Kubismus: von seinen Anfängen bis zur zeitgenössischen Kunst

Carlos Blanco Artero, Stierkampf , 2014. Öl auf Leinwand, 200 x 180 cm.

Kurze Reflexionen über die Welt der zeitgenössischen Kunst

Das 20. Jahrhundert war reich an zahlreichen künstlerischen Bewegungen, Trends und Ausdrucksformen, unter denen Kubismus, Dadaismus, Surrealismus, Expressionismus, Pop-Art, Konzeptkunst und Minimalismus nicht zu erwähnen sind. Im Vergleich dazu erweist sich das 21. Jahrhundert noch immer als ohne jede Form einer bedeutenden künstlerischen Strömung, da Künstler nach dem mythischen Andy Warhol wohl eher auf der Hut vor Gruppen weniger selbsternannter Eliten waren und eine überwiegend konzeptionelle Orientierung bevorzugten , die in der Lage ist, auch grundlegend unterschiedliche Praktiken zusammenzuführen. In jedem Fall beziehen sich die künstlerischen Manifestationen unserer Zeit mit all ihren Eigenheiten ausdrücklich auf ein vorherrschendes "Etikett", das der Globalisierung, ein Phänomen, das eine riesige kreative Welt von schwieriger Einordnung hervorgebracht hat, die darauf abzielt, sich hauptsächlich um den "Gott" zu drehen " Geld. Dennoch verzaubern die berühmtesten Strömungen des 20. Jahrhunderts weiterhin die Welt der zeitgenössischen Kunst, in deren Rahmen Künstler häufig Stilmerkmale neu interpretieren, die bis heute zur Klassifizierung derselben Kunstwerke verwendet werden. In diesem Zusammenhang ist der Kubismus, eine der einflussreichsten Kunstrichtungen des 20. Jahrhunderts, nicht zu vergessen, die in der heutigen Kunstforschung immer noch Wellen schlägt.

Georgi Demirev, Magical landscape II , 2022. Acryl / Pastell / Bleistift auf MDF-Platte, 63 x 79 cm.

Maria Tuzhilkina, Fresh kiwi , 2022. Acryl auf Leinwand, 50 x 50 cm.

Kurze Geschichte des Kubismus

«Dass der Kubismus lange Zeit nicht verstanden wurde und dass es auch heute noch Menschen gibt, die darin nichts sehen können, bedeutet nichts. Ich lese kein Englisch, ein englisches Buch ist für mich ein leeres Buch. Das bedeutet nicht, dass die englische Sprache nicht existiert. Warum sollte ich jemand anderem als mir selbst die Schuld geben, wenn ich nicht verstehen kann, wovon ich nichts weiß?»

Pablo Picassos ikonische, tiefgründige und entscheidende Worte sind perfekt, um das Konzept des Kubismus vorzustellen, eine künstlerische Bewegung, die hauptsächlich auf drei Zutaten basiert: Geometrie, Gleichzeitigkeit mehrerer Visionen und dem Wunsch, die „vierte Dimension“ wiederzugeben. All diese Komponenten verbinden sich zu einem beispiellosen Weltbild, da der Kubismus in jeder Hinsicht eine besondere Art von "Realismus" ist. Das Gesagte lässt sich an einem konkreten Beispiel erklären: Die Mündung jeder Vase erweist sich für das Auge ausdrücklich als rund, wird aber, um sie in einer grafischen perspektivischen Darstellung festzuhalten, oft so gemacht, als ob sie es wäre waren oval. Der Kubismus hingegen würde es als Kreis darstellen und es zu seiner einfacheren, aber realen Essenz zurückbringen. Aber wie kam es zu dieser Form der "Offenbarung" der ursprünglichsten Natur der Dinge? 1907 besuchte der französische Maler Georges Braque das Atelier seines Freundes Pablo Picasso im legendären Viertel Montmartre (Paris) und war buchstäblich überwältigt vom Anblick eines der größten Meisterwerke des spanischen Meisters, Les Demoiselles d'Avignon (1907 ). Gerade in den Besonderheiten dieser monumentalen Leinwand, die von gebrochenen geometrischen Flächen, maskenhaften Gesichtern und eckigen Körpern geprägt ist, lassen sich die Ursprünge der kubistischen Bewegung zurückverfolgen. Tatsächlich nahm Braques Malerei nach dieser Vision eine neue Richtung, die ihn dazu veranlasste, einige „zerlegte“ Landschaften zu schaffen, die der Kunstkritiker Louis Vauxcelles als durch geometrische würfelartige Muster geschaffen definierte. Die letztgenannten Worte, die als erste Verwendung des Begriffs Würfel zur Beschreibung dieses Malstils gelten, sind höchstwahrscheinlich für die Geburt des Begriffs Kubismus verantwortlich.

Eugene Ivanov, Blaues Stillleben , 2020. Öl auf Leinwand, 60 x 60 cm.

Jean Mirre, Das kubistische Tagebuch nach Juan Gris , 2021. Öl/Bleistift auf Papier, 30 x 21 cm.

Die verschiedenen Phasen des Kubismus

Die erste Ära der Bewegung, gelegen zwischen c. 1907 und 1912, ist als analytischer Kubismus bekannt, ein kreativer Ansatz, der darauf abzielt, Darstellungen desselben Themas aus mehreren Blickwinkeln gleichzeitig darzustellen, bei dem ein gebrochener, mehrdimensionaler Effekt erzeugt und durch eine begrenzte Farbpalette ausgedrückt wird. Später, genauer gesagt ab 1912, setzte die Phase des Synthetischen Kubismus ein, in der Picasso und Braque damit begannen, Wörter in Gemälde zu integrieren, die sich zu Elementen von Collagen entwickeln sollten, die bunte Charaktere zum Thema hatten. Der orphische Kubismus hingegen ist eine Bewegung, die von den vorherigen abgeleitet ist, die, gut ausgedrückt durch die Arbeit des Kollektivs der Puteaux-Gruppe, das 1913 vom französischen Maler Jacques Villon und seinem Bruder Raymond Duchamp-Villon gegründet wurde, noch lebhafter angenommen wurde Farbtöne und gesteigerte Abstraktion. Schließlich erlitt der Kubismus mit dem Aufkommen des Ersten Weltkriegs eine Verhaftung als organisierte Bewegung, teilweise weil viele seiner Mitglieder, darunter Braque, Lhote, de La Fresnaye und Léger, zum Militärdienst einberufen wurden. Dennoch tauchten die stilistischen Merkmale der Bewegung 1917 in einigen von Picassos Werken wieder auf, wie Die drei Musiker (1921) und Die weinende Frau (1937) sowie in mehreren von Braques Werken.

Konrad Ziolkowski, Grogis , 2019. Metallskulptur, 30 x 20 x 36 cm / 8,00 kg.

Kubismus in den Kunstwerken von Artmajeur

Wie erwartet entpuppt sich der Kubismus als eine der Avantgarden des 20. Jahrhunderts, die im 21. Jahrhundert am erfolgreichsten war, eine Tatsache, die auch weitgehend in der Artmajeur-Datenbank zu finden ist, wo es mehrere Kunstwerke gibt, die mit dem übereinstimmen Stilmerkmale der vorgenannten Bewegung. Perfekt, um diese Popularität zu veranschaulichen, sind die Gemälde und Skulpturen von Aket, Martine Camors und Corinne Raynal, die stark von Geometrie, Gleichzeitigkeit mehrerer Visionen und dem Wunsch, die "vierte Dimension" wiederzugeben, geprägt sind.

Aket, Klavier Klavier ,   2022. Acryl auf Leinwand, 61 x 50 cm.

Aket: Klavier, Klavier

Akets Gemälde, das einen Pianisten darstellt, der sich auf dem Höhepunkt seines kreativen Aufschwungs befindet, interpretiert auf völlig originelle und innovative Weise die Stilmerkmale des Kubismus, die sich insbesondere in den somatischen Merkmalen, den Haaren und der perspektivischen Wiedergabe konzentrieren die Pfeife des Bildnisses. Darüber hinaus spiegelt die glanzlose und spärliche Chromatik, die ausschließlich auf Violett-, Grau- und Schwarztöne mit einigen gelben Akzenten reduziert ist, höchstwahrscheinlich die reinste Absicht des Synthetischen Kubismus wider, nämlich eine enge Farbpalette der Reihe nach zu verwenden um störende Elemente für den Künstler und den Betrachter zu vermeiden, deren Ziel es ist, die Wiedergabe des realen Datums zu analysieren und zu untersuchen. Andererseits entpuppt es sich in Bezug auf das angesprochene Thema als „Kult“ der kubistischen Bewegung, da es bereits vom großen Meister Picasso in dem bekannten Gemälde mit dem Titel Die drei Musikanten (1921) angesprochen wurde.

Martine Camors, Têtê à têtê, 2010. Bronzeskulptur, 45 x 30 x 12 cm / 9,50 kg.

Martine Camors: Têtê à têtê

Die Bronzeskulptur von Martine Camors zeigt eine „zerlegte“, „fragmentierte“, extrem geometrische Halbbüste einer Frau, die sich hinter einer „Maske“ verbirgt. Tatsächlich erinnert das Gesicht des Bildnisses an das der Protagonisten von Les Demoiselles d'Avignon, einem Meisterwerk, das Picasso ausführte und gleichzeitig auf die Bräuche der afrikanischen Tradition Bezug nahm. Darüber hinaus erbte der spanische Künstler von letzterem die Unmittelbarkeit, Einfachheit und Synthese von Formen, die oft durch die Verwendung geometrischer Figuren konstruiert wurden. Die Rückkehr zur Skulptur des Künstlers von Artmajeur bringt uns auch zurück zu den Werken anderer bekannter Meister, wie Alexander Archipenko, ein großartiges Beispiel für die Art und Weise, wie das menschliche Gesicht zerlegt wird, und Henri Laurens, ein Bezugspunkt für die geometrische Sprache. Insbesondere kann Têtê à têtê mit zwei Meisterwerken der oben genannten Künstler verglichen werden, nämlich Head - Self-Portrait (1913) und Femme au Compotier (1920).

Corinne Raynal, Sylvie, 2019. Öl auf Leinwand, 80 x 80 cm.

Corinne Raynal: Sylvie

Corinne Raynals Ölgemälde fügt sich perfekt in die vom Kubismus untersuchten Stilmerkmale, Farben und Sujets ein, indem das durch scharfe Farbpartien geschaffene Werk, wenn auch auf sehr originelle Weise, an Jean Metzingers ikonische Two Nudes erinnert. In letzterem Gemälde, das in Thema und „Palette“ Sylvie ähnelt, verewigte der französische Meister den menschlichen Körper, Bäume und Felsen auf genau die gleiche Weise. Seinem Vorbild folgend, stellte der Artmajeur-Künstler die Protagonistin seiner Arbeit dar, indem er sie in einen Hintergrund eintauchte, in dem sie selbst wie ein Chamäleon auftaucht. Schließlich ist hervorzuheben, dass Metzingers Meisterwerk auch deshalb legendär ist, weil es auf der ersten kubistischen Manifestation der Geschichte ausgestellt wurde, nämlich dem Salon des Indépendants von 1911 in Paris, einer Veranstaltung, die die Bewegung der breiten Öffentlichkeit weihte. Folglich könnte Corinne Raynals Werk, ähnlich wie Two Nudes, ein hypothetisches neues „Manifest“ des zeitgenössischen Kubismus darstellen, das Ergebnis einer Verschmelzung von Tradition und Innovation.