Die Liebe der Künstler zu Braun

Picrate, The big night, 2022. Acryl / Pigmente auf Leinenleinwand.

Georges Braques und die Braunen

„Am Anfang sieht es so aus, als hätte es nichts zu sagen, aber dann endet Braun immer damit, Kastanien und Herbst zu lieben.“

Die Worte von Fabrizio Caramagna, dem 1969 geborenen italienischen „Wundersucher“, der sich auf die Schaffung erfolgreicher Aphorismen spezialisiert hat, synthetisieren eindrucksvoll die Unfähigkeit des ersten Eindrucks, das volle Potenzial von Dingen und Menschen einzufangen, und fassen die enge Verbindung zwischen ihnen zusammen die farbe braun und die herbstliche realität, gut veranschaulicht gerade durch die dämmerung fallender blätter. Gerade diese letztgenannte Assoziation lässt die genannte Nuance im Vergleich zu den anderen Farben des Farbkreises oft kontextbeschränkt, eintönig und unglamourös erscheinen. Tatsächlich hat Braun seine Relevanz im Laufe der Jahrhunderte im künstlerischen Bereich bewiesen, einem Bereich, in dem es hauptsächlich verwendet wurde, um dämmerige oder dunkle Töne zum Leben zu erwecken, sowie für die Kreation durch die Farbtöne von Siena gebrannt und Umbra gebrannt , von subtilen Abstufungen von Hell-Dunkel. In anderen Kontexten wurde eine solche Kombination von Rot und Grün zum Protagonisten einiger Meisterwerke der Kunstgeschichte, in denen sie die Hauptthemen der Leinwand prägte, wie zum Beispiel George Braques Mann mit einer Gitarre (1912). Die Bildfläche des letztgenannten Gemäldes, buchstäblich in Hell-Dunkel-Fragmente zerlegt, beherbergt in der Mitte die Taste, die die Gitarrensaite hält, während die Anwesenheit der schwer zu identifizierenden männlichen Figur nur anhand des Werktitels vorstellbar ist. Tatsächlich erfordert Man with a Guitar einen erheblichen Interpretationsaufwand, da der Betrachter die Suche nach Referenzen zur bekannten Welt aufgeben muss, um sich von den Mechanismen der Vernunft leiten zu lassen, die darauf abzielen, eine neue und noch nie dagewesene kontemplative Dimension zu rekonstruieren. In Bezug auf die Verwendung von Farbe hingegen schlägt das Werk eine Chromatik wieder vor, die dem französischen Kubisten sehr am Herzen liegt, der ab 1907, also während der Phase des primitiven Kubismus, die Bilder einem Prozess drastischer Vereinfachung unterzog, darauf abzielte, die Palette auf nur Grün- und Brauntöne zu reduzieren, ein Prozess, der durch das Meisterwerk Case a L' Estaque (1908) gut zum Ausdruck kommt. Später, genauer gesagt in der Zeit des analytischen Kubismus (1909-1922), widmete sich der französische Meister der Herstellung einer Vielzahl von Stillleben, in denen die Objekte, die nach der Zerstückelung wie zusammengesetzt erscheinen, mit einem Gleichen hergestellt werden Vorherrschen von Braun-, Grün- und Grautönen, wie zum Beispiel in: Violin and Palette (1909), Piano and Mandola (1909-10) und The Clarinet (1912). Diese Art der künstlerischen Auseinandersetzung folgt in den Werken des Synthetischen Kubismus, angereichert durch die Präsenz von Zahlen und Buchstaben, die um die Figuren angeordnet sind, um die ästhetische Erzählung mit erkennbaren figurativen Elementen zu „füttern“, die die klare Absicht verfolgen, sich davon zu distanzieren die Bewegung des Abstraktionismus. Schließlich ist es gut hervorzuheben, dass eine solche Wiederkehr von Braun auch in Picassos kubistischem Werk zu finden ist, so dass es möglich ist, zwei verwandte Gemälde der oben genannten Meister wie Ma Jolie (1911-12) und The zu vergleichen Portugiesisch (1911-12). Gerade in diesem Zusammenhang zeigt sich noch einmal, wie das Vorherrschen von Braun und Grau erneut mit dem Ziel genutzt wurde, die Realität um uns herum durch geschicktes Hell-Dunkel aufzubrechen und zu fragmentieren, um Bilder zu erzeugen, die zu komplex sind, um durch das bloße interpretiert zu werden Nutzung des Sehvermögens.

Ilya Volykhine, Kaituhi - Schreibblockade lll , 2022. Öl auf Leinwand, 140 x 120 cm.

Luis Guinea (Luison), Dna-Porträt. Ana Zubizarreta, 2002. Öl auf Leinwand.

Braun in der Kunst: von der Vorgeschichte bis heute

Die Präsenz von Braun in der Kunstgeschichte hat eine sehr alte Tradition; Tatsächlich wurde Umbra, ein natürliches Tonpigment aus Eisenoxid und Manganoxid, mit dem die oben genannte Farbe erhalten wurde, sowohl in prähistorischen Zeiten, dh in Gemälden aus dem Jahr 40.000 v an den Wänden der Lascaux-Höhle, die etwa 17.300 Jahre alt ist. Die Popularität der Herbstfarbe folgte im alten Ägypten, wo weibliche Figuren in Grabmalereien oft mit einem Hautton ausgeführt wurden, der durch die Verwendung von Schattenerde erzielt wurde. Solch ein "gebräunter" Teint war auch in der griechischen und römischen Welt erfolgreich, wo eine subtile rötlich-braune Tönung erzeugt wurde, die später von den größten Meistern der Renaissance verwendet wurde, hergestellt aus der Tinte verschiedener Tintenfische. Im Mittelalter hingegen wurde Braun, das mit den bescheidenen Gewändern der Franziskanermönche in Verbindung gebracht wird, selten in der Kunst verwendet, da hellere und königlichere Farbtöne wie Rot, Blau und Grün bevorzugt wurden. Das große Comeback der kastanienbraunen Farbe fand um das 17. Jahrhundert herum statt, als Größen wie Rembrandt diesen Farbton verwendeten, um Hell-Dunkel-Effekte zu erzeugen, aber auch, um einen Hintergrund zum Leben zu erwecken, in dem die Figuren mit großer Bedeutung auftauchten. Wenn man vom 19. und 20. Jahrhundert spricht, waren die Herangehensweisen an den oben genannten Farbton in dieser Zeit so unterschiedlich, dass Braun, das von den Impressionisten gehasst wurde, stattdessen von Gauguin, einem Maler, der leuchtend braune Porträts der Menschen schuf, sehr geliebt wurde und Landschaften Polynesiens. Schließlich setzt sich die Geschichte von Braun dank der originellen und beispiellosen Ansichten von Artmajeur-Künstlern wie Oleksandr Balbyshev, Radek Smach und Marc Mugnier bis in die Gegenwart fort.

Oleksandr Balbyshev, M elting Lenin , 2016, Öl auf Leinwand, 90 x 70 cm.

Oleksandr Balbyshev: Lenin schmelzen

Auf dem Gemälde des ukrainischen Malers Balbyshev erscheint Lenins Gesicht fragmentiert, als wäre es zuerst gemalt und später von der Oberfläche der braunen Leinwand gelöscht worden, Impulsen und Gründen folgend, die auf den ersten Blick unklar erscheinen. In Wirklichkeit spielt eine solche Art der Darstellung des Politikers, wie in der Beschreibung des Künstlers von Melting Lenin deutlich wird, auf den Einfluss an, den die marxistische und leninistische Ideologie auf die russische Kunstwelt hatte, und machte sie zu einem bloßen Medium politischer Propaganda, ohne jeglichen freie Entwicklung. Darüber hinaus fragt sich Balbyshev, indem er Lenin unsterblich macht, auch, wie die bildliche Untersuchung des besagten Landes verlaufen wäre, wenn es diese Zeit der Unterdrückung nicht gegeben hätte, eine Frage, die leider nicht beantwortet werden kann. Apropos Kunstgeschichte, andererseits ist bekannt, dass sogar Rembrandt braune Farbe als Hintergrund seiner Gemälde verwendete, tatsächlich erhielt das Auftragen einiger Schichten Bologna-Kreide und geglättetem Tierleim eine weiße Schicht Blei in Leinöl gemischt mit schwarzer Schattenerde oder gebrannter Siena.

Radek Smach, Braune abstrakte Malerei va766, 2019. Acryl auf Leinwand, 100 x 80 cm.

Radek Smach: Braune abstrakte Malerei

Braune abstrakte Malerei bringt eine ikonische Chromatik aus der Kunstgeschichte zurück, da das Werk mit Schattierungen hergestellt wurde, die denen in Autumn Rhythm (Number 30) , einem Gemälde von Jackson Pollock aus dem Jahr 1950, ähneln. In dieser "modernen Version" der Mitte des 20. Jahrhunderts wird auf das Prinzip der Dripping-Technik verzichtet, da die Farben regelmäßig und sorgfältig über den Malträger verteilt werden und nicht „zufällig“ von „unordentlichen“ Tropfen überlagert werden. Trotz dieser Unterschiede erinnert die Auferlegung von Brauntönen in beiden Arbeiten an die Atmosphäre des Herbstes, die bei Pollock bereits im Titel der Arbeit ausdrücklich erwähnt wird. Insbesondere Autumn Rhythm erinnert an diese Jahreszeit durch die energetische Bewegung, die durch die Kombination von Linien und Farbtropfen ausgelöst wird und fast darauf abzielt, die Vitalität einer Jahreszeit zu beanspruchen, die oft nur mit Winterschlaf oder süßem Schlaf in Verbindung gebracht wird. In der Arbeit des Artmajer-Künstlers hingegen deutet die einstudierte Komposition auf einen eher traditionellen Herbst hin, das heißt erdig, gemütlich und routinemäßig, geprägt von einer Atmosphäre, die zu Selbstbeobachtung, Rückbesinnung, Selbstfürsorge und Schutz drängt und darauf abzielt, den Herbst zu verändern individuell und erst im kommenden Frühjahr "erblühen" lassen.

Marc Mugnier, Sphäroid aus Holz, 2020. Holzskulptur, 40 x 40 x 40 cm.

Marc Mugnier: Sphäroid aus Holz

Mugniers kugelförmige Skulptur wurde durch das Zusammenfügen von Stücken aus gewachster Eiche geschaffen, mit dem Ziel, einige der Geheimnisse der Natur, die uns umgibt, zu enthüllen. Tatsächlich möchte der Künstler, der eine Verbindung mit der authentischsten Materie herstellt, gerade durch die Verwendung organischer Substanzen die Erinnerung an unseren Planeten übermitteln und ihn mit einer starken Botschaft des Friedens und des Respekts für die Welt, in der wir leben, begleiten live. Andererseits weist Mugnier im Hinblick auf die Beziehung, die der Betrachter zu Wooden Spheroid haben sollte, darauf hin, dass es neben der Botschaft zur Unterstützung der Natur keine anderen Absichten in seiner Arbeit gibt, als die freie Interpretation anzuregen des Betrachters. Schließlich erinnert die Arbeit des Artmajeur-Künstlers aus kunsthistorischer Sicht an Ben Butlers Skulpturen, die aus Hunderten von Holzstücken zusammengesetzt sind, die, in seltsamen Formationen angeordnet, keinem bestimmten Plan folgen, außer zu natürliche Formationen imitieren.