Der Radar des Kunstinvestors: Stile und Künstler, die man in diesem Frühjahr im Auge behalten sollte

Wichtige Punkte

• Ökologische Verantwortung: Nachhaltige Materialien und organische Formen begeistern Sammler und Institutionen.

• Storytelling: Narrative und engagierte Werke sind bei jungen Käufern und im Street-Art-Markt besonders gefragt.

• Künstliche Intelligenz: KI revolutioniert die Kunst, mit Rekordverkäufen, aber noch spekulativem Markt.

• Investition: Trends verfolgen, Verkäufe analysieren und das Portfolio diversifizieren, um Risiken zu minimieren.

• Wo kaufen?: Plattformen wie ArtMajeur, Messen für zeitgenössische Kunst und spezialisierte Auktionen.

Plastic Army (2019), Dirk Krull, Fotografie

Im Frühjahr 2025 befindet sich der Kunstmarkt an einem entscheidenden Wendepunkt, an dem aufstrebende Trends die Zukunft der Kunstinvestitionen prägen. Versierte Sammler und Investoren müssen in der Lage sein, Strömungen zu erkennen, die nicht nur die aktuelle Kunstlandschaft definieren, sondern auch ihre künftigen Richtungen beeinflussen. Drei Hauptströmungen stechen in diesem Jahr hervor: ökologische Verantwortung mit organischen Formen, die Bedeutung von Storytelling in Kunstwerken und der Aufschwung neuer Techniken, insbesondere der künstlichen Intelligenz. Diese Tendenzen sind nicht nur ästhetische Phänomene, sondern spiegeln soziale, kulturelle und technologische Veränderungen wider, die die Wahrnehmung, das Schaffen und den Konsum von Kunst transformieren.

Für Investoren ist es entscheidend, diese aufkommenden Strömungen zu verstehen, um die Künstler und Werke zu identifizieren, die in den kommenden Jahren Maßstäbe setzen. Durch die Antizipation dieser Entwicklungen ist es möglich, fundierte Entscheidungen zu treffen und sich für Werke zu positionieren, die nicht nur langfristig im Wert steigen könnten, sondern auch eine neue Dimension in die Kunst selbst einbringen. Dieser Artikel beleuchtet diese drei Trends im Detail und bietet Investoren einen klaren Überblick über die Stile und Künstler, die in der Frühjahrssaison 2025 im Fokus stehen sollten.

Ökologische Verantwortung und organische Formen: Ein nachhaltiger Trend

Ökologische Verantwortung und organische Formen: Ein nachhaltiger Trend

Im Jahr 2025 setzt sich die Kunst verstärkt mit dem Thema Nachhaltigkeit auseinander, mit einem besonderen Fokus auf wiedergewonnene, recycelte, organische und biologisch abbaubare Materialien. Diese Entwicklung spiegelt das wachsende globale Umweltbewusstsein wider, und immer mehr Künstler greifen auf nachhaltige Praktiken zurück. Der Trend zu Werken, die Natur integrieren – durch Materialien wie recyceltes Holz, natürliche Pigmente, organische Stoffe oder sogar pflanzliche und mineralische Elemente – wird immer stärker. Diese Kreationen sind nicht nur visuell ansprechend; organische, biomorphe und fließende Formen dominieren und deuten auf eine engere Beziehung zur Natur hin. So wird das Kunstwerk zugleich ein Mittel zur Sensibilisierung und eine kraftvolle Botschaft für ein Publikum, das zunehmend Sinn in seinem Konsum sucht, insbesondere im Bereich der Kunst.

Habitat Circular (2024), Fournier, Skulptur – Holz, 47x47 cm

Auswirkungen auf die Investition

Dieser Trend hat erhebliche Auswirkungen auf den Kunstmarkt. Die Nachfrage nach ökologisch verantwortungsvollen Werken steigt, insbesondere bei Sammlern und Institutionen, die mit ihren Ankäufen ein starkes Statement in puncto Nachhaltigkeit setzen möchten. Das Zielpublikum ist zunehmend für Umweltfragen sensibilisiert und unterstützt Künstler, deren Werk diese Anliegen widerspiegelt. Auch die Fähigkeit dieser Werke, im Einklang mit der Natur zu bestehen, macht sie besonders attraktiv. Für Investoren bietet dieser Trend eine einzigartige Chance, sich in einem wachsenden Markt zu positionieren, mit Kunstwerken, die über ihre Ästhetik hinaus ein moralisches und philosophisches Engagement verkörpern. Solche Stücke werden von Käufern immer stärker nachgefragt.

Künstler mit ökologischem Fokus

Cloud, Ines Baumgart, Papierskulptur

Ökologische Verantwortung und organische Formen sind unverzichtbare Themen in der zeitgenössischen Kunst, in der zahlreiche Künstler daran arbeiten, das Verhältnis zwischen Kreativität und Natur neu zu definieren. Dies bietet interessante Investitionsmöglichkeiten in innovative Talente. Ines Baumgart verwandelt mit Seidennest (2021) zweckentfremdete Materialien wie Papier und Äste in eine luftige, fließende Skulptur, die direkt aus der Natur zu stammen scheint. Dieser Ansatz, der Leichtigkeit und das Organische vereint, verdeutlicht den Wunsch, Kunst von traditionellen Zwängen zu befreien und dabei die Umwelt zu respektieren. Ebenso arbeitet Fournier in Habitat Circular (2024) mit Recycling und Wiederverwendung, indem er Fragmente verschiedener Bauwerke zu einer neuen Struktur vereint, die einen bewohnbaren Ort darstellt, geboren aus Chaos und Transformation. Samuel Dougados integriert seine Kunst direkt in die Natur mit Olo Naima Star (2017), einer vergänglichen Arbeit im Sand, inspiriert von Zelliges und traditioneller arabischer Architektur. So vereint er Kunst, Kultur und Umwelt auf poetische und flüchtige Weise. Astrid Stoeppel untersucht in ihren Papierskulpturen wie Paperwork #26 (2021) das Zusammenspiel von Ordnung und Chaos, indem sie Collagen und Abstraktion kombiniert und dabei natürliche Materialien sorgfältig verwendet. Schließlich sind die Skulpturen von Marc Mugnier – beispielsweise Souffle de l’Univers (2021) – Ausdruck einer tiefen Verbundenheit mit der Natur, indem er Stein, Marmor und Schiefer bearbeitet, um Werke zu erschaffen, die sowohl die Kraft als auch die Gelassenheit der Elemente verkörpern. Diese Künstler, unter vielen anderen, machen deutlich, dass Kunst sowohl eine Form des kreativen Ausdrucks als auch ein Akt des Respekts gegenüber unserer Umwelt sein kann – indem Materialien wiederverwendet, Harmonie angestrebt und unser Verhältnis zur Natur neu überdacht wird. Langfristig könnten Investitionen in diese Schaffenden lohnend sein.

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Ästhetik und Symbolik

Die organischen und biomorphen Formen haben sich mit ihrer fließenden, natürlichen Ausstrahlung zu Symbolen für Harmonie zwischen Mensch und Natur entwickelt. Diese Formen, die Wachstum, Verfall und Regeneration andeuten, sind nicht nur ein visueller Blickfang, sondern vermitteln auch eine starke philosophische Botschaft über die gegenseitige Abhängigkeit von Lebewesen und ihrem Umfeld. Dieser künstlerische Ansatz beschränkt sich nicht auf eine bloße Modeerscheinung, sondern stellt ein echtes Ausdrucksmittel dar, das Investoren anzieht, die gleichzeitig innovative und sinnstiftende Werke suchen.

Werke mit Storytelling: Kunst als Erzählung

Polyphème et Diogène (2021), Julien Sama, Acryl auf Karton, 85x120 cm

Die Bedeutung des Storytellings

Das Storytelling oder die Erzählung durch Kunst ist zu einem Schlüsselelement für den Erfolg zeitgenössischer Werke geworden. Besonders bei jüngeren Generationen, die immer empfänglicher für Erzählungen sind, die ihre sozialen und persönlichen Realitäten widerspiegeln, wird Kunst als ein starkes Mittel angesehen, intensive Geschichten zu vermitteln. Diese Geschichten können durch visuelle Darstellungen, Konzepte, Symbolik oder sogar Materialien erzählt werden und schaffen eine tiefe emotionale Verbindung sowie ein geteiltes Erlebnis mit dem Publikum. Storytelling beschränkt sich nicht auf eine einfache Erzählung, sondern dient auch dazu, engagierte Botschaften, kritische Reflexionen und unverfälschte Emotionen zu transportieren.

Street Art ist ein exzellentes Beispiel für diesen Trend. Entstanden auf den Straßen als Protest- und Ausdrucksform sozialer Forderungen, nutzt sie visuelle Erzählungen, um die Aufmerksamkeit der Öffentlichkeit zu wecken. Durch die Integration von Geschichten über politische, soziale oder gemeinschaftliche Themen schaffen Street-Art-Künstler Werke, die sich direkt an die Jugend richten, indem sie oft Fragen wie soziale Ungerechtigkeit, Identität oder Widerstand aufgreifen. Diese Art der Kunst wird zu einer direkten Kommunikationsform, einem Dialograum für Generationen, die sich manchmal von traditionellen künstlerischen Kanälen ausgeschlossen fühlen.

Künstler wie Banksy beispielsweise integrieren in ihren Werken starke Botschaften, bei denen jedes Wandbild über die Ästhetik hinausgeht und zu einem sozialen Kommentar wird. Diese visuellen Erzählungen, häufig geprägt von schwarzem Humor oder Sozialkritik, fesseln die jüngeren Generationen, die ihre Werte und Anliegen durch Kunst ausdrücken wollen.

Visuelle Erzählungen: Künstler, die man im Blick haben sollte

Playings with daddy (2016), Ac One, Sprühlack auf Leinwand, 110x110 cm

Künstler, die Storytelling in ihre Werke einbauen, flechten fesselnde visuelle Erzählungen, die den Betrachter zu einer emotionalen und intellektuellen Vertiefung einladen. So beschränkt sich Julien Sama in Polyphème et Diogène (2021) nicht darauf, eine Szene zu malen, sondern nutzt seine Kunst als Akt des Widerstands, als Hommage an Demonstranten und als Reflexion über die Notwendigkeit demokratischer Wachsamkeit. Sein Werk thematisiert den schrittweisen Abbau öffentlicher Systeme und Polizeigewalt, während es betont, dass in einer idealen Welt immer noch ein Hüter des Rechts erforderlich sein wird, um das Gleichgewicht zu bewahren. Diese Mischung aus Politik und Emotion findet auch in anderen Werken Widerhall, in denen Erzählungen als Fenster in persönliche und kollektive Realitäten dienen. Agnieszka Banasiak hingegen lotet mit A Portrait Frozen in My Dreams (2023) und Janos Kujbus in On the Wall (2021) innere Welten und Träume aus. Banasiak zieht uns mit einer geheimnisvollen Malerei in eine Welt, in der Erinnerung und Emotionen eingefroren sind und eine Grenze zwischen Wirklichkeit und Fantasie entsteht. Kujbus erzählt die Geschichte von Kindern, die in ihren Träumen und ihrer Fiktion gefangen sind und so den Bezug zur Realität verlieren. Durch seine Malerei fordert er uns auf, die Augen zu öffnen und über unsere Illusionen hinauszugehen, indem er uns daran erinnert, dass echte Begegnung nur möglich ist, wenn wir uns entscheiden, anders zu sehen.

Les trois grâces - le Centre des loisirs (2015), Ben & Sara, Fotografie, 60x90 cm

Die visuelle Erzählung wird weiter bereichert durch Romy Van Rijckevorsel, die in The Shoes I Never Got (2025) verschiedene Stile miteinander verbindet, um eine Geschichte über unerfüllte Träume und Auseinandersetzungen mit dem Erbe großer Meister zu erzählen. Ihr eklektischer Ansatz, der Zeichnung, Malerei und Grafik vereint, entführt uns in ein Universum, in dem klassische künstlerische Referenzen mit persönlicher Suche verschmelzen und dabei Konzepte von Leistung und Verzicht hinterfragen. Die Malerei wird so zum Spiegel der Komplexität der menschlichen Existenz, zugleich dekorativ und provokativ. Schließlich werfen Ben & Sara mit Les Trois Grâces - Le Centre des Loisirs (2015) einen kritischen Blick auf die Entwicklung von Konsumräumen. Mit einer inszenierten Darstellung voller Ironie schildern diese Künstler die Geschichte von Einkaufszentren, die zu Freizeitanlagen umgestaltet werden, und illustrieren damit den Wandel der Städte und den stetigen Kampf großer Shoppingmalls, ihren Spitzenplatz zu behaupten. Ihre Arbeit enthüllt die absurde Suche nach der Aufrechterhaltung eines Konsummodells und zeigt zugleich, dass sich dieses System ständig an neue Technologien und das veränderte Verbraucherverhalten anpasst. Ein künstlerisches Feld, das man genau beobachten sollte, in dem sich eine Investition lohnen könnte, während diese innovativen Talente die Reflexion über unsere zeitgenössische Gesellschaft prägen.

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Auswirkungen auf den Kunstmarkt

Werke mit fesselndem Storytelling sind besonders begehrt, da sie bei den Betrachtern dauerhafte emotionale Verbindungen erzeugen. Bei jungen Menschen stoßen diese Werke auf großen Anklang, da sie oft aktuelle Kämpfe oder Sorgen ansprechen, die ihnen unmittelbar vertraut sind. Arbeiten mit einer starken Erzählstruktur werden als zeitloser wahrgenommen und sprechen ein größeres Publikum an. Dies kann zu potenziell sichereren und nachhaltigeren Investitionen führen, insbesondere in einem Kunstmarkt, in dem emotionale Verbundenheit ein Schlüsselfaktor für den Erfolg ist.

Neue Vision und neue Techniken: Künstliche Intelligenz und technologische Innovationen

Adornment and Obstruction I (2025), Mara Barros, Digitale Kunst

Im Frühjahr 2025 verändert die künstliche Intelligenz (KI) den Kunstmarkt grundlegend und eröffnet erfahrenen Sammlern neue Investitionschancen. KI-generierte Werke, die Innovation und technologische Erkundung vereinen, rücken immer stärker in den Fokus, da sie sowohl avantgardistisch sind als auch die Grenzen der Kreativität ausweiten. Künstler wie Renato Schiller, Mara Barros, Alain Zenatti und Jean Luc Michon, die digitale Technologien und KI nutzen, schaffen Werke, die unsere Wahrnehmung von Identität, Emotion und Realität hinterfragen. Schiller zieht den Betrachter mit seinen kühnen Linien-Labyrinthen in den Bann, Barros überzeugt mit poetischen und kraftvollen Porträts, und Zenatti fasziniert durch rätselhafte, kontemplative Szenen – allesamt Belege für die wachsende Bedeutung von KI in der Kunstwelt. Indem sie klassische Formen neu interpretieren und innovative visuelle Spannungen erzeugen, bieten diese Künstler Investoren die Chance, sich an ästhetisch wie technologisch richtungsweisenden Werken zu beteiligen. In einem sich wandelnden Markt ist es unerlässlich, diese neuen künstlerischen Praktiken zu verfolgen, um aufstrebende Talente zu erkennen und fundierte Entscheidungen zu treffen. So wird eine nachhaltige und relevante Investition in die Kunst von morgen gewährleistet.

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FAQ – Investieren in Kunst 2025: Stilrichtungen und Künstler, die man im Blick haben sollte

Wie erkennt man vielversprechende ökologisch verantwortungsvolle Werke?
Achten Sie auf Künstler, die nachhaltige Materialien verwenden, beobachten Sie spezialisierte Messen und Auktionen.

Warum ist Storytelling in der zeitgenössischen Kunst so wichtig?
Werke mit einer starken Erzählung fesseln Sammler, insbesondere jüngere Käuferschichten und Street-Art-Fans.

Ist künstliche Intelligenz eine gute Investition?
Ja, doch handelt es sich um einen sich wandelnden Markt. Einige Werke, etwa von Refik Anadol, erzielen Rekordpreise, aber ihr Wert bleibt spekulativ.