Fernando Botero Angulo – Roel Wijnants – Flickr, über Wikipedia.
Fernando Botero, der gefeierte kolumbianische Künstler, der für seine weltweit anerkannten Leinwände bekannt ist, die mit rundlichen, hochrangigen Persönlichkeiten geschmückt sind, und dessen Werk den Weg für zahlreiche lateinamerikanische Künstler ebnete, ist im Alter von 91 Jahren verstorben.
Laut seiner Tochter Lina Botero, die mit dem kolumbianischen Radiosender Caracol sprach, starb ihr Vater am Freitag, dem 15. September, in seiner Residenz in Monaco, als er an einer Lungenentzündung erkrankte.
Boteros Kunstwerke mit kolumbianischen Regierungsvertretern und Geistlichen haben weltweite Anerkennung gefunden. Er bemerkte einmal, dass es in seiner Heimat kaum eine vergleichbare Kunstfertigkeit gegeben habe, als er in den 1950er-Jahren damit begann, sie zu schaffen. Zu dieser Zeit hatte die europäische Malerei der Moderne in Kolumbien noch keine breite Anerkennung gefunden.
Seine molligen, runden Formen, die sich durch große Arme, kräftige Mittelteile und kräftige Oberschenkel auszeichnen, sind unverkennbar zum Synonym für Boteros unverwechselbaren Stil geworden. Anschließend übersetzte er diese korpulenten Figuren in dreidimensionale Skulpturen und platzierte sie gelegentlich im öffentlichen Raum, wo sie den Betrachter überragten.
Zunächst diskutierten Kritiker darüber, ob diese Figuren angesichts der bewusst schwer fassbaren politischen Untertöne in Boteros Werk als satirische Parodien gedacht waren.
„Boteros Satire ist nicht plump, aber dennoch eindeutig, denn seine Bilder funktionieren letztlich wie Träume und nicht wie bloße Karikaturen“, bemerkte Peter Schjeldahl einmal. „Seine skurrilen, fleischlichen Monstrositäten haben etwas, das sich intim und vertraut anfühlt, eine subtile beunruhigende Erinnerung an das Selbst in einer seiner ursprünglichen Formen.“ Er sagte voraus, dass Boteros Kunst eine „Renaissance“ in der lateinamerikanischen Kunst auslösen würde.
Liegende Frau mit Früchten in Bamberg – Gerd Eichmann, über Wikipedia.
Als jedoch die Mitte der 2000er Jahre begann und sich Boteros künstlerisches Repertoire auf den anhaltenden Konflikt zwischen Guerillagruppen in Kolumbien und die Darstellung von Folterszenen aus dem Gefängnis Abu Ghraib im Irak ausdehnte, wurde immer deutlicher, dass seine Arbeit eine tiefere politische Resonanz hatte als einige hatten es zuvor erkannt.
„Sie hören von diesen Vorfällen, dieser Gewalt, und sie hinterlässt einen tiefgreifenden Eindruck bei Ihnen“, sagte er der New York Times. „Als Künstler fühlt man sich gezwungen, über diese harte Realität nachzudenken.“
Im Gegensatz dazu sind die Stücke, die ihn ab den 1960er Jahren berühmt machten, in ihrem sozialen Kommentar deutlich weniger offenkundig. Sein Meisterwerk „The Presidential Family“ aus dem Jahr 1967, das sich derzeit im Museum of Modern Art in New York befindet, porträtiert den kolumbianischen Führer dieser Zeit zusammen mit seiner Ehefrau und anderen Weggefährten. Sie liegen inmitten malerischer Berge, scheinbar losgelöst vom größeren nationalen Kontext. In einer Botero-artigen Note ist im Hintergrund eine Figur zu erkennen, die dem Künstler selbst ähnelt, eine Anspielung, die an Velázquez‘ Einbeziehung seines eigenen Abbilds in einige seiner Werke erinnert.
„Dancing in Colombia (1980)“, ein Gemälde, das derzeit im Metropolitan Museum of Art ausgestellt ist, weist noch weniger Komplexitätsebenen auf. Es fängt die Essenz zweier Personen ein, die unter einer distanzierten, über ihnen spielenden Band schwanken. Das Vorhandensein verstreuter Zigaretten auf dem Boden ist der einzige Hinweis darauf, dass die Feierlichkeit anhält.
Boteros Oeuvre steht oft in einem intensiven Dialog mit jahrhundertelanger Kunstgeschichte. Zu seinen Motiven gehören üppige Frauen, die sich beim Blick in den Spiegel sorgfältig die Haare trocknen und damit auf eine unzählige Jahre zurückreichende Linie weiblicher Aktdarstellungen verweisen. Darüber hinaus lassen sich seine prallen Madonnas und vergrößerten Figuren von renommierter spanischer Kunst inspirieren. Mit der Darstellung dieser Figuren in veränderten Proportionen setzt sich Botero über historische Konventionen hinweg und huldigt ihnen gleichzeitig zärtlich.
Fernando Botero, geboren 1932 in Medellín, Kolumbien, hatte eine Kindheit ohne künstlerische Betätigung. In seinen eigenen Worten erinnerte er sich: „In meiner Stadt gab es keine Museen, keine Galerien, überhaupt keine Informationen über Kunst“, wie er 1985 in einem Interview mit Ingrid Sischy vom Artforum mitteilte. „Wir hatten ein Gemälde der Jungfrau Maria im Wohnzimmer. Das war’s. Die einzige andere Kunst, die ich als Kind sah, waren die Bilder, die in der Kirche hingen und aus der Kolonialzeit stammten. Es waren Kopien europäischer Drucke.“ oder Gemälde.“
Als Teenager träumte er davon, Stierkämpfer zu werden und besuchte eine Schule, die sich diesem Beruf widmete. In dieser Zeit begann er, Aquarelle und Zeichnungen anzufertigen, die von den Stierkampfszenen inspiriert waren, die er miterlebte. Einige dieser frühen Werke zeigte er einem Ladenbesitzer in Medellín, der sie anschließend verkaufte. Diese Erfahrung war für Botero ein Wendepunkt und ließ ihn erkennen, dass eine Karriere in der Kunst ein gangbarer Weg war.
La mano Madrid, Paseo de la Castellana – Manuel González Olaechea, über Wikipedia.
Als er im Alter von 16 Jahren eine katholische Schule in Medellín besuchte, verfasste er einen Artikel über Picasso, den Kubismus und das, was er als „Zerstörung des Individualismus in der modernen Gesellschaft“ bezeichnete, ein Konzept, das ihm in der marxistischen Literatur begegnet war. Diese intellektuelle Auseinandersetzung führte zu seinem Ausschluss von der Schule.
Drei Jahre später erreichte Botero einen bedeutenden Meilenstein, indem er einen nationalen Kunstpreis im Wert von 7.000 US-Dollar gewann. Mit dieser Auszeichnung begab er sich auf eine Reise nach Europa, wo er Anfang der 1950er Jahre in Florenz Freskenmalerei studierte und sich mit Kunstgeschichte befasste. Sein Kontakt mit jahrhundertelanger europäischer Kunst erwies sich als tiefgreifende Offenbarung und inspirierte Botero dazu, eine Kunstform zu schaffen, die seiner Meinung nach in Kolumbien weitgehend fehlte.
1960 machte sich Fernando Botero auf den Weg nach New York City. Die Kunst, die er in dieser Zeit schuf, unterschied sich deutlich von der vorherrschenden Pop-Art-Bewegung, die sich auf die Darstellung von Konsumgütern und Kommerz konzentrierte. Boteros künstlerische Vision unterschied ihn weiterhin von den damals vorherrschenden westlichen Trends. Erst 1972 erlangte er in der Stadt, die er später sein Zuhause nennen sollte, große Anerkennung.
Während zahlreiche Kunstwerke Boteros in amerikanischen Museen zu Hause sind, befindet sich ein erheblicher Teil seiner bedeutendsten Werke im Botero-Museum in Bogotá und im Museo de Antioquia. Im Jahr 2000 schenkte er diesen Institutionen großzügig Hunderte von Werken, sowohl seine eigenen als auch die Werke anderer Künstler.
Boteros von den Ereignissen in Abu Ghraib inspirierte Gemäldeserie, die er 2005 begann, wurde in den späteren Phasen seiner Karriere als bemerkenswerte Leistung gefeiert. Diese Werke stellen einige der unerschütterlichsten und eindringlichsten Darstellungen der Gewalt dar, die Angehörige des US-Militärs gegen Häftlinge im Irak anrichten. Sie zeigen Nahaufnahmen gefesselter und blutiger Füße und Hände sowie drastische Bilder von Hunden, die nackte Gefangene angreifen. Eine beträchtliche Anzahl dieser Stücke befindet sich derzeit im Berkeley Art Museum in Kalifornien.
In der Kritik dieser Werke wird häufig anerkannt, dass sie zwar nicht den Status von Meisterwerken erlangen, ihre Bedeutung jedoch unbestreitbar bleibt. Wie die Kritikerin Roberta Smith feststellte: „Es sind vielleicht keine Meisterwerke, aber das spielt vielleicht keine Rolle. Sie gehören zu Herrn Boteros besten Werken, und in einer Kunstwelt, in der es kaum Reaktionen auf den Irak-Krieg gibt – ob wörtlich oder verschleiert –, sind sie es.“ auffallen."
Botero vertrat stets die Auffassung, dass sein künstlerisches Schaffen als eine Form des Protests diente, nicht nur gegen zeitgenössische Themen, sondern auch als Protest gegen den jahrhundertelangen Kolonialismus in Lateinamerika. In seinen Worten aus dem Artforum-Interview: „Ich möchte von niemandem kolonisiert werden und das Gefühl haben, dass lateinamerikanische Kunst für mich definiert wird. Kunst sollte unabhängig sein. Dies ist der Beginn echter Unabhängigkeit; nur dann kann man sie erreichen.“ Unabhängigkeit im Denken, in der Haltung, im Ausdruck.“
Olimpia Gaia Martinelli