Maler porträtieren Maler

S. DALY'S PORTRAIT (2013) Gemälde von Artush

Ist das Porträt oder das Selbstporträt des Künstlers zuerst entstanden?

Die Frage, die ich oben stelle, lässt sich einfach durch die Konsultation von Wikipedia beantworten, da mittlerweile gut etabliert, sicher und einigermaßen als selbstverständlich gilt, wie das Genre des Porträts, das seit den frühesten Zivilisationen, wie der ägyptischen, existiert, der Verbreitung um Jahrhunderte vorausgeht Popularität des Selbstporträts, das sich vor allem im Mittelalter etablierte, obwohl es in der Spätrenaissance tatsächliche künstlerische Würde und maximale Verbreitung erreichte. Daher kann man sich vielleicht vorstellen, dass die Maler der frühesten Epoche ihre Kollegen verewigt haben, obwohl dieser Akt nicht als Anerkennung der künstlerischen Rolle der betreffenden Bildnisse angesehen werden kann, da nur dem Selbstporträt offiziell ein solcher Wert zuerkannt wurde. Tatsächlich wandelte sich die Figur des Bildhauers, Malers usw. gerade seit der Renaissance, der Ära der größten Beliebtheit dieser Gattung, von der eines einfachen Handwerkers, der ausschließlich auf die Anwendung technischer Kenntnisse beschränkt war, zu der eines Persönlichkeit von hoher kultureller Würde, deren intellektuelle Tiefe gerade durch sein Werk zum Ausdruck kam. Daraus folgt, dass der Künstler in einem solchen humanistischen Kontext sowohl den Wunsch verspürte, seine Werke zu signieren, um sich selbst zu feiern, als auch Anerkennung für seine Selbstporträts zu erhalten, die darauf abzielte, nicht nur seinen technischen Fähigkeiten Bedeutung zu verleihen, sondern auch auch für das dargestellte Subjekt selbst, das nun der Ehre würdig ist, abgebildet, anerkannt und gefeiert zu werden. An dieser Stelle möchte ich auf das Porträt eines Künstlers zurückkommen und bedenken, dass dieses Genre sicherlich nach der Renaissance einen ähnlichen Wert wie das Selbstporträt erlangte, was mit ziemlicher Sicherheit diejenigen sahen, die einen Kollegen porträtierten In ihm war er nicht nur ein potenzieller Freund, sondern auch ein geschätzter Bezugspunkt in der Kunst seiner Zeit sowie eine unbestrittene Inspirationsquelle, die es zu feiern, zu ehren und zu verbreiten galt. Daher ist es möglich, einige Künstlerporträts bekannter Maler zu betrachten, die uns neben dem stilistischen Diskurs auch die Beziehungen zwischen den Kunstvertretern derselben Zeit sowie deren Rolle veranschaulichen die vom Schöpfer angenommene kreative Welt und das verewigte Subjekt.

TEASING VAN GOGH (2019) Gemälde von Benoît Dutour

WINKS, PICASSO (2023)Gemälde von Richard Routin.

Warum wollen alle Vincent van Gogh porträtieren?

Um auf die obige Diskussion zurückzukommen und herauszufinden, welche Künstler von Malerkollegen am häufigsten porträtiert wurden, und um die Beziehung zwischen dem Hersteller und dem Bildnis aufzudecken, habe ich als Beispiel die Beliebtheit von Bildnissen wie Pablo Picasso und Andy herangezogen Warhol, die sicherlich überwältigt waren von der besonderen Wiederkehr, mit der Vincent van Gogh verewigt wurde. Dennoch möchte ich mit der Analyse beginnen und die Künstlerporträts und den Kontext ihrer Ausführung vergleichen, beginnend mit dem ersten spanischen Meister, dargestellt von Juan Gris und Salvador Dali. Was Gris‘ Porträt von Pablo Picasso (1912) betrifft, so wird das Werk als Hommage an Picasso präsentiert, einen Meister, den Juan mit der Palette in der Hand verewigte und dem Mann, den er als Anführer der Pariser Künstlerkreise anerkennt, seinen ganzen Respekt zeigte seiner Zeit sowie der Erneuerer des Kubismus, dessen unbestrittener Schüler Grisè sich selbst nennt. Tatsächlich erinnert Juans Stil an Picassos analytischen Kubismus und seine charakteristische Dekonstruktion der Realität, begleitet von einer gleichzeitigen Betrachtung von Objekten und einer kristallinen Struktur, die darauf abzielt, das Thema des Gemäldes aus dem Jahr 1912 in verschiedene Ebenen und einfache geometrische Formen zu fragmentieren. organisiert in einer kompositorischen Struktur, die von Diagonalen bestimmt wird. Pablo selbst ist auch Gegenstand des Porträts von Picasso (1947) von Dali, einem Gemälde, das im Gegensatz zu dem oben beschriebenen aufgrund seiner surrealistischen und monströsen Stilmerkmale darauf hinzudeuten scheint, dass der katalanische Künstler das Gemälde eher hasste als liebte Andalusier, während Salvador in der Tat die Arbeit des älteren Meisters sehr bewunderte, obwohl er gegenüber seinem Landsmann einen bedingungslosen Wettbewerb wahrnahm, der wahrscheinlich darauf abzielte, den Thron der spanischen Kunst zu erobern. An dieser Stelle muss noch folgende Frage geklärt werden: Wie lässt sich ableiten, dass Dalis monströser Pablo nicht den Versuch darstellt, den gefürchteten Widersacher auszuschalten? Picassos Respekt vor Integrität wird uns durch einige Details deutlich: Das fleischige, spiralförmige Widderhorn anstelle des Ohrs ist ein Symbol für Vitalität, Führung und anerkannte Autorität, während der lange graue Haarring wie ein Finger aus dem Mund ragt , das in einem Löffel mit einem Musikinstrument endet, würdigt eines der beliebtesten Motive in Picassos Kunst: die Mandoline. Apropos Warhol: Schöpfer seiner Porträts ist hingegen sein Freund Basquiat, der trotz der unrealistischen und stilisierten Formen, mit denen er den König der Pop-Art beispielsweise in Dos Cabesas darstellt, versucht, dem Genre Rechnung zu tragen Hommage an seinen Mentor und sein Idol und an Alice Neel, eine Malerin, die die Gesichtszüge einiger angesehener Persönlichkeiten der Kunst umgestalten wollte, was in Andys Fall an ein Ereignis im Leben des Malers erinnerte, der, dargestellt mit riesigen, dramatischen Leichennarben, bringt uns zurück zur 68'-Episode, in der Valerie Solanas ihn erschoss. Abschließend schwören wir bei dem Meister, der nach dem, was ich im Internet recherchieren konnte, zu den beliebtesten Porträtgenres des Künstlers zu gehören scheint: Vincent, der von Paul Gauguin, einem Freund und Bewunderer, porträtiert wurde, mit dem er auch ein konkretes künstlerisches Projekt hatte, aber auch von Peter Russel, einem Maler, der ihn realistisch darstellt, und Toulouse-Lautrec, einem Künstler, der ihn mithilfe von Kreide wiedergibt. Was geht aus den Porträts der letztgenannten Maler hervor? Wenn Russel Vincent als Vorbild wählt, um ihre Pariser Freundschaft sowie ihre Art der künstlerischen Zusammenarbeit zum Ausdruck zu bringen, die darauf abzielt, mit impressionistischen Techniken zu experimentieren, um der Kunstgeschichte der 1880er Jahre und ihren angesehensten Vertretern eine Stimme zu geben, erzählt Toulouse-Lautrec uns über eine Verbindung, die auf einer gemeinsamen Leidenschaft für japanische Drucke basiert, sowie über die Schaffung von Werken, die darauf bedacht sind, die Essenz des damaligen Paris einzufangen. Auf jeden Fall wollte ich mir zur Beantwortung der Eingangsfrage, warum jeder Van Gogh darstellen möchte, vorstellen, dass der gequälte Meister nicht nur äußerst talentiert, sondern gerade aufgrund seines inneren Unbehagens auch unendlich interessant ist. ein Geisteszustand, der, wenn er geschickt in der Kunst eingesetzt wird, Künstler aus einer äußerst persönlichen Sichtweise hervorbringt und daher ausgesprochen innovativ, intensiv, unvergesslich und anziehend ist. Schließlich huldigen auch die zeitgenössischen Maler von Artmajeur weiterhin ihren Idolen und verewigen einige der berühmtesten Künstler aller Zeiten, so wie es Crea Martin, Francioni Mastromarino und Gabriele Donelli taten.

CLAUDE MONET (2023)Digitale Kunst von Nicolas Chammat

GESPRÄCH MIT MICHELANGELO BUONARROTI (2019)Gemälde von Frédéric Martin

Frédéric Martin: Gespräch mit Michelangelo Buonarroti

In der figurativen Übersicht über den französischen Maler Frédéric Martin finden wir eine Serie, die Porträts bekannter Meister gewidmet ist, Themen, die das Werk des Künstlers von Artmajeur höchstwahrscheinlich unauslöschlich geprägt haben. In dieser Reihe von Werken, in denen die Merkmale von Malern wie Rubens und Rembrandt hervorstechen, darf der große Michelangelo, ein Genie, das in Anlehnung an das gleichnamige Meisterwerk von Daniele da Volterra dargestellt wird, sicherlich nicht fehlen. Dem letztgenannten unvollständigen Gemälde aus der Zeit um 1545, in dem der italienische Handwerker, Bildhauer und Stuckateur, der auch eine Büste mit der Darstellung Buonarrotis geschaffen hat, den Meister im Alter von siebzig Jahren verewigte und seine Gesichtszüge und seine linke Hand mit großer Genauigkeit beschrieb, fehlt es an Details die Büste und der Hintergrund jedoch. Ähnlich verhält es sich mit Martins Interpretation, in der er die tropfende rote Farbe auf dem Kleid sowie den auffälligen Verband hinzufügt, der Buonarrotis Kopf geheimnisvoll umschließt. Genau dieses Detail ließ mich fragen, was passiert wäre, wenn Michelangelo Van Gogh getroffen hätte, der, ein Experte für Bandagen, die ausschließlich zum Abdecken fehlender Ohren getragen wurden, sich in einem ähnlichen Zustand in Selbstporträt mit verbundenem Ohr, einem Ölgemälde aus dem Jahr 1889, das dazu geschaffen wurde, darstellte verewigen die extremen Konsequenzen, zu denen das Ende der Freundschaft sowie der künstlerischen Partnerschaft zwischen dem Niederländer und Paul Gauguin führte. Wenn ich an dieser Stelle auf Michelangelo und Daniele da Volterra zurückkomme, würde ich die Vermutung wagen, dass sich der Künstler in Artmajeur möglicherweise eine Art geheime Absprache zwischen den beiden hätte vorstellen können, eine Episode, die wahrscheinlich auf die Tatsache zurückzuführen ist, dass der Braghettone sie abdeckte Buonarrotis Akte hätten dazu geführt, dass Michelangelo sich in einer äußersten Protestgeste das Ohr abgeschnitten hätte.

LEONARDO DA VINCI 2021)Skulptur von Francioni Mastromarino

Francioni Mastromarino: Leonardo da Vinci

Francioni Mastromarinos Werk scheint eine skulpturale Interpretation von Leonardo da Vincis berühmtem Selbstporträt aus dem Jahr 1512 zu sein, einem ikonischen Meisterwerk, das in der Galleria Nazionale d'Italia in Turin aufbewahrt wird. Es besteht aus rotem Gips und zeigt den Künstler im Alter von etwa sechzig Jahren, obwohl das Bildnis bereits in einem fortgeschritteneren Alter zu sein scheint. Darüber hinaus blickt Leonardo, der mit langen, weißen Haaren unsterblich erscheint, mit einem rätselhaften Gesichtsausdruck nach vorne, der sich auf der Grenze zwischen Kontemplation und äußerster Traurigkeit bewegt. Eine solche Augenmehrdeutigkeit wird durch die verschwommene Wahrnehmung des Blicks vermittelt, ein Hilfsmittel, das damals verwendet wurde, um die Gesichtszüge von Philosophen zum Leben zu erwecken, so sehr, dass viele sich gewünscht haben, in dem Porträt eine Darstellung des Allmächtigen oder etwas Ähnliches zu sehen. Diese Merkmale bestehen aus dünnen, komplizierten Linien, die mit roter Kreide auf braunem Papier erstellt wurden, dem Medium, auf dem die bekannteste Darstellung von Leonardo da Vinci, einem Meister, der im Individualismus des Humanismus seiner Zeit gefangen war, zum Leben erweckt wurde . Anstelle eines Porträts eines Künstlers, der den oben genannten Meister darstellen wollte, ist das Lucan-Gemälde bekannt, ein Gemälde eines unbekannten Autors aus dem Jahr 1474, das Leonardo im Alter von etwa fünfundvierzig Jahren darstellen soll und zu drei Vierteln dargestellt ist. Länge mit wallendem Bart und schwarzem Hut, vor einem undefinierten Hintergrund. Schließlich ist bekannt, dass das Werk, das 2008 in einem Schrank in einem italienischen Privathaus entdeckt wurde, auch einem anderen Porträt von Leonardo ähnelt, nämlich dem von Cristofano dell'Altissimo aus dem 16. Jahrhundert, das in der Uffizien-Galerie aufbewahrt wird.

PORTRÄT VON HENRI MATISSE (2017)Gemälde von Gabriele Donelli

Gabriele Donelli: Porträt von Henri Matisse

Das künstlerische Werk von Artmajeur Donelli war eine Hommage an mehrere bekannte Meister, die höchstwahrscheinlich auch einen gewissen Einfluss auf die stilistische Entwicklung des italienischen Malers hatten. Das fragliche Porträt zeigt Henri Matisse, einen Künstler, von dem Donelle möglicherweise die chromatische Vitalität geerbt hat, die in breiten Farbhintergründen zum Ausdruck kommt. Das Motiv des oben erwähnten Cartoons wurde eingefangen, während er in seinem Atelier arbeitet, ausgestattet mit Pinsel und Palette, in einer kargen Atmosphäre, die von Blau und einigen anderen Farben dominiert wird, die eine teilweise in Schwarz und Weiß gehaltene Figur zum Leben erwecken . Nach dieser Beschreibung muss unbedingt über Matisses bekanntestes Porträt gesprochen werden, nämlich jenes, das wiederum von kräftigen Farben geprägt ist und 1905 von André Derain gemalt wurde. Das betreffende Meisterwerk verewigt den französischen Meister frontal und fängt die Präsenz ein einer Pfeife, die an der rechten Seite des Mundes des Motivs hängt, während Henris Augen von einer fast unsichtbaren Brille eingerahmt werden. Der mit kurzem Haar und langem Bart dargestellte Künstler erwacht vor einem gelb-grünen Hintergrund zum Leben, ohne weitere Figuren oder Einrichtungsgegenstände. Dieses Porträt zeigt uns nicht nur die Gesichtszüge des oben genannten Meisters, sondern erzählt uns auch eine Geschichte, wie sie während eines Urlaubs in Derain in der Nähe von Collioure, einem Ferienort im Süden Frankreichs, konzipiert wurde, wo André und Henri sich gegenseitig porträtierten und konkretisierten Leben zu dieser künstlerischen „Gemeinschaft“, die Derain dazu veranlasste, sich der Verwendung kräftiger, nicht naturalistischer Farben zu nähern, die mit kleinen, separaten Pinselstrichen aufgetragen wurden.