Gustav Courbet

Gustave Courbet, Selbstporträt (Mann mit Pfeife) , 1848-1849. Öl auf Leinwand, 45 x 37 cm.

Wer war Gustave Courbet?

Jean Désiré Gustave Courbet war ein französischer Maler, der im 19. Jahrhundert die Realismusbewegung in der französischen Malerei anführte. Er lehnte die akademische Tradition und die Romantik der vorherigen Generation bildender Künstler ab und verpflichtete sich, nur das zu malen, was er sehen konnte. Sein einzigartiger Ansatz diente späteren Künstlern wie den Impressionisten und den Kubisten als Vorbild. Courbet erlangte in den späten 1840er und frühen 1850er Jahren Anerkennung für seine Gemälde, die Konventionen in Frage stellten, indem sie nicht idealisierte Bauern und Arbeiter in großem Maßstab darstellten, der normalerweise religiösen oder historischen Themen vorbehalten war. Seine nachfolgenden Arbeiten umfassten Landschaften, Seestücke, Jagdszenen, Akte und Stillleben mit weniger offensichtlichen politischen Themen. Neben seiner künstlerischen Tätigkeit engagierte sich Courbet auch als Sozialist in der französischen Politik. Wegen seiner Beteiligung an der Pariser Kommune wurde er 1871 für sechs Monate inhaftiert und lebte von 1873 bis zu seinem Tod vier Jahre später im Exil in der Schweiz. Courbets Einfluss auf die französische Malerei des 19. Jahrhunderts war bedeutend, da er ein Innovator und ein Künstler war, der durch seine Arbeit furchtlos mutige soziale Aussagen machte.

Gustave Courbet, Verzweifelter Mann , 1843-1845. Öl auf Leinwand, 45×54 cm. Privatsammlung.

Leben

Gustave Courbet wurde 1819 in Ornans, einer Stadt im Departement Doubs in Frankreich, geboren. Seine Eltern, Régis und Sylvie Oudot Courbet, hatten antimonarchische Überzeugungen, wahrscheinlich beeinflusst von der Beteiligung seines Großvaters mütterlicherseits an der Französischen Revolution. Courbets Schwestern Zoé, Zélie und Juliette dienten ihm als frühe Vorbilder für Malerei und Zeichnung. Nach seinem Umzug nach Paris im Jahr 1839 kehrte Courbet weiterhin häufig nach Ornans zurück, um zu jagen, zu fischen und sich für seine Kunst inspirieren zu lassen. Er arbeitete zunächst im Atelier von Steuben und Hesse, verließ es aber bald, um seinen eigenen Stil zu entwickeln. Er studierte die Werke spanischer, flämischer und französischer Meister im Louvre und malte Kopien ihrer Werke, wobei er einen starken unabhängigen Geist in seinem Streben nach künstlerischer Exzellenz zeigte. Courbet ließ sich zunächst von der Literatur inspirieren und schuf Werke wie eine Odaliske, die auf den Schriften von Victor Hugo basiert, und eine von George Sand inspirierte Lélia. Er gab diese literarischen Einflüsse jedoch bald auf und entschied sich stattdessen, Gemälde zu schaffen, die auf der beobachteten Realität basieren. In den frühen 1840er Jahren schuf er mehrere Selbstporträts im romantischen Stil, die sich in verschiedenen Rollen darstellten. Einige bemerkenswerte Beispiele sind Self-Portrait with Black Dog (ca. 1842–44, ausgestellt im Pariser Salon von 1844), Desperate Man (ca. 1843–45), Lovers in the Countryside (1844, ausgestellt im Musée des Beaux-Arts). in Lyon), The Sculptor (1845), The Wounded Man (1844–54, ausgestellt im Musée d'Orsay in Paris), Self-Portrait with a Cello (1847, ausgestellt im Nationalmuseum in Stockholm und ausgestellt im Salon 1848). ) und Man with a Pipe (1848–49, ausgestellt im Musée Fabre in Montpellier). Courbets Reisen in die Niederlande und nach Belgien in den Jahren 1846-1847 bestärkten ihn in seiner Überzeugung, dass Künstler das Leben, das sie umgibt, malen sollten, wie die Werke niederländischer Meister wie Rembrandt und Hals beispielhaft zeigen. Bis 1848 hatte Courbet Unterstützung bei jüngeren Kritikern gefunden, insbesondere bei Neoromantikern und Realisten wie Champfleury. 1849 erzielte Courbet mit seinem Gemälde After Dinner at Ornans seinen ersten Erfolg im Salon. Das an Chardin und Le Nain erinnernde Kunstwerk brachte Courbet eine Goldmedaille ein und wurde von der französischen Regierung angekauft. Infolge dieser Anerkennung unterlagen Courbets Werke nicht mehr der Genehmigung der Jury für die Ausstellung im Salon, ein Privileg, das er bis 1857 genoss, als sich die Regeln änderten. Zwischen 1849 und 1850 malte Courbet Die Steinbrecher, die leider 1945 bei der Bombardierung Dresdens durch die Alliierten zerstört wurden. Das Gemälde wurde vom französischen Philosophen Proudhon hoch geschätzt, der es als Ikone des bäuerlichen Lebens und Symbol der Arbeit ansah Klasse. The Stone Breakers wurde von einer Szene inspiriert, die Courbet am Straßenrand gesehen hatte, und er erzählte Champfleury und dem Schriftsteller Francis Wey später, wie das Gemälde entstand: „Es kommt nicht oft vor, dass man auf einen so vollständigen Ausdruck von Armut trifft und so, richtig dann und da kam mir die idee für ein bild. ich sagte ihnen, dass sie am nächsten morgen in mein atelier kommen sollten.“ The Stone Breakers gilt heute als eines der bedeutendsten Werke von Courbet und gilt als eines der ersten Beispiele der Realismus-Bewegung.

Gustave Courbet, Junge Damen am Ufer der Seine , 1857. Öl auf Leinwand, 174×200 cm. Paris: Musée du Petit Palais.

Was bedeutet Realismus?

Courbets Werk passte nicht zu den vorherrschenden romantischen oder neoklassizistischen Kunstschulen. Er betrachtete die Historienmalerei, die der Pariser Salon als die höchste Form der Kunst betrachtete, nicht als lohnendes Unterfangen, da er glaubte, dass Künstler einer Epoche die Essenz einer anderen Zeit nicht genau erfassen können. Stattdessen behauptete Courbet, dass die einzig wahre Quelle für Kunst die eigenen Erfahrungen des Künstlers seien. An der Seite von Jean-François Millet fand er Inspiration darin, das Leben von Bauern und Arbeitern zu malen. Courbets künstlerisches Schaffen umfasste figurative Kompositionen, Landschaften, Seestücke und Stillleben. Er sorgte für Kontroversen, indem er in seinen Arbeiten soziale Themen aufgriff und als vulgär geltende Themen wie das ländliche Bürgertum, Bauern und die Arbeitsbedingungen der Armen darstellte. Sein Werk wurde zusammen mit dem von Honoré Daumier und Jean-François Millet als Realismus bekannt. Für Courbet ging es beim Realismus nicht um perfekte Linien und Formen, sondern um den spontanen und groben Umgang mit Farbe, um die Unregelmäßigkeiten der Natur durch direkte Beobachtung einzufangen. Er stellte die harten Realitäten des Lebens dar und forderte die zeitgenössischen akademischen Vorstellungen von Kunst heraus. Eines der bestimmenden Merkmale von Courbets Realismus war seine lebenslange Verbindung zu seiner Heimatprovinz Franche-Comté und seinem Geburtsort Ornans.

Gustave Courbet, Frau mit Papagei , 1866. Öl auf Leinwand, 129,5×195,6 cm. New York: Metropolitanmuseum der Kunst.

Das Ende der Tage

Nach Verbüßung seiner Haftstrafe am 2. März 1872 waren die Sorgen von Courbet noch lange nicht vorbei. 1873 kündigte der neu gewählte Präsident der Republik, Patrice Mac-Mahon, Pläne zum Wiederaufbau der Vendôme-Säule an, wobei die Kosten von Courbet getragen werden sollten. Courbet konnte nicht zahlen und ging in die Schweiz ins Exil, um dem Konkurs zu entgehen. Während dieser Zeit nahm er an regionalen und nationalen Ausstellungen in der Schweiz teil und wurde in der kleinen Schweizer Kunstszene als Leiter der "realistischen Schule" bekannt. Er inspirierte jüngere Künstler wie Auguste Baud-Bovy und Ferdinand Hodler. Zu Courbets wichtigen Werken dieser Zeit gehörten mehrere Forellenbilder, die als allegorische Selbstporträts des im Exil lebenden Künstlers interpretiert wurden. In seinen letzten Lebensjahren konzentrierte sich Courbet auf Landschaften, darunter Wasserszenen, die im Juragebirge entlang der französisch-schweizerischen Grenze auf mysteriöse Weise aus den Tiefen der Erde auftauchen. Courbet arbeitete während seines Exils auch an Skulpturen, nachdem er bereits in den frühen 1860er Jahren einige Skulpturen geschaffen hatte. Eine seiner Skulpturen, The Fisherman of Chavots, war Ornans für einen öffentlichen Brunnen gespendet worden, wurde aber nach Courbets Verhaftung entfernt. Im Mai 1877 legte der Staat die endgültigen Kosten für den Wiederaufbau der Vendôme-Säule auf 323.000 Franken fest, die Courbet in jährlichen Raten von 10.000 Franken für die nächsten 33 Jahre zurückzahlen sollte. Courbet starb jedoch am 31. Dezember 1877, einen Tag vor Fälligkeit der ersten Rate, im Alter von 58 Jahren in La Tour-de-Peilz, Schweiz, an einer Lebererkrankung, die durch starken Alkoholkonsum verschlimmert wurde.

Die berühmtesten Werke

Gustave Courbet, Verzweifelter Mann , 1843-1845. Öl auf Leinwand, 45×54 cm. Privatsammlung.

Der verzweifelte Mann (1843-1845)

The Desperate Man ist ein denkwürdiges Porträt, hauptsächlich aufgrund der Beleuchtung und des gequälten Ausdrucks des Künstlers. Seine dramatische Komposition mag manche Betrachter an die Werke von Caravaggio und Rembrandt erinnern.

Gustave Courbet, Die Welle , 1869-70.

Die Welle (1870)

Es wird argumentiert, dass Courbet einer der ersten Künstler war, der von japanischen Drucken beeinflusst wurde, die später zu einer bedeutenden Inspirationsquelle für viele frühe Modernisten wurden. Diese östliche Ästhetik zeigt sich in Courbets Gemälden, die oft ein Stück Wasser isoliert von einer größeren Raumansicht darstellen, möglicherweise inspiriert von den japanischen Drucken. Dieser Malstil zeichnete sich durch gebrochene Farbflecken aus, die sowohl in den dunklen als auch in den hellen Bereichen aufgetragen wurden und eine einzigartige Textur schufen, die eine Inspiration für die angehenden Impressionisten war. Kurz gesagt, Courbets Landschaften und Seestücke wurden mit ihrer malerischen Behandlung zu einer bedeutenden Inspirationsquelle für spätere Künstler.

Gustave Courbet, Schlaf , 1866. Öl auf Leinwand, 135 cm × 200 cm. Paris: Kleines Palais.

Schlaf (1866)

Dieses besondere Kunstwerk von Courbet zeigt seine Faszination für einen erotischen Realismus, der zu einem herausragenden Thema in seinen späteren Werken wurde. Das Gemälde weist eine rohe und explizite Erotik auf, ohne romantische oder mythologische Begründungen, was es bei denen unbeliebt macht, die dem konventionellen Zeitgeschmack anhingen. Courbets ungeweihte Akte lösten viele Diskussionen über die Mängel seines Charakters und seiner Kunst aus. Der Künstler genoss jedoch die Aufmerksamkeit und den Ruf, den er als konfrontativer Künstler erlangte. Trotz der Kritik trug sein kontroverser Stil dazu bei, ihn als einflussreiche Figur in der Kunstwelt zu etablieren.

Gustave Courbet, Das Atelier des Malers , 1855. Öl auf Leinwand, 361 cm × 598 cm. Paris: Musée d’Orsay.

Das Atelier des Malers: Eine echte Allegorie, die eine siebenjährige Phase meines künstlerischen Lebens zusammenfasst (1855)

Dieses 19 Fuß lange Gemälde ist eine Manifestation von Courbets Selbstliebe und Stolz auf seinen eisernen Willen, seine harte Arbeit und sein revolutionäres Genie. Ähnlich wie er andere in seinem früheren Werk „Begräbnis in Ornans“ dargestellt hat, porträtiert sich Courbet in diesem Gemälde als Held. Er zeigt ein erhebliches Maß an Egoismus und behauptet, dass Fortschritt entsteht, wenn Einzelpersonen unabhängig denken und den Status quo in Frage stellen. Das Gemälde zeigt Courbet in voller Größe mit einem Pinsel in der Hand bei der Arbeit an einem Landschaftsgemälde. Seine Freunde auf der rechten Seite symbolisieren Seelenverwandtschaft und Innovation, während der bewundernde Junge Courbets Überzeugung repräsentiert, dass sein Vermächtnis Generationen überdauern wird. Das hinter dem Künstler stehende Aktmodell ist eine Hommage an seine Größe und ihre Rolle als seine Muse. Auf der linken Seite stehen die Working Poor, da Courbet ihr Recht auf Einbeziehung anerkennt. Sein Gegenspieler, Napoleon III., wird als Wilderer mit Schusswaffe dargestellt und von seinen Hunden begleitet. Courbets selbstbewusster Blick überstrahlt Napoleons nach unten geneigten Kopf, ein Symbol für den Erneuerer, der das Autoritäre dominiert. Kurz gesagt, dieses Gemälde ist Ausdruck von Courbets Selbstbewusstsein und seinem Glauben an die Bedeutung des Individualismus und die Herausforderung des Establishments.

Gustave Courbet, Das Treffen oder Bonjour Monsieur Courbet , 1854. Öl auf Leinwand, 129 cm × 149 cm. Montpellier: Musée Fabre.

Das Treffen oder Bonjour Monsieur Courbet (1854)

In diesem großen Gemälde zeigt Courbet sich selbst bei einem Treffen mit Alfred Bruyas, einem bedeutenden Mäzen und Unterstützer. Das Kunstwerk zeigt Bruyas Wertschätzung für Courbets künstlerisches Talent. Der Diener auf dem Gemälde wird in einer Geste des größten Respekts dargestellt und betont den Moment der gegenseitigen Wertschätzung zwischen dem Künstler und seinem Gönner. Courbets Kopf ist leicht nach hinten geneigt und er steht direkt im ungefilterten Licht, was seine Bedeutung und Intelligenz unterstreicht. Das Gemälde zeigt jedoch auch Courbets Selbstgefälligkeit, die sich darin zeigt, wie sein Bart wie ein Urteil auf den Patron zeigt. Darüber hinaus trägt Courbet einen Stock, der doppelt so groß ist wie der von Bruyas, was die Stärke und Kraft des Künstlers weiter unterstreicht. Insgesamt fängt das Gemälde die Beziehung zwischen einem Künstler und seinem Gönner ein und zeigt Bruyas' Bewunderung für Courbet und das Selbstwertgefühl des Künstlers.

Gustave Courbet, Die Badenden , 1853. Öl auf Leinwand, 227 cm × 193 cm. Montpellier: Musée Fabre.

Die Badegäste (1853)

In diesem Gemälde zeigt Courbet zwei Frauen auf natürliche, nicht idealisierte Weise, ohne mythologische oder rhetorische Rechtfertigung für ihre teilweise Nacktheit. Das Gemälde war umstritten und erhielt negative Kritik, wobei sogar der renommierte Künstler Delacroix seine Missbilligung zum Ausdruck brachte. Diese negative Aufmerksamkeit machte das Werk jedoch öffentlich und half Courbet schließlich, es zu verkaufen. Das Gemälde veranschaulicht Courbets Ablehnung klassischer Konventionen und seine Betonung der Darstellung der Realität, auch wenn dies von manchen als vulgär angesehen wurde.

Gustave Courbet, Begräbnis in Ornans , 1849. Öl auf Leinwand, 315 cm × 660 cm. Paris: Musée d’Orsay.

Beerdigung in Ornans (1849)

Dieses 22 Fuß lange Gemälde, das sich in einem prominenten Raum im Musée d'Orsay befindet, lässt den Betrachter in eine höhlenartige Atmosphäre eintauchen. Die im Gemälde dargestellten Figuren wirken unkonzentriert auf die Zeremonie und sind in einer nichtklassischen Komposition arrangiert. Als Paradebeispiel des Realismus hält sich das Gemälde eng an die sachlichen Details einer echten Bestattung und vermeidet jegliche überhöhte spirituelle Konnotation. Stattdessen betont Courbet die Vergänglichkeit des Lebens und verwendet das Licht im Bild bewusst nicht, um das Ewige auszudrücken. Während der Sonnenuntergang den Übergang der Seele vom Zeitlichen zum Ewigen symbolisieren könnte, bedeckt Courbet den Himmel mit Wolken, so dass der Übergang des Tages in die Nacht nur ein Echo des Sarges ist, der vom Licht in die Dunkelheit der Erde übergeht. Einige Kritiker sahen das Festhalten des Gemäldes an den Tatsachen des Todes als Beleidigung der Religion an und kritisierten seine Komposition als schäbig und seine Darstellung von Menschen aus der Arbeiterklasse als ungerechtfertigt wichtig. Andere, wie Proudhon, lobten das Gemälde für seine Andeutung von Gleichheit und Tugend unter allen Menschen und erkannten sein Potenzial, den Kurs der westlichen Kunst und Politik zu verändern.

Gustave Courbet, Frau zwischen den Wellen , 1868. Öl auf Leinwand, 65,4 × 54 cm. New York: Metropolitanmuseum der Kunst.

Schlüssel Konzepte

Courbets Realismus kann als Teil der umfassenderen Untersuchung der physischen Welt angesehen werden, die im 19. Jahrhundert vor allem im Bereich der Wissenschaft stattfand. In der Welt der Kunst wurde Courbet jedoch am meisten von seiner Verachtung für die starren Zwänge der französischen Akademie beeinflusst. Er lehnte die traditionellen Ansätze der klassischen oder romantischen Kunst ab und konzentrierte sich stattdessen auf bescheidene Szenen des Landlebens, die typischerweise als Motive für kleinere Genrebilder angesehen wurden. Trotzdem verwandelte Courbet diese Motive in Material für bedeutende Historienbilder, was ihm beträchtliche Bekanntheit einbrachte. Während der Pariser Kommune von 1871 legte Courbet seine Malerei vorübergehend beiseite, um eine Rolle in der Regierung zu übernehmen, die seinen linken politischen Überzeugungen entsprach. Obwohl Courbets Kunst nicht explizit politisch war, wurde sie dennoch im Kontext der Zeit anerkannt, als er sich für die Idee der Gleichheit einsetzte, indem er gewöhnliche Individuen auf heroische Weise darstellte. Er porträtierte sie im großen Stil und weigerte sich, ihre Unvollkommenheiten zu verbergen, was eine Abkehr von den idealisierten Darstellungen war, die üblicherweise in der traditionellen Kunst zu finden waren. Infolgedessen wurde Courbets Werk zu einem Symbol sozialer Gerechtigkeit, das bei denen Anklang fand, die in dieser turbulenten Zeit der französischen Geschichte die Werte der Gleichheit und Fairness fördern wollten. Da Courbet die Konventionen der Akademiemalerei ablehnte, schuf er oft Kompositionen, die im Vergleich zu vorherrschenden künstlerischen Standards als collagiert und rau angesehen wurden. Manchmal verzichtete er auch auf die traditionelle Technik des sorgfältigen Modellierens und trug stattdessen Farbe dick auf und verwendete gebrochene Flecken und Platten. Diese innovativen stilistischen Entscheidungen machten Courbet von späteren Modernisten hoch angesehen, die sich von traditionellen Kompositionstechniken lösen und sich auf die Betonung der Oberflächenstruktur konzentrieren wollten. Courbet löste sich von der traditionellen Abhängigkeit vom staatlichen Salonsystem, indem er die Solo-Retrospektive als privates kommerzielles Unternehmen voranbrachte. Dieser Ansatz ermöglichte es ihm, seine Werke unabhängig und zu seinen eigenen Bedingungen auszustellen, was zu einem Modell wurde, dem viele spätere Künstler folgten, die sich über Konventionen hinwegsetzten.

Zusammenfassung

Gustave Courbet spielte Mitte des 19. Jahrhunderts eine zentrale Rolle bei der Entstehung der Realismusbewegung. Er lehnte die klassischen und theatralischen Stile der französischen Akademie ab und betonte stattdessen die physische Realität der von ihm beobachteten Objekte, auch wenn diese Realität schlicht und unvollkommen war. Als engagierter Republikaner setzte Courbet seinen Realismus ein, um sich für die Bauern und Landbewohner seiner Heimatstadt einzusetzen. Courbet war bekannt für seine Reaktion auf die politischen Unruhen, die zu seinen Lebzeiten durch Frankreich fegten, und starb schließlich im Exil in der Schweiz, nachdem er für die Kosten des Wiederaufbaus der Pariser Vendome-Säule verantwortlich gemacht worden war. Neuere Historiker haben jedoch die Bedeutung von Courbets Werk als Vorläufer anderer Künstler der frühen Moderne wie Édouard Manet und Claude Monet erkannt. Courbets Beiträge zum Realismus und sein Engagement für die Darstellung der Realität des Alltags machen ihn weiterhin zu einer wichtigen Figur in der Kunstgeschichte.

Gustave Courbet, Die Steinbrecher , 1849. Öl auf Leinwand, 159×259 cm. Bei der Bombardierung Dresdens (1945) zerstörtes Werk.

Bekanntheit

Im Salon von 1857 stellte Courbet sechs Gemälde aus, darunter Junge Damen am Ufer der Seine (Sommer) und Jagdszenen. Das frühere Gemälde, das moderne Frauen zeigte, die ihre Unterwäsche beiläufig zur Schau stellten, schockierte Kunstkritiker, die an konventionelle nackte Frauen in Landschaften gewöhnt waren. Courbet stellte neben beliebten Jagdszenen bewusst aufsehenerregende Werke aus, um für Bekanntheit und Absatz zu sorgen. In den 1860er Jahren schuf er zunehmend erotische Werke wie Femme nue couchée, Sleep und The Origin of the World, die weibliche Genitalien darstellten und erst 1988 öffentlich ausgestellt wurden. In den frühen 1860er Jahren zeigte das Regime Napoleons III. autoritäre Tendenzen, aber er machte später Zugeständnisse an seine liberalen Gegner. Als Zeichen der Beschwichtigung von Courbets Bewunderern ernannte ihn Napoleon III. 1870 zum Mitglied der Ehrenlegion. Courbets Ablehnung des Kreuzes der Ehrenlegion verärgerte die Machthaber, machte ihn jedoch bei der Opposition ungemein beliebt.

Vermächtnis

Gustave Courbets einzigartige Perspektive veränderte die westliche Kunst und legte den Grundstein für nachfolgende moderne Bewegungen, einschließlich Impressionismus und Postimpressionismus. Andere Künstler wie Manet, Monet und Renoir wurden von Courbets Werk und seiner Herangehensweise an die Malerei beeinflusst. Courbets Verwendung von dick aufgetragener Farbe diente auch als Präzedenzfall für spätere Künstler des 20. Jahrhunderts wie Willem de Kooning, Lucian Freud und die Bay Area Figurative Painters. Insgesamt haben Courbets Beiträge zur Kunstwelt die Entwicklung der modernen Kunst nachhaltig beeinflusst.