von denen einige dichter sind als andere und eine Ansammlung bilden, die Sternbildern ähnelt. Der Rhythmus dieser Elemente, kombiniert mit der harmonischen Verwendung von Farben und der Beziehung zwischen den Marken, vermittelt ein Gefühl der Komposition.
Joan Miró, Der Jäger (Katalanische Landschaft), Juli 1923 – Winter 1924. Öl auf Leinwand, 64,8 x 100,3 cm. Moma, New York. @ssteph888
2. Joan Miró, Der Jäger (Katalanische Landschaft) (1923-24)
Der zweite Platz in meiner Rangliste, in chronologischer Reihenfolge der Ausführung, geht an Joan Miró mit seinem Gemälde „Der Jäger“ (Katalanische Landschaft). Dieses Kunstwerk veranschaulicht das oben erwähnte Konzept der teilweise abstrakten Kunst. Ich kann das mit Zuversicht sagen, denn bei sorgfältiger Betrachtung offenbart das Meisterwerk die Darstellung einer unverwechselbaren Landschaft mit menschlichen und tierischen Figuren, die auf eine bestimmte Zeit im Leben des Künstlers anspielt, als er auf dem Bauernhof seiner Familie in Montroig (Katalonien) lebte. Warum den Betrachter an diesen Ort in Spanien entführen? Das Gemälde könnte tatsächlich von der Heimat des Meisters sprechen und darauf abzielen, eine gewisse Neigung zum katalanischen Nationalismus hervorzuheben, die sich in der Anspielung auf den traditionellen Tanz der Region zeigt, die ausdrücklich durch das Wort „Sard“ ausgedrückt wird, sowie in der Präsenz der katalanischen Flagge wie die spanische und die französische Flagge. Abgesehen von solchen Interpretationen ist sicher, dass das Werk den Künstler selbst darstellt, der wie in anderen Fällen in der Gestalt eines Jägers dargestellt wird. Ich beziehe mich auf die stilisierte Figur mit dreieckigem Kopf, die sich auf der linken Seite der Leinwand befindet und ein frisch getötetes Kaninchen und ein noch rauchendes Gewehr hält. Allerdings kann alles, was beschrieben wird, auch im Bereich des Traumhaften interpretiert werden, da das surrealistische Meisterwerk ein Produkt des Automatismus ist, der Nutzung des Unterbewusstseins, das der Darstellung neuer Formen und Interpretationen der Realität förderlich ist.
Piet Mondrian, Komposition mit Rot, Gelb und Blau, 1930. Öl auf Leinwand, 45 cm × 45 cm. Kunsthaus Zürich
3.Piet Mondrian, Komposition mit Rot, Gelb und Blau (1930)
Kehren wir mit Piet Mondrian und seiner berühmten Komposition mit Rot, Gelb und Blau zur völligen Abstraktion zurück, einem Werk, das in der Zwischenkriegszeit, auf dem Höhepunkt der Karriere des Künstlers, entstand. Unter diesen Umständen fühlte er sich gelassener und fähiger, sich seiner künstlerischen Forschung zu widmen, die auf das Ziel der neoplastischen Synthese ausgerichtet war. Ich beziehe mich auf den Prozess der formalen Vereinfachung, der darauf abzielt, einen spezifischen Wunsch nach spiritueller Reinigung zu erreichen, den der Maler verspürte, der, auch beeinflusst von theosophischen Studien, sich zunehmend von der Figuration löste. Dies wird in der oben genannten Arbeit verwirklicht, die durch das Vorhandensein dicker schwarzer Linien gekennzeichnet ist, die sich zu rechteckigen und quadratischen Feldern kreuzen, von denen einige in Rot, Gelb und Blau gefärbt sind. Die Wahl der Primärfarben soll die formale und chromatische Ausgewogenheit reproduzieren und die spirituelle Suche des Künstlers widerspiegeln, die vom universellen Gleichgewicht geleitet wird. In diesem Fall liegt das Gleichgewicht in der Abwesenheit eines kompositorischen geometrischen Zentrums, was bedeutet, dass das Meisterwerk möglicherweise über die bemalte Leinwand hinausragen könnte.
Paul Klee, Ad Parnassum, 1932. Öl auf Leinwand, 100×128 cm. Kunstmuseum, Bern.
4.Paul Klee, Ad Parnassum (1932)
Wir stehen vor einem weiteren Beispiel teilweiser Abstraktion, nämlich Ad Parnassum, einem Meisterwerk auf Leinwand, das Klee inspiriert von seinem Italienaufenthalt sechs Jahre zuvor geschaffen hat. Während dieser Zeit war er von den Mosaiken von Ravenna beeindruckt, die er mit einer neuen neodivisionistischen Technik neu interpretierte. Diese Technik zeichnet sich durch markante pointillistische Pinselstriche aus, die eine dichte Farbtextur erzeugen, in der die Farben ein einzigartiges, helles Licht ausstrahlen, das an frühchristliche Kunst erinnert. Bei der Farbpalette dominieren Blaugrün- und Gelborangetöne, die der gesamten Komposition Dynamik verleihen. Der einheitliche Glanz wird durch die Anwesenheit von Linien unterbrochen, die die Silhouette eines Pyramidenhügels bilden, begleitet von einer hohen Sonne am Himmel. Abschließend schließen wir diese Beschreibung mit den erhellenden Worten des Künstlers ab: „Das Thema war die Welt, wenn auch nicht diese sichtbare Welt.“ Trotz dieser Worte verliert das, was wir beobachten, nicht völlig den Bezug zur Realität, die wir kennen; Stattdessen erinnert es in Form von Erinnerungen und Fragmenten daran, vermittelt durch eine komplexe Farbharmonie, die die musikalischen Melodien offenbart, mit denen der Meister, ein erfahrener Geiger, gut vertraut war.
Links: Ben Nicholson OM, 1934 (Relief), 1934. Ölfarbe auf Mahagoni, 718 × 965 × 32 mm. Tate. @ jay.parmar
5.Ben Nicholson OM, 1934 (Relief), 1934
Um Nicholsons Meisterwerk zu verstehen, müssen wir den historischen Kontext berücksichtigen, in dem der Künstler seine Sicht auf die Kunst entwickelte. Während der turbulenten Zwischenkriegszeit, als sich Künstler auf der Suche nach der verlorenen Unschuld und Reinheit der Menschheit der Abstraktion zuwandten, begann Nicholson, mit verschiedenen Arten der Raumdarstellung zu experimentieren. Er verfolgte diese Ziele durch die Schaffung von Reliefarbeiten, bei denen Bereiche unterschiedlicher Tiefe den Raum definierten, manchmal nur in Weiß oder Grau gefärbt, in den Farbtönen der Reinheit. Ein Paradebeispiel für dieses monochromatische und vielschichtige Gemälde ist 1934 (relief), ein Meisterwerk, das sich vom Einfluss Mondrians inspirieren lässt, ähnlich wie Miró und Calder. Um dieses Werk zu schaffen, schnitzte Nicholson einen Kreis und ein Quadrat aus einer Holzplatte und spielte damit auf die Idee der Abwesenheit und gewichtigen Präsenz in Zeiten des Konflikts an. Die Verwendung geometrischer Formen, dimensionaler Schichten und einer monochromatischen Palette tragen alle dazu bei, Emotionen zu beseitigen.
Rechts: Mark Rothko, White Center (Gelb, Rosa und Lavendel auf Rose), 1950. 205,8 cm × 141 cm. Die königliche Familie von Katar.
6.Mark Rothko, White Center (Gelb, Rosa und Lavendel auf Rose) (1950)
Im Jahr 1950 begann Rothko, die Leinwand in horizontale Farbstreifen zu unterteilen, und in diesem Jahr entstand White Center (Gelb, Rosa und Lavendel auf Rose). Das Meisterwerk präsentiert eine Frontalkomposition, in der große Farbbänder zu schweben scheinen und mit dem Farbfeld, auf dem sie platziert sind, verschmelzen. Im Wesentlichen ist White Center Teil von Rothkos unverwechselbarem Multiform-Stil, bei dem sich verschiedene Blöcke komplementärer Farben auf einer großen Leinwand überlappen. Um es mit der Hinzufügung von Farbe zu beschreiben, beginnt das Werk mit einem gelben horizontalen Rechteck, setzt sich fort mit einem horizontalen schwarzen Streifen, einem weißen rechteckigen Band und gipfelt in der unteren Hälfte in Lavendeltönen. Die Leuchtkraft des gesamten Werkes wird durch das wiederholte Auftragen dünner Farbschleier erreicht, aus denen in den oberen Schichten etwas Untermalung hervortritt. Was analysiert wurde, ließe sich, sicherlich mit Variationen, auf viele Arbeiten des Künstlers in dieser Zeit anwenden. Ihm war es wichtig, nach subtilen Variationen in Proportionen und Farben zu suchen, um vielfältige Emotionen und Atmosphären zu vermitteln und den Betrachter einzuhüllen.
Jackson Pollock, Convergence, 1952. Öl auf Leinwand, 237 cm × 390 cm. Buffalo AKG Art Museum, Buffalo. @Jackson_pollock
7.Jackson Pollock, Convergence (1952)
Die Leinwand ist mit Wirrwarrspuren bedeckt, und das Vorhandensein schwarzer kreisförmiger Linien scheint auf dem gesamten Träger einheitlich zu sein, während an anderen Stellen Spuren von Rot, Gelb, Blau und Weiß sichtbar sind. Ich beziehe mich auf das Kunstwerk auf dem siebten Platz, Convergence, das zunächst von Kritikern als unscheinbar beurteilt wurde, später aber äußerst bekannt wurde. Die anfängliche Skepsis der Kunsthistoriker dürfte darauf zurückzuführen sein, dass das zunächst in Schwarzweiß gehaltene Werk eine Neuinterpretation des Künstlers darstellte, der später weitere Farben hinzufügte. Die Erlösung von Convergence erfolgte nicht nur durch spätere Neubewertungen, sondern auch durch die Anerkennung von Harold Rosenberg, einem Kunstkritiker, der es als das höchste Beispiel des abstrakten Expressionismus und der Action Painting bezeichnete. Mit diesen Begriffen meine ich einfach die vom Maler entwickelte künstlerische Praxis, bei der er während der Entstehung seiner Werke seinen instinktivsten Gesten freien Lauf ließ und sie mit unverkennbarer Energie in Leinwände übersetzte.
Helen Frankenthaler, Berge und Meer, 1952. Öl und Kohle auf Leinwand, 220 cm × 297,8 cm. National Gallery of Art, Washington, DC @ helenfrankenthalerfoundation
8.Helen Frankenthaler, Berge und Meer (1952)
Reden wir über die Technik: „Mountains and Sea“ entstand, indem die rohe, ungrundierte Leinwand auf den Boden gelegt und Öl- und Terpentinfarbe darauf gegossen wurde. Ich beziehe mich auf Frankenthalers persönliche Malpraxis, das sogenannte Beizen, das sie in diesem speziellen Fall zum ersten Mal anwendete. Das Ergebnis sind transparente Farbfelder, die zu schweben scheinen, tatsächlich aber durch die Textur der Leinwand verankert sind und für Ebenheit und Stabilität sorgen. In diesem Zusammenhang sind die Farben nicht zufällig platziert, sondern dienen dazu, eine natürliche Umgebung hervorzurufen, die jedes Mal einzigartig und anders ist. Ähnlich wie „Convergence, Mountains and Sea“ wurde das erste Werk, das Frankenthaler professionell ausstellte, zunächst kritisiert, später aber so verstanden, dass die New York Times ihm diese zarte und feierliche Beschreibung widmete: „Mountains and Sea“ ist „ein leichtes und …“ durchsichtige Anspielung auf Hügel, Felsen und Wasser.“
Robert Motherwell: Elegy to the Spanish Republic Nr. 57, 1957-1961. Kohle und Öl auf Leinwand, 213,36 cm × 277,18 cm. Sammlung SFMOMA.
9.Robert Motherwell: Elegy to the Spanish Republic Nr. 110 (1971)
Das fragliche Meisterwerk entsteht, wie der Titel teilweise andeutet, aus den Erinnerungen, die der Spanische Bürgerkrieg im Alter von nur 21 Jahren im Gedächtnis des Malers hinterlassen hat. Die Auswirkungen dieses katastrophalen Ereignisses waren so groß, dass Motherwell das Thema nicht nur in Elegy to the Spanish Republic Nr. 110, sondern auch in einer Serie von mehr als 200 Gemälden, die diesem Thema gewidmet waren, erneut aufgriff. Ebenso können wir uns an Picassos berühmtes Guernica aus dem Jahr 1937 erinnern, das sich erneut auf die Episode des spanischen Bürgerkriegs bezieht. Im Fall des Autors von Elegy to the Spanish Republic Nr. 110 wird der fragliche Konflikt jedoch zu einer Anspielung auf alle Formen von Ungerechtigkeit, so dass er die oben genannte Serie als Gedenken an menschliches Leid konzipierte, a Gefühl, ausgedrückt in Form abstrakter und poetischer Symbole, die Tod und Leben gegenüberstellen. Dieser Ansatz des abstrakten Expressionismus übernimmt einige Elemente aus der Sprache des französischen Symbolismus, insbesondere aus der Sprache von Stéphane Mallarmé, einem Dichter, der sich für die Darstellung der emotionalen Wirkung von Ereignissen oder Ideen und nicht der Ereignisse oder Ideen selbst einsetzte. Schließlich wird der oben erwähnte Gegensatz zwischen Leben und Tod durch die Gegenüberstellung von Schwarz und Weiß sowie durch den Kontrast zwischen ovalen und rechteckigen Formen auf der Leinwand konkret dargestellt.
Gerhard Richter, Abstraktes Bild, signiert, datiert 1987, nummeriert 636. @theartbystander
10.Gerhard Richter, Abstraktes Bild (809-1) (1994)
Richters Meisterwerk, bekannt dafür, eines der teuersten Gemälde unter seinen Top Ten zu sein, ist Teil einer Serie von vier Werken und das Ergebnis eines komplizierten, sich wiederholenden und wahrscheinlich langwierigen kreativen Prozesses, von dem die Leinwand selbst Zeugnis ablegt es weist Anzeichen zeitlicher Unterbrechungen im Werk auf. Dennoch bestand „Abstraktes Bild“ nach seiner Fertigstellung in Form von Streifen und Farbklecksen, die mit einem Rakel an den Rand der Leinwand gezogen und durch die Zugabe anderer auf ähnliche Weise aufgetragener Farben bereichert wurden. Tatsächlich besteht der schnelle, zufällige und sich wiederholende Prozess des Auftragens der Farbe darin, dass Farbschichten aufeinander folgen, bis der Künstler das Gemälde für vollständig hält. Dies regt zum Nachdenken darüber an, dass durch die Überlagerung verschiedener Schichten die Entstehungsmethoden des Werkes nur oberflächlich erkennbar sind, weil sie in den darunter liegenden Ebenen verborgen sind. Allerdings können wir „Abstraktes Bild“ wie folgt beschreiben: eine farbreiche Fläche aus vertikalen und horizontalen Linien, die dem Betrachter nach der Absicht des Künstlers Ruhe und Harmonie vermitteln soll.
Olimpia Gaia Martinelli