Maguire beim Toronto International Film Festival 2014, über Wikipedia.
Wer ist Tobey Maguire?
Tobias Vincent Maguire, geboren am 27. Juni 1975, ist ein US-amerikanischer Schauspieler und Filmproduzent. Von 2002 bis 2007 übernahm er die Hauptrolle in Sam Raimis Spider-Man-Trilogie und kehrte 2021 zurück, um die Figur noch einmal in Spider-Man: No Way Home zu verkörpern.
Maguire begann seine Karriere mit Nebenrollen in Filmen wie „This Boy's Life“ (1993), „The Ice Storm“, „Deconstructing Harry“ (1997) und „Fear and Loathing“ in Las Vegas (1998). Zu seinen prominenten Rollen zählen „Pleasantville“ (1998) und „Ride with the Devil“ (1998). 1999, The Cider House Rules 1999, Wonder Boys 2000, Seabiscuit 2003, The Good German 2006, Brothers 2009, The Great Gatsby 2013 und Pawn Sacrifice 2014.
Für seine außergewöhnliche Leistung in „Brothers“ erhielt Maguire 2009 eine Golden Globe Award-Nominierung. 2012 gründete er seine eigene Produktionsfirma namens Material Pictures und trug zur Koproduktion von „Good People“ im Jahr 2012, „Pawn Sacrifice“ im Jahr 2014 und „Babylon“ bei 2022.
Tobey Maguire in Los Angeles mit dem ehemaligen Präsidenten der Vereinigten Staaten Barack Obama und den Schauspielern Don Cheadle und George Clooney sowie den beiden engen Freunden des letzteren, über Wikipedia.
Ein Sammler wie sein Freund Leonardo DiCaprio
Tobey, ein enger Weggefährte von Leo, ist ebenfalls mit der Kunstszene bestens vertraut. Er wurde auf der New York Armory Show und der Art Basel Miami gesehen. Im Jahr 2007 erwarb er bei seinem Besuch dort ein Werk des japanischen Künstlers Kaz Oshiro. Im selben Jahr sicherte er sich auch eine Zeichnung von Mark Ryden im Rahmen einer stillen Auktion, die von der FRESH-Initiative des MoCA veranstaltet wurde. Im Jahr 2010 führte Tobey für die Seiten des Interview Magazine ein Interview mit dem Graffiti-Künstler KAWS.
Maguire begrüßt Fans bei einer Spider-Man 3- Premiere über Wikipedia.
Kino, Kunst und Mode
Im Jahr 2013 führte Vogue Italia ein Interview mit „Spider-Man“, in dem sie das Erlebnis wie folgt beschrieb: Beim Verlassen des Aufzugs wurde ich anstelle des üblichen Dufts von Zelluloid, Ledersofas und Filmplakaten von einem weitläufigen, sonnendurchfluteten Bereich begrüßt geschmückt mit einem beeindruckenden Bücherregal. Die Bücherregale enthielten eine vielfältige Sammlung, darunter nicht nur Fotobücher von Robert Capa und Douglas Kirkland, sondern auch Biografien wie das von Jeff Bridges und Kochbücher über vegetarische und nicht-vegetarische Küche wie „Vegans Know How to Party“ und Anthony Bourdain „Kitchen Confidential“, aber auch eine Reihe von Figuren, darunter Pinocchio und Jiminy Cricket, Kaws' markante Companion-Skulptur, verschiedene Kunstwerke von Kaz Oshiro, Kreationen vonbathing Ape, Tokidoki, Gary Baseman und anderen international bekannten Wegbereitern der Pervasive Art Movement. Bevor ich den Raum vollständig betreten konnte, wurde meine Aufmerksamkeit sofort von einem Gemälde aus Ed Ruschas „On the Road“-Serie und den umweltfreundlichen Möbeln der talentierten Haas-Brüder Simon und Nikolai gefesselt.
Legen Sie Spider-Man für einen Moment beiseite. Tobey ist nicht nur der Held meiner Jugend, sondern auch ein zutiefst engagierter, innovativer, fantasievoller, neugieriger und kreativ begabter Mensch – ein echter „Renaissance-Mann“. Er behält ein vielseitiges und liebenswürdiges Auftreten bei und behält gleichzeitig den Anschein ewiger Jugend. „Ich brauchte Büromöbel“, erklärt der 37-jährige Einwohner von Santa Monica. „Da stieß ich zufällig auf die Haas-Zwillinge, Designer, mit denen ich als Produzent zusammengearbeitet habe. Ich ermutigte sie, unkonventionelle Materialien zu erkunden. Die Tische und Sofas, die Sie hier sehen, sind das Ergebnis ihrer Arbeit. An diesem Punkt meines Lebens fühle ich mich.“ Wir sind gezwungen, würdige Einzelpersonen – seien es Regisseure, Autoren, Schauspieler oder Künstler – zu unterstützen, ihnen dabei zu helfen, finanzielle Unabhängigkeit zu erlangen und, was noch wichtiger ist, sie auf ihrem Weg zu begleiten, sich weiterzuentwickeln, neue Denkweisen zu erforschen und praktische und konzeptionelle Herausforderungen zu lösen . Ich strebe danach, mit jedem zusammenzuarbeiten, der eine bedeutungsvolle Botschaft zu vermitteln hat. Im Gegensatz zu meinem jugendlichen Ich bin ich jetzt bei meinen Entscheidungen gefasster und anspruchsvoller und weiß genau, wann ich delegiere und wann ich mich persönlich an einem Projekt engagiere. Aus diesem Grund bin ich „Ich habe die Rolle eines Produzenten angenommen.“
Und genau diese Leidenschaft für den künstlerischen Ausdruck in all seinen vielfältigen Formen hat ihn vor einigen Saisons beispielsweise dazu bewogen, das Gesicht der Prada-Herrenkollektion (H/W 2011/12) zu sein. „Warum Prada?“ fragte er. „Weil ich mich nicht nur als Schauspieler sehe, sondern vielmehr als Kenner der Schauspielkunst, der sich mit großer Leidenschaft für das Erzählen bestimmter Geschichten einsetzt. Prada verkörpert diese vielschichtige Essenz präzise. Ich bewundere Miuccias Affinität zu Kunst und Architektur zutiefst – Sie ist eine Künstlerin, deren Fantasie keine Grenzen kennt, eine echte Förderin der Künste, die jeden Aspekt ihres Lebens mit Leidenschaft erfüllt, sowohl beruflich als auch darüber hinaus. Sie ist eine Person, die sich leidenschaftlich für das einsetzt, woran sie glaubt. Und ich bin fest davon überzeugt, dass im Leben Es ist entscheidend, die eigenen Ideale unerschütterlich zu vertreten, unabhängig von den Herausforderungen, die auftauchen. Wer an eine Idee glaubt, muss sie auch um jeden Preis schützen.“
Maguire auf der San Diego Comic-Con 2006, über Wikipedia.
KAWS-Interview von Tobey Maguire
Unter der Leitung des renommierten Schauspielers Tobey Maguire spricht KAWS offen über seine prägenden Jahre, seinen Übergang in die Welt der Kunst sowie seinen beruflichen Werdegang in der Street Art und im Spielzeugdesign.
TOBEY MAGUIRE : Ich bin fasziniert von Ihren frühen Erfahrungen – der Entstehung von KAWS. Fangen wir dort an.
KAWS : Ich wurde in Jersey City geboren und ich vermute, dass dort alles begann. In meiner Jugend habe ich mich mit Sport beschäftigt, aber nie wirklich eine Verbindung dazu aufgebaut. Ich habe mit Eishockey angefangen, weil es in der Nähe eine Eisbahn gab, aber als meine Ausrüstung zu groß wurde, fragten meine Eltern: „Ist das dein Ernst?“ und ich antwortete: „Nicht wirklich.“ Ich glaube, dass meine Neigung zum Skaten und Graffiti darauf zurückzuführen ist, dass beides Einzelbeschäftigungen sind. Sie können sie überall hin mitnehmen, ohne dass ein Team erforderlich ist.
MAGUIRE : Hatten Sie einen Hintergrund im Zeichnen? Haben Sie als Kind Kunstunterricht genommen?
KAWS : In der Grundschule hatte ich Probleme – nicht in Bezug auf mein Verhalten, sondern in Bezug darauf, dass ich einigermaßen Analphabeten bin. Mein Lehrer der fünften Klasse schlug meiner Mutter vor: „Vielleicht könnte er sich mit Kunst beschäftigen?“ Allerdings hatte ich keine Vorkenntnisse. Selbst in der High School habe ich nicht daran gedacht, Kunst als einen Weg zu verfolgen. Es blieb ein Hobby, dem ich mich intensiv widmete.
MAGUIRE : Es war also eher Ihr Eintauchen in die Skate-Kultur als Teenager, das Sie schließlich zur Kunst führte?
KAWS : Auf jeden Fall. Jersey City liegt unglaublich nah an Manhattan. Sie könnten für nur einen Dollar in den PATH-Zug einsteigen und so einen ganzen Tag lang für nur 2 Dollar skaten, von Brooklyn Banks zum Tompkins Square Park. Ich traf unzählige Kinder aus verschiedenen Bezirken und das führte natürlich dazu, dass ich mich mit Graffiti beschäftigte. Ich vertiefte mich in diese Szene.
MAGUIRE : Wie sind Sie auf den Namen KAWS gekommen?
KAWS : Dahinter steckt keine tiefe Bedeutung. Es ist einfach eine Buchstabenkombination, die ich ansprechend fand – KAWS. Ich hatte das Gefühl, dass sie eine angenehme Synergie hatten und gut zusammenpassten.
MAGUIRE : Es ist faszinierend und lässt fast den Eindruck entstehen, ein Katalysator zu sein oder etwas zu verursachen. Steckte dieser Gedanke nicht hinter dem Namen?
KAWS : Nein, ich habe diesen Namen genau deshalb gewählt, weil ich das Gefühl hatte, dass es keinen konkreten Zusammenhang damit gibt. Glauben Sie mir, die Redakteure hatten später viel Spaß damit. In jedem Artikel stand immer etwas wie „KAWS und Wirkung“ oder „KAWS célèbre“.
MAGUIRE : Lassen Sie uns einen Moment innehalten und nachdenken. Was war Ihre treibende Kraft? [KAWS lacht] Ich meine, hast du damals in deinem Leben Erfolg, finanziellen Gewinn oder einfach nur das Teilen deiner Kunst angestrebt? Was war Ihre Motivation? Was war Ihr Ansatz?
KAWS : Lange Zeit wusste ich es nicht. Das Graffiti war fast wie ein Spiel, über das ich zufällig gestolpert bin und das ich hervorragend beherrschte. Ich wachte mit dem Wunsch auf, es zu tun, und es beschäftigte meine Gedanken, als ich einschlief. Als ich in der Schule war, war mein Geist auf die Malerei fixiert. Ich denke, das ist das Einzige, worauf ich mich jemals wirklich konzentriert habe. Als ich anfing, Anzeigen zu übermalen, fiel mir auf, dass die Anzeige das Kunstwerk in einem bestimmten Zeitrahmen platzierte. Man könnte ein Dutzend Wände untersuchen, und ein ungeübtes Auge könnte Schwierigkeiten haben, zwischen den 80er- und 90er-Jahren zu unterscheiden. Wenn man Anzeigen übermalt, macht es Klick – besonders bei den Telefonzellen, an denen ich gearbeitet habe. Es gab diese Calvin-Klein-Anzeigen mit Kate Moss oder Christy Turlington. Ich glaube, da wurde mir klar, dass es mehr um Kommunikation ging. Darin war ein Gespräch eingebettet.
MAGUIRE : Ein Gespräch mit anderen Graffiti-Künstlern oder mit einem breiteren Publikum?
KAWS : Beides. Graffiti ist in diesem Sinne eigenartig. Man gibt viel raus, bekommt aber nicht so viel zurück, weil nicht viele Leute wissen, wer dahinter steckt. Ihr Kreis besteht aus etwa zehn Leuten, die Sie als den Künstler erkennen. Als ich heute Morgen beispielsweise mit meinem Hund spazieren ging, bemerkte ich, dass mein neuer Assistent gestern auf dem Weg nach draußen das Dach auf der anderen Straßenseite markiert hatte. Er arbeitet erst seit etwa zwei Tagen mit mir zusammen, und ich sah dort oben seine Unterschrift und dachte: „Wow, das kenne ich.“
MAGUIRE : War das der Ausgangspunkt Ihrer Karriere in der bildenden Kunst?
KAWS : Nun, nachdem ich ein Semester Pause von der Schule gemacht hatte, stellte ich ein Portfolio zusammen und machte mich auf den Weg zur School of Visual Arts (SVA), um mich zu bewerben. Damals war mir nicht bewusst, dass sie so gut wie jeden akzeptieren, der bereit ist, die Studiengebühren zu bezahlen. Wenn Sie kein Stipendium an einer Kunsthochschule anstreben, ist die Zulassung relativ einfach. Ich entschied mich für das Hauptfach Illustration, weil ich dachte, ich könnte in diesem Bereich einen Job bekommen und gleichzeitig meiner persönlichen Kunst nachgehen. Als ich einige meiner Graffiti mit einem Lehrer teilte, erinnere ich mich deutlich daran, wie er sagte: „Verschwende deine Zeit nicht mehr. Du musst dich konzentrieren.“ Offensichtlich habe ich seinen Unterricht abgebrochen.
MAGUIRE : Ich erinnere mich an meine Kindheit in Los Angeles, als ich regelmäßig Graffiti begegnete. Mit der Zeit begann ich, die Schlagworte verschiedener Künstler zu erkennen. Sie begannen, einen Eindruck zu hinterlassen. Um sie herum herrschte eine ganze Mystik: „Wer ist dieses Individuum?“ Ich verstehe, dass Sie erwähnt haben, dass Sie nicht direkt mit Ihrem Publikum kommunizieren, aber wenn Sie hartnäckig sind und hervorragende Leistungen erbringen, wird viel über Sie geredet. KAWS und seine Identität sind von einer Aura umgeben.
KAWS : Graffiti ist so etwas wie der Aufbau einer Karriere. Und es gibt einen Dialog mit anderen Künstlern da draußen, vor allem mit anderen Graffiti-Autoren, da viele Leute, die nicht malen, es einfach als Unschärfe betrachten. Nachdem ich begonnen hatte, Werbeanzeigen zu übermalen, fing ich an, die fertigen Stücke zu fotografieren. Wenn man sich mit Graffiti beschäftigt, hinterlässt man seine Arbeit auf der Straße, deshalb wollte ich es dokumentieren. [KAWS zeigt Maguire einige frühe Arbeiten auf seinem Computer.] Ich habe dieses Bild nachts aufgenommen und bin tagsüber zurückgekehrt, um es zu fotografieren.
MAGUIRE : Ist das Got Milk? Kampagne?
KAWS : Ja, das war 1997. Es befand sich genau dort an der Houston Street, wo der West Broadway in den LaGuardia Place übergeht. Die Arbeit an dieser Stelle hat mir großen Spaß gemacht. Ich glaube, ein Grund dafür, dass das Kunstwerk so großen Anklang fand, war, dass die Werbung in den 90er-Jahren eine viel stärkere Präsenz erlangte. Sie begannen, ganze Gebäudefassaden entlang der Houston Street zu schmücken und übernahmen dabei Wände, die jahrelang mit Graffiti geschmückt waren. Es wurde für mich zu einem zentralen Anliegen, einige dieser Orte zurückzugewinnen.
MAGUIRE : Das Faszinierende ist, dass Sie die Werbung nicht einfach ignoriert haben; Sie haben aktiv daran mitgearbeitet. Sie haben es integriert – eine Art erzwungene Zusammenarbeit. Hatten Sie bei der Arbeit jemals Ärger mit der Polizei?
KAWS : Nein, nicht beim Graffitimachen. Ich wurde einmal beim Anbringen eines Aufklebers erwischt. Ich musste eine Nacht im Gefängnis verbringen, nicht im Central Booking, sondern im Sixth Precinct in der Innenstadt. [lacht] Irgendwann hatte ich jedoch genug davon, Anzeigen einfach nur zu übermalen. Ich fing an, weißes Papier zu nehmen und es so zu bemalen, dass es nachts fast wie ein riesiger Leuchtkasten leuchtete. Erinnern Sie sich, als Marc Jacobs diese Show im Jahr 2000 in Houston und Sixth Avenue inszenierte? Ich erinnere mich an den Tag vor der Veranstaltung; Sie bauten einen ganzen Basketballplatz auf, und ich bin dort gegen beide Wände gestoßen. Es war der perfekte Zustrom von Menschen. Dann traf ich diesen Fotografen, David Sims, der zahlreiche Kampagnen fotografiert hatte, an denen ich mitgearbeitet hatte. Er lud mich nach London ein und ließ viele Drucke für mich anfertigen. Also begann ich, echte Fotos mit Acryl zu übermalen, was mich dazu veranlasste, an echten Magazinbeiträgen zu arbeiten. Das gesamte Projekt begann zu expandieren und ich setzte ihm keine Grenzen.
MAGUIRE : Wie sind Sie ursprünglich dazu gekommen, Spielzeug herzustellen?
KAWS : Ich war schon immer ein Fan von Pop-Künstlern und den limitierten Auflagen, die sie mit Gemini GEL produzierten. Allerdings hätte ich nie gedacht, dass mich tatsächlich jemand ansprechen würde, um eine Skulptur zu schaffen. Aber als ich 1997 Tokio besuchte, begann ich, Beziehungen zu einigen Personen dort aufzubauen und begann mit verschiedenen Unternehmen zusammenzuarbeiten. Es ergab sich die Möglichkeit, ein Spielzeug zu kreieren. Es gab eine Firma namens Bounty Hunter, die einige der ersten Spielzeuge herstellte, die etwas unkonventionell waren. Davor war mein Konzept eines Spielzeugs eher auf Marken wie Kenner oder Hasbro ausgerichtet. Allerdings stellten sie limitierte Auflagen von 500 Spielzeugen her. Als ich sie sah, dachte ich: „Das ähnelt den Gemini-Ausgaben.“ Es ist einfach so, dass die Leute eine andere Sichtweise darauf haben, was ein Spielzeug ausmacht. Ich musste einen Weg finden, meine Arbeit dreidimensional zu visualisieren. Da erweiterte sich mein Projekt. Ich erstellte Rotationszeichnungen und sie kamen mit einer Skulptur zurück, die ich verfeinern würde.
MAGUIRE : Nehmen Sie ein Spielzeug und eine Skulptur als im Wesentlichen ähnlich wahr?
KAWS : Die Hauptunterschiede liegen im Material und im Maßstab, das ist alles. Ich habe an Bronzeskulpturen gearbeitet, bei denen ich sie in verschiedenen Farben autolackiert habe. Diese Materialien sind traditioneller und passen in den Kontext der Kunstgeschichte. Meiner Meinung nach handelt es sich jedoch im Wesentlichen um denselben dreidimensionalen Prozess. Ich erinnere mich, dass ich die Spielzeuge ins Neue Museum gebracht habe, um sie in Kommission zu verkaufen. Colette in Paris hat auch einige in meinem Namen verkauft. Mit dem Erlös habe ich mein nächstes Spielzeug produziert. Anschließend startete ich 2002 meine eigene Website und begann mit dem Direktverkauf an Kunden. Dies gab mir die Ressourcen, um weiterhin Spielzeug herzustellen.
MAGUIRE : Sie haben sich im Wesentlichen die Freiheit genommen, vom herkömmlichen Weg zu einer Karriere in der bildenden Kunst abzuweichen und sich stattdessen dafür entschieden, Ihren eigenen Weg zu gehen. Eine ziemlich mutige Wahl.
KAWS : Ich glaube, mein Hauptziel war es, einen Weg zu finden, das Leben zu meistern und gleichzeitig Dinge zu erschaffen.
MAGUIRE : Du hast deinen eigenen Laden in Tokio, richtig?
KAWS : Das stimmt. Wir pflegen Partnerschaften mit verschiedenen Betrieben, unterhalten dort jedoch einen Flagship-Store. Ende der 90er Jahre war ich an zahlreichen Projekten in Japan beteiligt. Unternehmen wie Hectic und Undercover wandten sich wegen einer Zusammenarbeit mit einer Modelinie an mich. Nigo von Abathing Ape lud mich auch ein, an Kleidung zu arbeiten. Viele Freunde fragten mich damals, warum ich so viel Energie in Japan investiere. Sie empfanden es als eine vorübergehende Chance. Sie sahen Japan als einen Ort, an dem Einzelpersonen schnelle Gewinne erzielen konnten, ohne ihren Ruf zu gefährden, fast wie ein Szenario aus „Lost in Translation“. Bei meinem Besuch traf ich jedoch auf Menschen in meinem Alter, die sich in ihren Bestrebungen hervorgetan hatten. Sie haben fleißig gearbeitet und außergewöhnliche Arbeit geleistet. Für mich geschah dort die Aktion. Anschließend begann es in den Vereinigten Staaten an Dynamik zu gewinnen. Ich glaube, dass dies von Musikern wie Pharrell beeinflusst wurde, die sich voll und ganz darauf einließen und es verbreiteten.
MAGUIRE : Schließlich begann Pharrell, Ihre Kunstwerke zu erwerben.
KAWS : Ja, diese Verbindung kam über Nigo zustande. Nigo war einer meiner glühendsten Unterstützer. In seinem Haus in Tokio sind die einzigen Gemälde, die Sie finden, meine. Neben meinen Kunstwerken sammelt er mit großer Leidenschaft Bentleys. Er besitzt einige unglaubliche Autos und sein Haus ist einfach außergewöhnlich. Haben Sie die Serie von Paketgemälden gesehen, die ich erstellt habe? Ich habe sie entwickelt, weil ich beobachtet habe, dass diese Personen in Japan eifrig Spielzeug sammelten. Ich hatte Freunde, die 3.000 Dollar für einen Star Wars-Prototyp einer Figur ausgaben. Sie sammelten keine Kunst; Sie sammelten Spielzeug. Also habe ich diese Verpackungsgemälde erstellt, bei denen ich die Verpackung rund um das Kunstwerk in Massenproduktion hergestellt habe, aber jedes Gemälde selbst wurde einzeln angefertigt. Das war meine Art, die Kluft zwischen diesen beiden Welten zu überbrücken. Mir wurde klar, dass diese Personen wahre Experten für die Gegenstände sind, die sie sammeln. Sie können ein Spielzeug untersuchen und sagen: „Oh, das ist aus dem Jahr 1976. Es wurde in drei verschiedenen Versionen veröffentlicht.“ Mir wurde klar, dass sich diese Art des zwanghaften Sammelns nicht grundlegend von der Kunst unterscheidet.
MAGUIRE : Wie viele Paketgemälde haben Sie in dieser ersten Serie erstellt?
KAWS : Ungefähr 40. Davor habe ich hauptsächlich Werbung übermalt. Als Nigo jedoch anfing, mich zu beauftragen, begann ich, ganz andere großformatige Gemälde anzufertigen, wie zum Beispiel die Kimpsons-Serie.
MAGUIRE : Ja, die Kimpsons. Und wie nennt man die anderen Charaktere?
KAWS : Ich bezeichne sie als die Kurfen, was eine Anspielung auf „Schlümpfe“ ist. Ich schätze die Simpsons, weil sie einen sofortigen Wiedererkennungswert bieten. Sie könnten in einem anderen Land sein und „D'oh!“ ausrufen. und jeder würde sofort verstehen, was Sie meinen. Ich fand diesen Aspekt erstaunlich. Es ist auch ein durch und durch amerikanischer Cartoon.
MAGUIRE : Was ist mit SpongeBob? Wo passt er hinein?
KAWS : Ich habe zunächst angefangen, SpongeBob-Gemälde für Pharrell zu malen. Später begann ich, an kleineren Gemälden zu arbeiten, die viel abstrakter wurden. SpongeBob war etwas, das ich erforschen wollte, weil ich seine grafischen Formen bewunderte. Wenn ich jedoch SpongeBob male, denke ich nicht unbedingt: „Oh, ich habe diese Folge geliebt.“ Ehrlich gesagt habe ich es mir noch nie angesehen.
MAGUIRE : Haben Sie geglaubt, dass dies endlich die Aufmerksamkeit der Kunstwelt erregen würde?
KAWS : Die Kunstwelt ist ein einzigartiges Reich für sich. Erst Ende 2008 begann ich mich wirklich auf die Entwicklung eines Werkkomplexes für eine formelle Ausstellung zu konzentrieren. Mein erstes fand bei Emmanuel Perrotin in Miami statt. Dann hatte ich eine Ausstellung bei Gering & López in New York, gefolgt von einer bei Honor Fraser in LA im Februar 2009. Von keiner Ausstellung hatte ich alle zwei Monate eine neue. Die Gestaltung des Ladens hat mir großen Spaß gemacht, und jetzt hege ich eine große Leidenschaft für die Gestaltung bedeutender Ausstellungen, wie der, auf die ich mich gerade im Aldrich vorbereite.
MAGUIRE : Sie haben auf Ihrem Weg enorme Unterstützung erhalten. Inwieweit wurde Ihr Erfolg durch das Festhalten an Ihrer eigenen künstlerischen Vision vorangetrieben und wie sehr wurde er von Personen beeinflusst, die Sie zu mutigen Schritten ermutigt haben?
KAWS : Ich schätze mich sehr glücklich, Menschen getroffen zu haben, die meine Interessen verstehen konnten und bereit waren, ihnen eine Chance zu geben. Als ich vor einigen Jahren mit bestimmten Personen über die Idee von Ausstellungen sprach, kamen sie herein, sahen die verpackten Gemälde und meine Spielsachen und bemerkten: „Das kommt mir sehr kommerziell vor.“ Ich glaube, sie haben nicht begriffen, dass ich diese Spielzeuge nicht nur aus finanziellen Gründen geschaffen habe. Die Spielzeuge sind ein integraler Bestandteil der Kunst selbst. Das ist es, was ich wirklich tun möchte. Unabhängig davon, wie sich die Dinge in der Galeriewelt entwickeln, habe ich immer den Wunsch, Produkte zu schaffen.
MAGUIRE : Gibt es einen bestimmten Künstler, der Sie maßgeblich beeinflusst hat?
KAWS : Ich lasse mich von Pop-Künstlern wie Oldenburg und [Tom] Wesselmann inspirieren. Dann gibt es Künstler wie Murakami, die die Möglichkeiten der Akzeptanz und interdisziplinärer Projekte deutlich erweitert haben. Das machte es etwas einfacher, meine Arbeit zu verstehen. Und natürlich Jeff Koons. Ich bewundere seine Arbeit und schätze seine perfektionistische Denkweise. Es ist unglaublich extravagant.
MAGUIRE : Tatsächlich, kühn und fesselnd.
KAWS : Ich hatte diese eigenartige Ausstellung im Jahr 2000 in einer Galerie in der Innenstadt, und Koons kam und stellte Dakis [Joannou] meine Arbeit vor. Dakis kaufte zwei Gemälde. Ich erinnere mich, dass ich dachte: „Heilige Scheiße, ich habe es geschafft! Das ist es!“ Und dann habe ich acht Jahre lang nicht mehr ausgestellt.
Selena Mattei