Modigliani-Bildhauer vs. Modigliani-Maler

Viele große Meister der Kunstgeschichte haben ihre Ansichten über die Realität zum Ausdruck gebracht, indem sie sowohl mit bildlicher als auch mit skulpturaler Kunst experimentiert haben, so wie Pablo Picasso, Umberto Boccioni, Max Ernst, Edgar Degas, Joan Miró und andere. Trotz der unterschiedlichen technischen Herangehensweisen an die beiden Disziplinen hat derselbe Künstler in den meisten Fällen, in denen er an mehreren Projekten beteiligt war, oft die Existenz einer eindeutigen, klar definierten und linearen Weltanschauung manifestiert, so wie der „Fall“ Modigliani veranschaulicht. Um das eben Gesagte zu verdeutlichen, genügt es, den Frauenkopf (1912), eine der bekanntesten toskanischen Skulpturen, mit dem gefeierten malerischen Meisterwerk Elvira mit weißem Kragen (1917) zu vergleichen und gleichzeitig zu nehmen Betrachten Sie ein Werk "auf halbem Weg" zwischen diesen beiden Techniken, wie die Karyatide Red Bust (1913). In Bezug auf die Skulptur aus dem Jahr 1912 ist es wichtig, eine kleine Klammer zu öffnen, um hervorzuheben, wie sich der Leghorner Künstler zwischen 1911 und 1913 hauptsächlich der Bildhauerei widmete, inspiriert vom Beispiel des Rumänen Brancusi, einem Meister, den Amedeo in Paris kennenlernte. Trotz Modiglianis Vorliebe für letztere Kunst konnte er sich ihr nur für den genannten Zeitraum widmen, da die bei der Herstellung der Skulpturen anfallenden Pulver für seine Tuberkulose schädlich waren. Um auf den Frauenkopf zurückzukommen , könnte das Werk, wie die meisten Skulpturen des Künstlers, durch die Ausführung einer vorbereitenden Zeichnung vorweggenommen worden sein, die wahrscheinlich aus scharfen, prägnanten Linien bestand, die, hauptsächlich symmetrisch, teilweise mit architektonischen Stilmerkmalen verbunden waren. Im Anschluss an den Entwurf wurde das skulpturale Material in der Regel von Leghorn bearbeitet, um durchdachte Lösungen zu generieren, die durch Kahlschlag deutlich gegen den Trend der weiter verbreiteten Gusstechnik verstoßen. Kurz die stilistischen Merkmale des oben erwähnten Meisterwerks beschreibend, die allgemein zu Modiglianis Sandsteinarbeiten gehören, zeigt der Frauenkopf ein spitz zulaufendes Gesicht, das scheinbar unvollendet ist, da es auf einer unpolierten Oberfläche skizziert ist, auf der eine dünne Nase, ovale Augen ohne Pupillen, ein schmales Kinn und ein dünner, zylindrischer Hals fallen auf.

Amedeo Modigliani, Frauenkopf , 1912. Skulptur, 68,3 × 15,9 × 24,1 cm. MET: New York.

Amedeo Modigliani, Elvira mit weißem Kragen, ca. 1917. Öl auf Leinwand, 92 x 65 cm. Paris: Sammlung Jonas Netter.

Solche Stilmerkmale charakterisieren auch die Serie der Karyatiden, die ab 1912 das erwähnte klassische Thema sowohl bildhauerisch als auch bildnerisch aufgreift. Tatsächlich offenbart die sehr rote Büste von 1913, die durch das Auftragen von Ölfarben auf Karton geschaffen wurde, eine tiefe Verbindung zwischen den beiden Techniken, die in der stilisierten, synthetischen und frontalen Figur des Protagonisten zu finden ist, die ein extrem verlängertes Gesicht und Hals aufweist . Andererseits, wenn man von einem späteren Meisterwerk spricht, wiederholt sich die Verbindung zwischen malerischem und skulpturalem Schaffen in Elvira mit einem weißen Kragen (1918), einem Ölporträt einer jungen Frau, die in der Mitte eines Raumes sitzend festgehalten wird wie sie darauf bedacht ist, den Betrachter mit ihren blinden Augen anzustarren. Genau in diesem Zusammenhang tauchen die stilisierten, spitz zulaufenden Gesichter des italienischen Meisters wieder auf und er hat hart daran gearbeitet, einen neuen Kanon der Schönheit zu generieren. An dieser Stelle stellt sich die Frage: Wodurch wurden Modiglianis besondere Stilmerkmale inspiriert? Der Leghorn-Künstler verstand es, diesem „Wind“ afrikanischer Einflüsse eine Stimme zu verleihen, die sich im Paris seiner Zeit ausbreiteten und auch Meister wie Picasso und Brancusi animierten, die ihre stilistischen Merkmale „exemplifizierten“, indem sie sich an synthetischeren anlehnten und primitive exotische Standpunkte. Infolgedessen können Amedeos langgestreckte und stilisierte Gesichter als eine Art "Aktualisierung" der traditionelleren afrikanischen Masken interpretiert werden, in die auch Beispiele aus der kykladischen, sumerischen, ägyptischen und griechischen Kunst integriert wurden, die den Toskanern am Herzen liegen.

Claude Grand, Hellen, 2019. Acryl auf Leinwand, 70 x 50 cm.

Daniel Gomez, Homage to Modigliani #1 , 2021. Beton auf anderem Träger, 58 x 21 x 18 cm / 18,00 kg.

Schwerpunkt: Einflüsse afrikanischer Kunst.

Ende des 19. Jahrhunderts wurde die Rationalität des Positivismus durch einen Impuls ersetzt, der auf eine stärkere Betonung einer echteren Rückkehr zur Spiritualität, Symbolik und den tiefen Manifestationen der menschlichen Seele abzielte. Ein solcher ästhetischer und philosophischer Kontext beeindruckte die Künstler der Pariser Schule zutiefst, die wie Picasso, Modigliani und Matisse gerade in der exotischen Kunst ein Mittel sahen, um eine Rückkehr zu einer echteren Spiritualität und Introspektion zum Ausdruck zu bringen. Folglich wurden sowohl der Afrikanismus als auch der Exotismus im Allgemeinen von den oben genannten gefördert, die sie zum ersten Mal als authentische künstlerische Ausdrucksformen sahen, die nun weit davon entfernt waren, bloße Werke von Kulturen zu sein, die kolonisiert werden sollten. Sicherlich wurde eine solch wichtige Neuerung des ästhetischen Kanons durch den Kontakt der Künstler mit der Institution des Trocadero-Museums aus dem 19. Jahrhundert begünstigt, einem Ort, an dem die von Picasso so gefeierten afrikanischen Masken aufbewahrt wurden. Obwohl es klar scheint, dass afrikanische Kunst eine grundlegende Rolle in der Entwicklung der westlichen figurativen Kultur gespielt hat, die auch in späteren Bewegungen wie der Moderne und der Brücke zu finden ist, ist ihre Funktion immer noch wenig bekannt und geschätzt. Um stattdessen diesen wichtigen Primitivismus zu würdigen, lohnt es sich, die Wirkung hervorzuheben, die Modiglianis Afrikanismus bis heute auf Artmajeur-Künstler wie beispielsweise Sibilla Bjarnason, Helen She und Anna Zhuleva ausübt.

Sibilla Bjarnason, Modigliani revisited, 2018. Collage / Acryl auf Leinwand, 99 x 81 cm.

Sibilla Bjarnason: Wiedersehen mit Modigliani

Sinnlichkeit liegt mehr als in einem nackten Körper in der Möglichkeit, ihn sich als solchen vorzustellen, bezogen auf all jene Eigenschaften, die wir in unserem persönlichen Schönheitsempfinden anziehend finden. Faszination wird auch durch die Betrachtung eines einfachen nackten Hautstreifens vermittelt, der den Betrachter dazu verleiten könnte, die Erzählung vom Ausziehen in seinem Kopf fortzusetzen. Diese Konzepte scheinen die träge Frauenfigur, die durch den Pinsel verewigt wurde, mit Erotik zu beleben Sibilla Bjarnason, eine Künstlerin, die im Titel der Arbeit selbst deutlich auf Amedeo Modigliani Bezug nimmt und ihn zum Bezugspunkt ihrer figurativen Untersuchung krönt. Tatsächlich ist die Figur des Künstlers in Artmajeur, einer Neuinterpretation des Ölgemäldes „Akt auf einem Sofa“ des toskanischen Meisters aus dem Jahr 1917, offensichtlich. Darüber hinaus ist es gerade beim Thema des weiblichen Körpers wichtig, daran zu erinnern, dass Amedeos erste Einzelausstellung von 1917 weibliche Akte zum Thema hatte. Tatsächlich sah die vom Kunsthändler Léopold Zborowski organisierte Veranstaltung in den Fenstern der Galerie von Berthe Weill die Ausstellung einer Reihe von unbekleideten weiblichen Körpern vor, die entschieden weit von den konventionellen Kanons der Zeit entfernt waren und die allgemeinste Empörung hervorriefen. Diese Stimmung gipfelte in der Ankunft von Strafverfolgungsbeamten, die Weil aufforderten, die Fensterläden herunterzulassen, weil die abgebildeten Frauen, für die damalige Zeit unentschuldbar, Haare auf ihren Körpern zeigten.

Helen She, Pop Modigliani , 2021. Acryl / Marker / Collage auf Leinwand, 50 x 70 cm.

Helen She: Pop Modigliani

Der Modigliani-Mythos lebt auch im Werk von Helen She wieder auf, wo die Pop-Stylings der 2021 datierten Neuverfilmung ein bekanntes Meisterwerk der Kunstgeschichte wie Reclining nude (on the left side) (1917) ins Kommerzielle verwandeln stilisiertes Bild einer gewundenen "Soubrette" unserer Zeit. Wahrscheinlich zielt die Vereinfachung, die der Protagonist von Pop Modigliani erleidet, vielleicht in Anspielung auf die moderne hohe Kapazität der Bildwiedergabe, auch darauf ab, eine einfachere und schnellere "Zugänglichkeit" von Ikonen der Kunstwelt zu feiern. Tatsächlich ist der Liegende Akt (auf der linken Seite) selbst als der größte Akt einer Frau bekannt, der von Modigliani geschaffen wurde, einem Meister, der sich mit der Darstellung des weiblichen Bewusstseins verschwendete und die eher bloße Illustration bloßer Musen vermied. Trotz der Intensität der zahlreichen weiblichen Figuren, die Amedeo zugeschrieben werden, war die einzige Frau, mit der der Künstler jemals eine dauerhaftere Verbindung hatte, Jeanne Hebuterne, die, da sie vom Herzen des Italieners „besessen“ wurde, nie ohne Schleier auftritt. Daher ist Amedeos Begleiterin in der provokativen Pose des Models im Liegenden Akt (links) nicht mehr wegzudenken, deren „Skrupellosigkeit“ auch aus dem intensiven Blick herausgeschnitten wird, den sie dem Betrachter zuwirft.

Anna Zhuleva, Pop-Art Modigliani-Porträt , 2020. Acryl auf Leinwand, 80 x 60 cm.

Anna Zhuleva: Pop-Art Modigliani-Porträt

Die stilistischen Merkmale der Pop-Art interpretieren durch ihre typischen und umfangreichen Hintergründe aus lebendigen Farben ein weiteres Meisterwerk der Kunstgeschichte neu, das von Amedeo Modigliani signiert wurde und Jeanne Hébuterne, die Frau, die er am meisten liebte, zum Thema hat. Das Porträt mit dem besagten Hut, datiert 1918, ist Teil einer Werkserie, die seiner Gefährtin, einer Muse, gewidmet ist, die Amedeo auf vielfältige Weise porträtiert hat, aber immer mit dem Ziel, sie als zeitlose Figur mit gestreckter Gestalt erscheinen zu lassen Gesicht und ein melancholischer Blick. Die Intention des italienischen Künstlers ist es, eine solche Frau zum Ideal weiblicher Schönheit schlechthin zu erheben, so sehr, dass er dem Betrachter bei manchen Gelegenheiten sogar erlaubt, ihre Pupillen zu entdecken. Es ist bekannt, dass Modigliani eigentlich nur die Augen der Bildnisse vervollständigte, deren Seelen er kannte, damit die „sehende“ Jeanne die Tiefe ihrer Verbundenheit verstehen lässt. Leider führte eine solche Intensität zu einer Tragödie, da sich die Frau nach Amedeos Tod im Alter von nur zweiundzwanzig Jahren und schwanger aus dem fünften Stock eines Gebäudes stürzte, da sie die Trennung der Größten nicht ertragen konnte und einzige Liebe ihres Lebens.