Minimalistische Fotografie: das Landschaftsgenre

Carlos Canet Fortea, Ungefähre Reise , 2022. Fotografie, Digitale Fotografie / Manipulierte Fotografie / Digitale Collage auf Papier, 100 x 80 cm.

Bevor wir zu den durch das fotografische Medium geförderten künstlerischen Untersuchungen kommen, scheint es naheliegend, sich auf diese Bildtradition zu beziehen, die im Laufe der Jahrhunderte die Geburt, Entwicklung und Bestätigung der bekanntesten künstlerischen Gattungen gefördert hat, einschließlich des unfehlbaren Landschaftsthemas. Es scheint also offensichtlich, dass die Fotografie mit dem letztgenannten Thema die früheren Bemühungen genossen hat, die zur offiziellen Anerkennung der totalen Autonomie der Landschaftsmalerei führten, ein Ereignis, das zu einer bestimmten Zeit und an einem bestimmten Ort in der Geschichte stattfand: Holland des Goldenen Jahrhunderts. Tatsächlich wurde Landschaft vor dieser Zeit als bloßer Bildhintergrund verstanden, der ohne Geschlechtsidentität darauf abzielte, die Orte zu schmücken oder zu illustrieren, an denen die erzählten Ereignisse, meist religiöser, mythologischer oder historischer Natur, stattfanden. Die Ankunft der Fotografie Ende des 19. Jahrhunderts erbte direkt die oben genannten Errungenschaften und förderte, wenn auch allmählich und experimentell, das fortschreitende Interesse an der Landschaftsgattung, die im Laufe der Jahrhunderte zu einem ihrer Hauptarbeitspferde wurde. Darüber hinaus wurde diese Disziplin im Zuge ihrer Annäherung an die Fotokunst ebenso wie die Malerei, die Skulptur usw. mit mehreren Bewegungen, künstlerischen Strömungen und Trends konfrontiert, innerhalb derer es obligatorisch ist, den Minimalismus als Sichtweise zu erwähnen auf die Realität, die ihre Stilmerkmale auch der Landschaftsmalerei aufgezwungen hat. Einfach und prägnant beschrieben: Die minimalistische Sichtweise gibt dem Landschaftsgenre das Ziel, das reale Datum durch eine äußerst synthetische und konkrete Wiedergabe zu erfassen, was durch die Verwendung der Rahmung von nur wenigen Elementen oder manchmal sogar nur einem erreicht wird eine größere visuelle Wirkung. Tatsächlich ermöglicht die bloße Möglichkeit, die Aufmerksamkeit auf das abgebildete „Kleine“ zu lenken, dem Betrachter, das Gedachte sofort zu erfassen, um eine Botschaft zu vermitteln, ohne dass die Aufmerksamkeit in mehrere dekorative „Schnickschnack“ zerstreut wird. Um das eben Dargelegte in der Vorstellung des Lesers zu konkretisieren, ist es entscheidend, auf die Arbeit einiger Fotografen hinzuweisen, die sich wie Hiroshi Sugimoto, Yamamoto Masao und Michael Kenna der Erfassung minimalistischer Landschaftsvisionen verschrieben haben. Apropos ersteres: Der 1948 geborene japanische Künstler und Fotograf entpuppt sich als einer der wichtigsten Vertreter der zeitgenössischen Fotografie, der die Besonderheit besitzt, minimalistische und konzeptionelle Kunst mit der verwandten Nüchternheit und Einfachheit östlicher Bräuche zu verbinden. Diese stilistischen Merkmale kamen in seiner Serie von Meereslandschaften von 1980 zum Tragen, in der sich die gleiche Verwendung von Rahmen und Materialien darauf konzentriert, die Variation von Schwarz und Weiß zu verbessern, die in Ansichten angeordnet sind, um leere und ruhige Meere einzufangen, die von einem klaren und überragt werden stiller Himmel. In einem solchen Kontext, in dem die Grenzen zwischen Wasser und Luft oft stark verschwimmen und an Abstraktion grenzen, möchte er deutlich machen, wie trotz des unaufhaltsamen Vergehens der Zeit die Größe der Natur bemerkenswert und fast göttlich unverändert bleibt. In der Malerei können uns die Werke von Piero Guccione, einem 1935 geborenen italienischen Maler, Graveur und Illustrator, ein ähnliches Gefühl vermitteln, dessen konzeptionelle Häfen in der Linie, die den Himmel vom Meer trennt, den Fokus einer Reflexion finden Im Mittelpunkt steht eine Meditation, die darauf abzielt, den Betrachter mit seinem inneren Selbst in Kontakt zu bringen. Bei Yamamoto Masao hingegen konzentriert sich der japanische Fotograf auf die Schaffung kleinformatiger Bilder, die wie Bonsai-Arten, die man in der Hand halten möchte, den Betrachter zu einer ähnlichen Erinnerung einladen. In dieser meditativen Dimension gibt es Raum, sowohl für die Gegenwart als auch für die Vergangenheit, so sehr, dass der Künstler die Verwendung von „gealterten“ Schwarz-Weiß-Bildern bevorzugt, die auf Erinnerungen, Fragmente und Spuren der tausend Versionen von uns selbst anspielen sollen .

Philippe Berthier, Phoetry , 2023. Fotografie, Digitale Fotografie / Manipulierte Fotografie auf Papier, 47 x 67 cm.

Apropos Landschaft: Masaos Aufnahmen zu diesem Thema zeugen von seinem Interesse an der Beobachtung natürlicher Übergänge, deren Erzählung auf die Entwicklung unseres eigenen Lebensverlaufs anzuspielen scheint. Ein Beispiel für eine minimalistische Aufnahme des japanischen Künstlers ist Kawa=Flow #1652, in der, um auf eine Herbstlandschaft anzuspielen, nur die Vision einer Gruppe von Vögeln erwähnt wird, die auf heiligen Zweigen sitzen. In ähnlicher Weise hat auch die Malerei ein ähnliches Thema dargestellt, wie in der breiteren und farbenfroheren Perspektive der weißen Vögel, die im Baum sitzen, von Edward Said Tingatinga, einem bekannten tansanischen Maler, gezeigt wird. Abschließend über Michael Kenna: Der gefeierte britische Fotograf, Jahrgang 1953, ist bekannt für seine minimalistischen Schwarz-Weiß-Landschaften, die, erleuchtet von einem typisch ätherischen Licht, das Ergebnis von Aufnahmen bei Tagesanbruch oder bei Nacht, verfolgen die Absicht, sich auf die Wechselwirkung zwischen atmosphärischen Bedingungen und den verewigten Objekten zu konzentrieren. Oft, gerade um diese Beziehung hervorzuheben, verewigt er einzelne Bäume, die in Weiß oder Dunkelheit getaucht sind und uns an die einzelnen Exemplare erinnern, die von einigen Meisterwerken der Malerei festgehalten wurden, wie zum Beispiel: Mondrians Roter Baum und Blauer Baum und Van Goghs Der unvergessliche Mulberry Tree in Autumn (1889), ein Werk, das der holländische Meister weniger als ein Jahr vor seinem Tod gemalt hat, also zu einer Zeit, die sich zwar als chaotisch und unausgeglichen herausstellte, aber durchaus „erleuchtet“ war. Vincents neues Bewusstsein wurde wahrscheinlich von dem Ort inspiriert, an dem er sich „aufhielt“, nämlich in der Anstalt Saint Paul in Saint-Remy, dem Krankenhaus, in das er nach dem berühmten Ohrenvorfall eingeliefert wurde. Gerade in der Nervenheilanstalt wurde er sich seiner bewegten Vergangenheit bewusst, erleichtert durch das Interesse, das er an seinen neuen Kunstwerken zeigte, und durch die glückliche Gesellschaft, die ihm seine Leidensgenossen des Krankenhausunglücks boten. Daher enthüllt dieser letzte Vergleich zwischen minimalistischer Fotografie und postexpressionistischer Malerei ein weiteres Detail: Diejenigen, die die zweite Bewegung favorisierten, haben die Kunst im Großen und Ganzen eher als eine Art Therapie genutzt, als als Mittel einer gelasseneren Kontemplation und Synthese des Daseins .

Tomáš Tisoň, Der Wächter , 2021. Fotografie, digitale Fotografie auf Papier, 50 x 50 cm.

Gio Mondelli, Heißer Sommer , 2018. Malerei, Acryl auf Leinwand, 45 x 45 cm.

Gio Mondelli: Heißer Sommer

Die extrem leuchtenden Farben, gepaart mit den wenigen Landschaftselementen, die das Acryl auf Leinwand des 1953 geborenen italienischen Künstlers Gio Mondelli darstellt, eröffnen die oben erwähnte "Debatte" über die Pseudo-"Abhängigkeit" der Fotografie von der Bildkunst erneut. finden sich auf der Ebene des „Ausleihens“ viele Themen und stilistische Ansätze. Eine solche Situation kehrt sich um, wenn wir stattdessen genau den Standpunkt des Künstlers in Artmajeur zur Landschaftskunst betrachten, der fast wie eine Art bildlicher Interpret der fotografischen Untersuchung des 1933 geborenen Modenesen Franco Fontana erscheint, der für seine minimalistischen Landschaften bekannt ist. in dem die unbestrittenen Protagonisten neben der italienischen Natur Felder, Bäume und gekonnt platzierte Wolken, Farben und Geometrien sind. Es sind genau diese letzten beiden Komponenten, die sich als wahre Motivatoren seiner Themenwahl erweisen, die in der Lage sind, "einfache" ländliche Landschaften sowie industrielle und städtische Landschaften in eine Art Abstraktion zu verwandeln, die darauf abzielt, der " Schrei" übertriebener Chromatik, ausgedrückt in synthetischen scharfen und markanten Linien. In diesem Zusammenhang scheint Mondellis Calda-Nachlass insbesondere auf Fontanas apulische Fotoserie zurückzuführen, die Ende der 1980er Jahre den authentischsten Triumph von Gelb, Blau und Grün innerhalb einer Natur zeigt, die in Bezug auf Ordnung erscheint und Lebendigkeit, üppiger und dem Menschen und seinen Missetaten wohlgesinnt.

Emmanuel Passeleu, The blue , 2021. Fotografie, Digitale Fotografie / Manipulierte Fotografie auf Papier, 50 x 50 cm.

Emmanuel Passeleu: Das Blau

Hervorzuheben ist, dass sich die Welt der Fotografie neben den klassischen Genres auch aus Moden, Trends und Last-Minute-Innovationen zusammensetzt, die sich in der heutigen Zeit oft aus dem Reich des Internets und der sozialen Medien ausbreiten unter Ausschluss der datierten Akademien und Museumseinrichtungen. Das Gesagte scheint die Lebenserfahrung von Marcus Cederberg zusammenzufassen, einem in Schweden geborenen minimalistischen Fotografen, der etwas aus einer Laune heraus begann, seine Aufnahmen sowie seine besondere Sichtweise über die Instagram-Plattform zu verbreiten, indem er sich von Anfang an anmeldete 2014. Heute genießt sein Profil große Aufmerksamkeit und wird von Neugierigen, Liebhabern der Fotografie, der Kunst im Allgemeinen und Fotografen selbst frequentiert, die danach streben, das Reale einzufangen, indem sie ihm affine „synthetische“ Farben und Formen verleihen. Eine solche „geordnete“ Vision entspringt einem besonderen Bedürfnis des Künstlers, der das Gefühl hat, sich dem Chaos unserer Gesellschaft entgegenstellen zu müssen, indem er die Form von quälenden Rhythmen hat, die mit Eingaben und falschen Mythen gesättigt sind, denen er nachjagen muss. Sein Kampf wird mit minimalistischer Poetik geführt, einem Trend, der in der Lage ist, ein fruchtbares Gefühl der Ruhe zu verbreiten, hauptsächlich aufgrund der sorgfältigen Auswahl von Farben, Kontrasten und negativen Räumen. Apropos konkrete Aktionen, ich öffnete das Instagram-Profil des Fotografen und bemerkte, dass eines seiner Lieblingsthemen Fenster sind, die einzeln, paarweise und manchmal durch eine fast "unendliche" Multiplikation analysiert werden. Solche Motive werden von einfach farbigen Wänden abgesetzt, die gelegentlich einige realistische Details darstellen, sowohl statische als auch dynamische. Fenster sind auch das Hauptthema der digitalen Fotografie des Artmajeur-Künstlers, der den Minimalismus personalisiert hat, indem er gekonnte surreale Akzente gesetzt hat, um auf neuartige und innovative Weise zwei grundlegend gegensätzliche Trends zu mischen.

Elisabeth Laplante, Neon noué , 2018. Fotografie, Digitale Fotografie auf Papier, 30 x 45 cm.

Elisabeth Laplante: Neon Noue

Auf einer dunklen, amaranthfarbenen, rosafarbenen, meerwasserfarbenen Wand läuft ein Neonlichtstrang, den wir im rechteckigen Format der Fotografie eingefangen sehen, ohne das tatsächliche Ausmaß seines Weges kennen zu können. Dies ist wahrscheinlich das Mysterium, auf das Laplantes Minimalismus anspielt, der auch das erwähnte fluoreszierende Objekt als eine Art Detail nutzt, um die Aufmerksamkeit des Betrachters definitiv zu fesseln. Zwar fällt das Neon auch noch später auf, aber wenn Ihr Blick darauf fällt, werden Sie dies wohl als letztes so genau beobachten, denn wer würde nach der Entdeckung des Lichts wieder in die Dunkelheit zurückkehren wollen? Tatsächlich ist Licht gerade deshalb so attraktiv, weil es den Raum definieren kann, ihn lebendig und dynamisch macht und uns die Fähigkeit gibt, die Welt so zu sehen, wie wir sie wahrnehmen, indem wir Formen und Farben unterscheiden. Auf diese Konzepte wurde wahrscheinlich auch in den Annahmen der künstlerischen Untersuchung von James Turrell, einem amerikanischen Künstler, zurückgegriffen, dessen Werk sich hauptsächlich mit der Wahrnehmung von Licht und Raum befasst. Tatsächlich gilt der Künstler als einer der führenden Vertreter von Light and Space, einer in den 1960er Jahren in den USA entstandenen Bewegung, die Licht in ein Kunstwerk verwandelte, das darauf abzielte, sowohl mit dem Geist als auch mit dem Körper zu kommunizieren Zuschauer.