Piet Mondrian: für eine korrekte Interpretation

Nataliya Bagatskaya, „Lisa visit Mondrian-3“ , 2021. Acryl/Lack auf Leinwand, 60 x 60 cm.

Antonella Preti, Dreaming of Bauhaus , 2020. Acryl auf Stoff, 60 x 60 cm.

Die Interpretation eines abstrakten Kunstwerks ist für den Betrachter komplexer und weniger intuitiv als sein figuratives Gegenstück, so sehr, dass es möglich ist, wenn wir ein Porträt betrachten, auch dank der Informationen, die aus seinem Titel gezogen werden verstehen, sowohl die Identität des Bildnisses als auch seine Beziehung zum Künstler, ein Grund, der oft hinter der Schaffung des Meisterwerks selbst steht. Im Gegenteil, um ein abstraktes Gemälde auf der tiefsten und begrifflichsten Ebene zu würdigen, ist es notwendig, es zu dokumentieren und eingehender zu studieren, um sich mit seinem historisch-künstlerischen Zugehörigkeitskontext und dem Entstehungsprozess vertraut zu machen. die es erzeugt haben, das Ergebnis der persönlichen Vision des Künstlers-Künstlers auf der Welt. Das eben Gesagte findet sich in der Analyse der Komposition mit Rot, Gelb und Blau (1929) von Piet Mondrian, für viele „blasphemisch“, eine einfache Darstellung geometrischer Formen in Farbe. In Wirklichkeit erzählt das Meisterwerk von 1929 eine viel tiefere Geschichte, da es das Ergebnis einer sprachlichen Suche ist, die der niederländische Meister ab etwa 1907 durchführte, als er, nachdem er sich der spirituellen Disziplin der Theosophie genähert hatte, ihre philosophischen Prinzipien annahm und danach strebte Vereinigung des Universellen und des Individuellen, des Inneren und Äußeren, durch die Konzeption von Kompositionen, die farblich und formal immer wesentlicher und ausgewogener werden. Die Komposition mit Rot, Gelb und Blau , deren populärer Stil, der den Designern so am Herzen liegt, in der Zwischenkriegszeit entwickelt wurde, zeigt eine saubere Verteilung vertikaler und horizontaler Linien, die auf dem Träger angeordnet sind, um harmonische quadratische und rechteckige Hintergründe zu erhalten Größe, in der die drei Primärfarben auf eine präzise Symbolik anspielen: Gelb steht für Sonnenenergie, Rot für die Vereinigung von Licht und Raum und Blau für die spirituelle Sphäre. In diesem Zusammenhang wird die vom Künstler angestrebte universelle Balance durch das große weiße Quadrat gut dargestellt, das oben rechts vom Träger durch die Anwesenheit der oben genannten farbigen geometrischen Figuren harmonisiert wird, die darin angeordnet sind die verschiedenen Ecken und Gegensätze der Leinwand. Nach dieser kurzen Beschreibung ist es möglich, die "relativen" Werke desselben Meisters zu verstehen, die sich ungefähr in den Zeitraum der 1920er bis 1930er Jahre einordnen lassen, in der Folge in Werken wie Tableau I: Raute Mit Four Lines and Grey entwickelt sich der geometrische Stil des Meisters weiter, um sich mehr auf die Erforschung des Potenzials der rautenförmigen Rautenfigur zu konzentrieren, die durch die Verschiebung der eher klassischen Ausrichtung der Leinwand den darin eingeschlossenen Linien das Aussehen einer größeren verleiht und unbefristete Verlängerung. Ab den 1940er Jahren erreichte der Künstler schließlich, damals buchstäblich verzaubert von der Vitalität der Stadt New York, einem Ort, der intensiv im Rhythmus der Jazzmusik gelebt wurde, die letzte Phase seines Schaffens, die durch die asymmetrische Verteilung von Farben und lebendigen Quadraten gekennzeichnet war in gelben Linien platziert, um den Rhythmus dieser Metropole zu synthetisieren, wie es in Broadway Boogie-Woogie (1942-43) vorkommt. Ebenfalls repräsentativ für diese Zeit ist New York City 1 , ein Gemälde aus dem Jahr 1941, das kürzlich große Aufmerksamkeit in den Medien erhalten hat, da es seit über 75 Jahren in der Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen in Düsseldorf, Deutschland, auf dem Kopf steht. Diese Entdeckung, die die Handschrift des italienischen Künstlers Francesco Visalli trägt, belegt eindrucksvoll die oben vertretene These: Die Interpretation eines abstrakten Gemäldes erweist sich auch heute noch als komplexer und mühsamer als die eines figurativen Werks.

Dr. Matthias Kerling, Selfsimilar Mondrian squares , 2022. Digitale Kunst auf Papier, 50 x 50 cm.

Harouna Andre Guillabert Gacko, Ours Mondrian Pop art , 2022. Skulptur, Harz/Lack auf anderem Träger, 45 x 35 x 23 cm/1,00 kg.

Piet Mondrian: Postimpressionistische, luministische und kubistische Ursprünge.

Der niederländische Meister ist vor allem für die oben erwähnte künstlerische Untersuchung neoplastizistischer Natur bekannt, obwohl eine solche Sichtweise von ihm nur durch eine lange und mühsame "Identitäts" -Suche erreicht wurde, die nicht darauf beschränkt war, das Ergebnis zu sein rein philosophische Orientierungen, da sie durch einen allmählichen Erkenntnisprozess bestimmt wurden, der im Vorwissen und in der Praxis bestimmter früherer figurativer Strömungen wie Postimpressionismus, Luminismus und Kubismus stattfand. In Bezug auf den ersten Satz wurde Mondrian zu Beginn des 20. Jahrhunderts stark von der Arbeit von Kees van Dogen, Otto van Rees und Jan Sluijters beeinflusst, Postimpressionisten, die Farbe auf kühne Weise verwendeten und sich stark auf die Arbeit von stützten Vincent van Gogh. Die Experimentierfreudigkeit des holländischen Künstlers lässt sich, ebenso wie die der oben genannten Meister, in der schnellen Skizze von 1907 zusammenfassen, die mit dem Titel The Red Cloud von einer starken chromatischen Ausdruckskraft geprägt ist. Diese Sichtweise wurde durch sein Treffen mit Jan Toorop, dem niederländischen Vertreter des Luminismus, bereichert, dessen künstlerische Forschung, die zur Verwirklichung von Licht durch eine Reihe von Punkten oder kurzen Linien aus Primärfarben tendierte, Mondrian verzauberte, der wahrscheinlich von diesem Zeitpunkt an , war vor allem an der Verwendung der oben genannten Chromatik interessiert. Nach der Luministenzeit und dem spirituellen Einfluss der Theosophie kam der Meister dem Beispiel von Paul Cézanne und den kubistischen Malern so nahe, dass er 1912 in die französische Hauptstadt zog, um das Werk von Picasso und Braque genauer zu verfolgen. Die Regeln des Kubismus in Mondrians Werk waren jedoch erschöpft, als er in sein Heimatland zurückkehrte, d. h. um 1914, als er den oben genannten Stil an seine äußersten Grenzen brachte und sich schließlich mit der Gründung der De Stijl-Bewegung erschöpfte ( 1917).

Cécile Duchêne Malissin, Tribute to Mondrian , 2015. Malerei, Pastell/Bleistift auf Leinwand, 30 x 30 cm.

Cécile Duchêne Malissin: Hommage an Mondrian

Malissins Gemälde stellt eine ausdrückliche Hommage an das Werk des Luministen Mondrian dar, der seine fortschreitende stilistische Entwicklung zum Neoplastizismus gerade durch die Abfolge von Meisterwerken mit Bäumen als Thema verdeutlichte, die Teil einer gleichnamigen Serie sind, die zwischen 1908 und 1912 entstand. Insbesondere der „Realismus“ der Arbeit des Künstlers Artmajeur würde den von Red Tree „nachzeichnen“, ein Gemälde von etwa 1908, in dem Mondrian seinen Prozess der Synthese einer formalen visuellen Sprache mit der Beseitigung der traditionellen Bildsprache begann, die von der Konzeption einer wesentlichen Komposition, in der ein Baum, perfekt in der Mitte des Trägers, vom Rechteck der Leinwand eingerahmt wird. Zudem erstreckt sich die vom Künstler angestrebte Vereinfachung auf die Farben, so dass er sich auf die Verwendung von Blau-, Schwarz-, Rot- und Gelbtönen beschränkt. Gleichzeitig bleiben die Elemente der Geschichte trotz des "Minimalismus" dem realen Datum treu, so dass die ideale Linie eines niedrigen Horizonts und des Himmels, vor dem sich der Baum mit seinem Stamm und seinen Ästen abhebt, zu erahnen ist . Gerade diese letzten Besonderheiten verleihen dem Werk stilistische Züge, die mit denen von Vincent van Gogh vergleichbar sind, mit dem Mondrian eine reiche emotionale Forminterpretation teilt.

Emmanuel Passeleu, Avion Mondrian , 2022. Digitale Fotografie, 50 x 50 cm.

Emmanuel Passeleu : Flugzeug Mondrian

Passeleus Digitalfotografie dokumentiert die große Wiederkehr, die Mondrians neoplastische Stilmerkmale im 20. Jahrhundert und in der zeitgenössischen Architektursprache zeigen. Betrachtet man die Arbeiten des Künstlers Artmajeur, kann man sich tatsächlich an einige Kultbauten erinnern, die mit den oben genannten farbigen Geometrien hergestellt wurden, wie zum Beispiel das Schröder-Haus von Gerrit Rietveld (1924, Utrecht), Charles und Ray Eames Case Study House No.8 (1949) und Rathaus von Den Haag von Studio VZ (2017). Im ersten Fall entpuppt sich die Privatresidenz als erstes Architekturbeispiel, das an die Stilmotive von Mondrian erinnern soll, obwohl es in Wirklichkeit das Werk von Gerrit Rietveld ist, einem Meister der neoplastischen Architektur, beeinflusst von der dieselben Konzepte, die den Broadway-Schöpfer Boogie-Woogie inspirierten. Tatsächlich nehmen die Fassaden des Rietveld-Schröder-Hauses die Form einer Ansammlung von Flächen und Linien an, deren Chromatik häufige Verweise auf die drei Grundfarben enthält, die Mondrian so sehr am Herzen liegen: Rot, Gelb und Blau. Apropos Case Study House No.8, eine solche prototypische, vorgefertigte Struktur, die sich durch die abstrakten Pläne und Raster von Mondrian auszeichnet, stellt die typische Frucht der Zeit des wirtschaftlichen Aufschwungs (1949) dar, einer Zeit, als das "Modell" der Der niederländische Meister begann auf "konsumistische" Weise zu reproduzieren. Apropos aktuelle Ereignisse: Es ist gut zu wissen, wie unverändert die Popularität von Mondrian in der Welt der Architektur geblieben ist, da das Rathaus von Den Haag 2017 anlässlich des hundertjährigen Bestehens von De Stijl mit dem typischen Grundriss geschmückt wurde Farben des holländischen Meisters.

Michael Cheung, Composition with retro red, blue and yellow , 2022. Acryl auf Leinwand, 60 x 60 cm.

Michael Cheung: Komposition mit Retro-Rot, -Blau und -Gelb

Das Werk des Künstlers Artmajeur Cheung verwendet in einer figurativen Version eines von Mondrians berühmtesten neoplastischen Meisterwerken, Composition with Red, Blue and Yellow (1930). Tatsächlich haben die Geometrien des niederländischen Meisters in dieser originellen und einzigartigen Version des oben genannten Gemäldes ein Interieur erzeugt, in dem nicht nur die Wände und ein gelbes Objekt im Vordergrund links angeordnet sind, sondern auch die Figur einer Frau, deren Identität hinter dickem Haar verborgen bleibt, das auf raffinierten und eleganten roten Kleidern arrangiert ist. In diesem neuen Kontext nimmt die Arbeit neue Bedeutungen an und verbindet die typischeren Darstellungen von Innenräumen mit Charakteren, um uns in das Privatleben der Menschen einzutauchen. Apropos Mondrians Meisterwerk: Das Gemälde von 1930 beinhaltet die chromatische Verwendung von Rot, Blau, Gelb, Weiß und Schwarz und bringt sie in einer Komposition zusammen, die auf die einfachsten geradlinigen Formen des Quadrats und Rechtecks reduziert ist, die durch Vertikale und Horizontale definiert sind Linien. . Eine solche Sprache wird vom Künstler selbst als „Komposition“ bezeichnet, da die Organisation abstrakter und asymmetrischer Formen auf der Leinwand die Synthese universeller Kräfte konkretisiert.