Was ist faszinierender als ein von ihm selbst angefertigtes Porträt eines Malers?
Im Laufe der Kunstgeschichte wurde das Selbstporträt schnell zu einer den Künstlern wohlbekannten Stilübung. Dies entspricht in der Tat zwei Zielen, zwei Absichten für den Maler: Erstens erlaubt ihm das Selbstporträt, auf ein triviales Bedürfnis nach Anerkennung zu reagieren. Auf diese Weise einen posthumen Erfolg oder eine tausendjährige Nachwelt vorwegnehmend, ermöglicht das Selbstporträt dem Künstler, der breiten Öffentlichkeit die Gesichtszüge zu bieten, die mit seiner Technik, seinem Stil oder seinen Ambitionen verbunden sind. Dieser Ansatz ermöglicht es ihm dann, sein Bild oder zumindest sein körperliches Erscheinungsbild perfekt zu kontrollieren: Künstler, Männer und Frauen, zeigen sich immer so, wie sie von anderen gesehen werden möchten, aber auch als "sie wollen sich von anderen unterscheiden". Sie.
1. Jan van Eyck, Der Mann mit dem roten Turban, 1433:
Der älteste
Öl auf Holz, 26 x 19 cm - London, The National Gallery
Vor dem 15. Jahrhundert galt der Künstler, wie wir ihn heute verstehen (ob Maler, Bildhauer oder Weber), als Handwerker und als solcher stand seine Kreativität im Dienste der High Society. Er produzierte für die Mächtigen und arbeitete nie für sich selbst: Um seine persönlichen Ziele zu erreichen, war er auf eine Hierarchie angewiesen. Dieser Mangel an Unabhängigkeit, der die individuellen Ambitionen der Künstler zunichte macht, erklärt, warum wir vor der Intervention von Jan Van Eyck im Jahr 1433 keine oder nur wenige Spuren von Selbstporträts finden.
Dieser flämische Primitive fühlte sich am Ende seines Lebens besonders wohl: 1430 wurde er zum Kammerherrn des Herzogs Philipp von Burgund (eine Art Luxus-Hausmeister ) ernannt und behielt seinen Platz als offizieller Maler der Stadt Brügge . Er geht damit einen großen Weg und wird immer mehr von seiner reinen Funktion als Handwerker , als Hofmaler befreit. So entstand 1433 das älteste eigenständige Selbstbildnis der Kunstgeschichte Europas. Wir entdecken das Gesicht eines Mannes , im Profil und in der Blüte des Lebens, mit einem ruhigen und lebhaften Blick, der den Betrachter fixiert. Auf seinem Kopf zeigt ein großer leuchtend roter Turban die technische Meisterschaft dieses großen belgischen Meisters.
2. Giorgone, Selbstbildnis in David, um 1510:
Das Geheimnisvollste
Öl auf Leinwand, 52 x 43 cm (angeschnitten) - Braunschweig, Herzog Anton Ulrich Museum
Kurz nach dem flämischen Eifer von Jan van Eyck versuchten sich in Italien viele Künstler an dieser Übung. Fra Filippo Lippi , Florentiner Maler der ersten Renaissance, integriert sein Gesicht diskret in bestimmte von ihm in Auftrag gegebene biblische Szenen (insbesondere Die Krönung der Jungfrau , um 1445).
Der Parmesan , ein junges Talent aus Parma, hat Spaß daran , sein jugendliches Gesicht im Herzen eines seltsamen Trompe-l'oeil ( Selbstporträt in einem konvexen Spiegel , 1523) darzustellen. Gleichzeitig beschließt auch Giorgione , der in Venedig arbeitet, sein Talent zu nutzen, um sich selbst zu repräsentieren. Das so in die Welt gesetzte Werk ( siehe oben ) wird mystisch gefärbt sein : Ein kaltes Gesicht, kaum sichtbar, ist schwer aus der undurchsichtigen Dunkelheit herauszubekommen.
Tatsächlich ist das Werk, wie wir es heute kennen, abgeschnitten : Es wurde verstümmelt, und diese Veränderungen haben die wirklichen Absichten dieses Selbstporträts verschwinden lassen . Dank eines Kupferstichs von 1650, der dieses noch intakte Gemälde wiedergibt, gelingt es uns noch heute, Giorgiones Absichten zu skizzieren: Ursprünglich hielt er Goliaths Kopf in der Hand und trat daher in der Rolle des biblischen Helden David auf. Dies ist das erste allegorische Selbstporträt in der Kunstgeschichte Europas , das vielen anderen talentierten Künstlern den Weg ebnen wird, wie Michelangelo ( Selbstporträt auf der Haut von Barthélémy ) oder Caravaggio ( David mit dem Kopf von Goliath ). . Leider starb Giorgione einige Monate nach der Aufnahme dieses Porträts , von der damals wütenden Pest weggefegt .
3. Catharina van Hemessen, Selbstbildnis an der Staffelei, 1548: Das erste weibliche Selbstbildnis
Tempera auf Holz, 32 x 25 cm - Basel, Kunstmuseum Basel
Abseits der alten Klischees vom Mann, der malende Künstlerin , und der Frau , der Muse, die inspiriert , konnten seit Beginn des 16. Jahrhunderts bestimmte Künstlerinnen die künstlerische Produktion beeinflussen . Dies ist insbesondere bei Catharina van Hemessen der Fall, deren Selbstbildnis mit Staffelei von 1548 eine frühe Manifestation davon ist.
Es ist das älteste bekannte Beispiel für ein Selbstporträt " an der Staffelei " , eine Stilübung, die von sehr berühmten Malern ( Rembrandt, Van Gogh, Caillebotte, Magritte ... um nur einige zu nennen) im Laufe der Zeit oft wiederholt wird . sie!). Wir entdecken eine selbstbewusste Frau , die uns mit allen Zeichen einer blühenden Kreativität beobachtet : Staffelei, Palette, Spachtel, antike Großbuchstaben und kreuzförmig angeordnete Pinsel.
Kein Zweifel: Diese Frau ist mächtig!
4. Antoine van Dyck, Selbstbildnis mit Sonnenblume, um 1635: Am sarkastischsten
Öl auf Leinwand, 60 x 73 cm - London, Duke of Westminster Collection
Wie Jan van Eyck war auch Antoine van Dyck ein Superstar seiner Zeit : Der flämische Barockkünstler wurde zuerst in Flandern und dann in Italien berühmt , bevor er in England offizieller Hofmaler wurde . Nach diesem erfolgreichen europäischen Epos malte sich dieser berühmte Porträtmaler um 1635 als Adliger im Gespräch mit einer Sonnenblume . Viel mehr als eine einfache, lässige Komposition symbolisiert diese Sonnenblume den König von England Charles 1st .
Es wendet seine Krone dem Maler zu, als wäre es die Sonne ! Diese besondere Anordnung verkörpert daher königliche Gunst. Gleichzeitig zeigt der Künstler mit der rechten Hand auf die Blume und spielt mit der linken Hand mit ihrer schweren Goldkette , die ihm der König kurz zuvor als Zeichen der Veredelung geschenkt hatte. Innerhalb desselben Werkes gelingt es dem Künstler also, seinen persönlichen und beruflichen Erfolg zwischen künstlerischem Ruhm und königlichem Prestige zu synthetisieren, während er mit dem Betrachter diskutiert und sich über den Monarchen lustig macht.
5. David Bailly, Selbstporträt mit Symbolen der Eitelkeit, 1651: Das intellektuellste
Öl auf Leinwand, 89,5 x 122 cm - Leiden, Museum De Lakenhal
Der Leidener (Niederlande) Künstler David Bailly demonstriert in diesem Werk, dass es für einen genialen Maler wie ihn leicht sein kann, gleichzeitig ein großartiges Stillleben und ein großartiges Selbstporträt zu realisieren . Die gute Handwerkskunst dieser Leinwand ist jedoch nur die erste Wahrnehmung eines Werkes voller Details und Feinheiten : Wir entdecken einen Maler, der am Ende eines Tisches sitzt, in seiner Werkstatt voller Gegenstände aller Art: Skulpturen und künstlerischer Schmuck, Schmuck , Accessoires, Totenkopf, Sanduhr, antike Schriftrollen, Seifenblasen, die zum Platzen bereit sind… Dieses Gemälde strotzt nur so vor Symbolen der Eitelkeit : eine allegorische Darstellung der vergehenden Zeit und vor allem des Todes.
Als er dieses Werk produzierte, war David Bailly 67 Jahre alt . Er ist nicht mehr dieser stolze und kräftige junge Mann, der uns seine Reliquiensammlung zeigt. Tatsächlich findet sich die Lösung dieses Rätsels in den beiden ovalen Porträts: Wir entdecken das echte Porträt von Bailly sowie das seiner Frau daneben. Der Künstler stellte sich daher rückblickend so dar , wie er sich vor 40 Jahren sah. Dieses Selbstporträt ist für seinen Autor ein Blick in die Vergangenheit , obwohl wir darüber nachdenken, wie ein Künstler uns seine Zukunft enthüllt .
6. Vincent van Gogh, Selbstporträt mit dem verbundenen Ohr, 1889: Das Ungewöhnlichste
Öl auf Leinwand, 60 x 49 cm - London, The Courtauld Institute of Art
Wie man sich ikonischen Selbstporträts nähert, ohne Van Gogh zu erwähnen! In zehn Jahren Arbeit entstanden über 43 Selbstporträts des niederländischen Malers , eines erhabener und absurder als das andere.
Dieses Selbstporträt aus dem Jahr 1889 ( ein Jahr vor seinem Tod ) entstand nach den tragischen Ereignissen in Arles . Am 23. Dezember 1888 brach ein Streit mit seinem Freund und Kollegen Paul Gauguin aus . Von Wut ergriffen und in einem fortgeschrittenen Rauschzustand verlässt Van Gogh die Werkstatt und wandert durch die Stadt, bevor er in einem bekannten Bordell strandet. Mit einer Rasierklinge bewaffnet, beschließt er, sein Ohr abzuschneiden , um es Rachel, einer von ihm geschätzten Prostituierten, als Reliquie anzubieten. Dann stolperte er nach Hause, bevor er von der Polizei gefunden wurde, die ihn zur Behandlung ins Krankenhaus brachte. Die Ärzte diagnostizierten bei ihm eine Alkoholkrise, gemischt mit schizophrener Selbstverstümmelung : Bald ist das Ende dieses dekadenten melancholischen Genies, und in voller Genesung realisiert er dann dieses Werk , in dem wir ein hageres Gesicht entdecken Aussehen und einen blassen Teint. Hinter ihm sehen wir einen japanischen Stich: Es ist Die Geisha in einer Landschaft von Sato Torakiyo . Als großer Bewunderer der asiatischen Kunst und insbesondere der japanischen Druckgrafik ( ukiyo-e ), die er in Paris entdeckte, wird ihn diese neue Art der Farb- und Kompositionsgestaltung durch sein Spätwerk begleiten. Van Gogh, ein von zerstörerischen Eskapaden gequälter Künstler , fühlte sich beim Malen wirklich selbst. Es besteht kein Zweifel, dass seine Selbstporträts die Kunstgeschichte für immer prägen werden.
7. Frida Kahlo, Selbstporträt mit abgeschnittenem Haar, 1940: Das Intimste
Öl auf Leinwand, 40 x 27,9 cm - New York, Museum of Modern Art
Wie bei Van Gogh ist es schwierig, eine Klassifizierung der emblematischsten Selbstporträts zu erstellen, ohne die erstaunlichste mexikanische Künstlerin zu nennen : Frida Kahlo . Von den 150 Gemälden, die sie in ihrem Leben schuf, gibt es mindestens 55 Selbstporträts .
Der Hauptzweck dieser Selbstdarstellungen war es , die verschiedenen Tumulte ihres Daseins auszudrücken , da ihr Leben eine Prozession von Tragödien und Unglücken war : Verkehrsunfall, Fehlgeburten, ehelicher Schiffbruch, Eifersuchtskrisen, Alkohol- und Alkoholprobleme. .
Dieses Selbstporträt von 1940 kommt kurz bevor die Künstlerin an ihr Krankenhausbett genagelt wurde und wirklich unter ihrer Behinderung litt. Trotzdem folgt die brutale Trennung zwischen Frida und Diego Rivera , ihrem Seelenverwandten, die sie zur Verzweiflung brachte. Wir finden sie mitten in einem leeren Raum sitzend, gekleidet in ein dunkles und viel zu großes Kostüm, eine Schere in der rechten Hand und überall verstreute Haarsträhnen. Vor allem wirft sie einen ruhigen, stolzen und trotzigen Blick auf den Betrachter .
Während ihr majestätisches und langes Haar Teil ihrer Legende war, warum sollte man so etwas tun?
Oben in der Komposition entdecken wir die Partitur eines mexikanischen Liebesliedes: „ Schau, wenn ich dich liebte, war es für deine Haare; Jetzt, wo du rasiert bist, liebe ich dich nicht mehr . ". Generell sind Vernachlässigung ( Scheidung ) und Haarschnitt ( Attraktivitätsverlust ) gleichbedeutend mit Schande und Demütigung . Doch Fridas Pose und ihr stolzer Blick stimmen mit diesen Behauptungen nicht überein . Die Botschaft, die sie uns vermitteln möchte, ist sicherlich positiver: Nur mit freiwilligem Selbstbewusstsein gewinnen wir unsere verlorene Würde zurück . Verdammt die alten Dogmen geholt, Frida und ihre getönte Rolle der Weiblichkeit und Schönheit unterwürfig, erreicht eine wohlverdiente Beruhigung, die wir seine Persönlichkeit allein durch die Linse der Kreativität und Freiheit des Seins beurteilen werden. Dieses Selbstporträt ist eine Puppe, durch die der Künstler eine Mutation seines Lebensweges betreibt.
8. Felix Nussbaum, Selbstbildnis mit jüdischem Pass, ca. 1943: Das dramatischste
Öl auf Leinwand, 56 x 49 cm - Osnabrück, Felix Nussbaum-Haus
Dieses Selbstporträt von 1943 respektiert keinen der Kodizes der traditionellen Selbstdarstellung . Wir entdecken dort einen Mann, der uns so nahe ist, dass es uns möglich ist, seine Barthaare in einer nicht statischen Position zu sehen: er nimmt den Betrachter mit , in einer Flucht, die zu nichts zu führen scheint als die Aussicht auf eine unpassierbare Mauer . Zwei Elemente liefern uns den Kontext: Auf der rechten Schulter des Models, unterhalb des Mantelkragens, den er wie um auf uns hinweisen wollte, entdecken wir einen Davidstern , ein Symbol für die Stigmatisierung der Juden während der Nazi-Unterdrückung . In seiner rechten Hand hält er einen Pass, auf dem die Aufschrift „ JUFF – JOOD “ zu lesen ist. Zweifellos stehen wir den Gräueltaten des Zweiten Weltkriegs in Begleitung eines Mannes gegenüber, der wegen seines Glaubens und seiner Zugehörigkeit verfolgt und willkürlich eingesperrt wird.
Felix Nussbaum , Autor dieses tragischen Selbstporträts, war selbst ein Opfer des NS-Regimes. 1904 in Osnabrück (Deutschland) in eine jüdische Familie geboren, war er 1933 ausgewandert. 1941 versteckte er sich in Brüssel und produzierte seine Werke diskret , in Kellern oder Dachböden mit dem strengsten Minimum. Trotz allem behält er seine Energie, die ständige Angst, entdeckt zu werden, stimuliert seine Kreativität . So werden seine Werke von Angst, Geheimhaltung und Flucht geprägt sein. Mit diesem Selbstporträt (wie auch vielen seiner Arbeiten) hinterlässt er ein eindringliches Zeugnis vom entsetzlichen Schrecken seiner Situation und bietet uns eine vernichtende Botschaft: Auch wenn alles aussichtslos erscheint, dürfen wir nicht aufgeben, denn das in Nicht-Entsagung Würde bleibt . Leider hat sich seine Hoffnung auf Überleben nie erfüllt. Einige Monate später wurden er und seine Frau denunziert, verhaftet und nach Auschwitz deportiert, wo sie 1944 ermordet wurden.
Zusammenfassend lässt sich sagen, dass diese Klassifizierung offensichtlich nicht erschöpfend ist. (Viel zu) viele Künstler haben mit ihren köstlichen (und manchmal beunruhigenden) Selbstporträts die Kunstgeschichte geprägt . Einige Genies wie Albrecht Dürer, Rembrandt, Francis Bacon, Diego Rivera oder sogar Egon Schiele haben zarte und tiefe Werke geschaffen, die ihre innere Persönlichkeit durch die Erscheinung ihrer Körperhülle ausdrücken. Wenn Ihnen diese Auswahl gefallen hat, bleiben Sie dran, denn wir bereiten bereits mehrere andere Artikel vor, die sich mit emblematischen Werken der Kunstgeschichte befassen. Auch wenn Sie Porträts mögen, egal ob sie einfach elegant oder intensiv tiefgründig sind, laden wir Sie ein, unsere Porträtsammlung unter 1000 € zu entdecken, die Porträts talentierter Künstler aus unserer Plattform zusammenführt.
Bastien Alleaume
Content Manager - Artmajeur Online Art Gallery
Bastien Alleaume (Crapsule Project)