Frank Stella, figure marquante de l'art abstrait pendant plus de six décennies, est décédé à l'âge de 87 ans. Son décès est survenu le 4 mai à son domicile de New York et a été annoncé par la Marianne Boesky Gallery, sa représentante depuis 2014. La galerie a salué L'œuvre remarquable et en constante évolution de Stella, qui explore les capacités formelles et narratives de la géométrie et de la couleur, ainsi que les distinctions entre la peinture et l'objet. "Travailler avec Frank au cours de la dernière décennie a été un immense honneur", a déclaré Marianne Boesky, réfléchissant à son héritage impressionnant.
À 23 ans, après seulement un an de peinture à New York, Stella fait une entrée remarquée sur la scène artistique de la ville en 1959 avec sa série monochrome austère et rayée de Black Paintings (1958-60). Ces peintures, remarquables par leur utilisation de l'émail noir et des lignes fines là où la toile restait nue, ont fait leurs débuts à l'exposition historique Seize Américains du Museum of Modern Art en 1959. L'exposition, qui présentait également des œuvres de contemporains plus âgés comme Robert Rauschenberg et Jasper Johns. , était important, le MoMA en acquérant "Le mariage de la raison et de la misère, II" (1959) de Stella. Stella souhaitait que les peintures noires soient perçues sans illusion, avec la peinture appliquée uniformément à l'aide d'un pinceau de décorateur, créant un impact visuel direct et cohérent.
Frank Stella, qui a initialement adopté une esthétique austère et monochrome, a progressivement incorporé des tons métalliques puis des couleurs vibrantes dans son travail, les affichant dans diverses configurations géométriques. Ses toiles aux formes innovantes sont apparues pour la première fois dans la série Aluminium lors de sa première exposition personnelle à Castelli en 1960. Au cours de ses premières années à New York, les créations de Stella ont été présentées dans de nombreuses expositions cruciales dans les plus grandes institutions culturelles de la ville, notamment "Geometric Abstraction" (1962). ) au Whitney Museum of American Art, « The Shaped Canvas » (1964) et « Systemic Painting » (1966) au Solomon R. Guggenheim Museum, et « The Structure of Color » au Whitney en 1971.
Née en 1936 à Malden, dans le Massachusetts, une banlieue juste au nord de Boston, et élevée dans la ville voisine de Melrose, Stella a déménagé directement à New York après ses études. Il subvient à ses besoins en tant que décorateur de maison tout en étudiant la peinture sous la direction de Patrick Morgan à la Phillips Academy d'Andover, dans le Massachusetts, puis à l'Université de Princeton sous la direction de l'historien de l'art William Seitz et de l'artiste abstrait Stephen Greene, dont il obtient son diplôme en 1958. En 1959, Stella participe déjà au groupe expositions à l'Oberlin College, Ohio, et à New York à la galerie Tibor de Nagy et Leo Castelli, menant à son inclusion significative dans les « Seize Américains » du MoMA.
Rétrospectives du MoMA
En 1965, Frank Stella, aux côtés de contemporains comme Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Claes Oldenburg et Jim Dine, est sélectionné pour représenter les États-Unis à la Biennale de Venise. En 1967, Stella avait lancé sa série Protractor chez Leo Castelli. Ces œuvres, caractérisées par leurs couleurs vibrantes et leurs formes semi-circulaires à grande échelle nommées d'après l'outil de dessin, ont solidifié son impact sur l'art abstrait contemporain. En 1970, à seulement 33 ans, Stella devient la plus jeune artiste à être honorée par une rétrospective au Museum of Modern Art (MoMA). Sa deuxième exposition complète au MoMA, « Frank Stella : Works from 1970 to 1987 » (1987-88), a commencé avec sa série Polish Village. Ces pièces, hommage aux synagogues détruites en Pologne pendant la Seconde Guerre mondiale, marquent sa transition des collages en bas-relief vers des constructions plus complexes en haut-relief utilisant des matériaux comme le feutre et le carton.
Dans une interview accordée en 1999 à The Art Newspaper, Stella réfléchissait à cette évolution de son travail : « Les peintures en relief m'ont obligé à m'engager plus activement dans le monde réel. Je me suis retrouvé à sortir pour me procurer des matériaux comme le feutre, le contreplaqué et l'aluminium en nid d'abeille. Ce processus a apporté de nouveaux éléments dans mon art, passant de l'environnement contrôlé de l'atelier à une utilisation plus exploratoire des matériaux. Picasso s'est également aventuré au-delà des frontières traditionnelles dans son utilisation des matériaux, même si, selon les normes actuelles, il a davantage repoussé les limites en termes de matériaux. l'innovation matérielle que l'exploration physique.
En réfléchissant à ses débuts de carrière en 1999, au cours d'une année où il organisait une exposition de sculptures chez Bernard Jacobson à Londres, Frank Stella a souligné les changements survenus dans son cercle professionnel, notant : « J'ai dépassé ou j'ai survécu aux marchands des années 1960. Larry Rubin est à la retraite ; Leo Castelli est décédé [il est décédé la même année]. En fait, j'ai grandi dans une génération différente, et ils sont tous partis maintenant, je suis toujours là et je me bats pour continuer. mais je ne m'adapte pas vraiment au monde difficile d'aujourd'hui."
Stella a fait évoluer sa pratique pour inclure des sculptures à grande échelle et des collaborations avec des architectes tels que Richard Meier, un ami depuis 65 ans. Ensemble, ils ont travaillé sur des projets tels que le palais de justice fédéral de Phoenix (ouvert en 2000), le musée d'art contemporain de Barcelone (1995), le forum Weishaupt près d'Ulm dans le sud de l'Allemagne (1993) et l'église du Jubilé de Rome (2003). , ainsi qu'avec Santiago Calatrava. Un projet notable est The Michael Kohlhaas Curtain (2008), une bannière Stella de 30 mètres de long drapée sur un cadre en forme d'anneau conçu par Calatrava.
L'exploration de l'histoire de la peinture par Stella
Au cours des années universitaires 1983-1984, Stella a donné les conférences Charles Eliot Norton à l'Université de Harvard, intitulées « Working Space » (publiées par la suite par Harvard en 1985). Dans ces conférences, il a fait l'éloge du baroque et d'autres styles historiques pour leur utilisation poétique et constructive de l'espace et du volume. Lors de l'exposition 2017-2018 « Frank Stella : Experiment and Change » au NSU Art Museum de Fort Lauderdale, qui présentait plus de 300 de ses œuvres, Stella et la conservatrice Bonnie Clearwater ont discuté de son profond engagement dans l'histoire de la peinture. Stella a raconté une première rencontre avec le Diptyque de la Crucifixion de Rogier van der Weyden (vers 1460) au Philadelphia Museum of Art, qu'il a décrit comme une influence déterminante sur sa compréhension de ce à quoi l'art pouvait aspirer. Dans le catalogue de l'exposition, Clearwater a noté que pour Stella, l'impact visuel convaincant d'une peinture était un objectif plus crucial que l'adhésion aux doctrines du modernisme.
Barbara Rose, la première épouse de Stella, est devenue une éminente critique d'art et a écrit en 1965 l'essai influent « ABC Art » pour Art in America, qui a joué un rôle crucial dans l'élaboration de la compréhension du minimalisme. Dans son essai, Rose suggère que « l'anonymat effacé » observé dans les œuvres d'artistes new-yorkais comme Donald Judd, Robert Morris et son mari d'alors Stella (ils se sont séparés en 1969) était une contre-réaction à la vie personnelle effrénée. expression prédominante à l'époque, ainsi qu'une réponse formelle aux excès picturaux dominants.
L'approche franche de Stella à l'art
Frank Stella était connu pour son discours direct sur ses œuvres. Sa célèbre déclaration « ce que vous voyez est ce que vous voyez » est venue lors d'une conversation avec l'historien de l'art Bruce Glaser. Lorsque Glaser a répondu : « Cela ne laisse pas grand-chose après, n'est-ce pas ? Stella a rétorqué : "Je ne sais pas ce qu'il y a d'autre." En réfléchissant à cela des décennies plus tard dans une interview avec The Art Newspaper, Stella a réitéré : « Je l'ai dit à plusieurs reprises : l'abstraction peut être beaucoup de choses. Elle peut, dans un sens, raconter une histoire, même si en fin de compte, elle est une histoire picturale.
Dans une interview accordée en 1999 à Norbert Lynton pour The Art Newspaper, Frank Stella a partagé son point de vue sur la façon dont il percevait l'évolution de son travail au cours des quatre premières décennies de sa carrière. « Les gens demandent souvent : « Pourquoi changez-vous ? » Ma réponse est que je ne change pas vraiment beaucoup. Les changements dans mon travail proviennent de deux sentiments principaux : un peu d'insatisfaction et un peu d'espoir, toujours à la recherche de quelque chose de nouveau. établir un style cohérent, mais les artistes veulent généralement continuer à explorer", a-t-il expliqué.
Adopter une technologie de pointe
Stella était également réputé pour son adoption précoce et son utilisation innovante des nouvelles technologies. À partir de la fin des années 1980, il s’est lancé dans la conception assistée par ordinateur (CAO) et a commencé à utiliser les technologies d’impression 3D au milieu des années 2000. Comme le rapporte The Art Newspaper, Stella a utilisé l'impression 3D pour créer des composants en métal et en résine pour sa série de sculptures polychromes, Scarlatti Kirkpatrick. Cette série s'inspire à la fois des sonates pour clavecin de Domenico Scarlatti, compositeur italien du XVIIIe siècle, et des travaux scientifiques de Ralph Kirkpatrick, musicologue américain du XXe siècle.
Dans une interview accordée en 2013 à The Art Newspaper, Ron Labaco, conservateur au Musée des Arts et du Design de New York, a expliqué comment la technologie d'impression 3D a permis à Frank Stella de créer des projections à partir du mur d'une manière que les méthodes traditionnelles, qui auraient été trop encombrant et lourd, je n'ai pas pu y parvenir. Labaco a inclus le travail de Stella dans une exposition axée sur l'art assisté par ordinateur intitulée "Out of Hand: Materializing the Postdigital", qui s'est déroulée de 2013 à 2014.
En 2022, Frank Stella a lancé son premier NFT (jeton non fongible) dans le cadre de son projet « Geométries », en collaboration avec l'Artists Rights Society (ARS), créée en 1987 pour protéger les droits des artistes par le biais du droit d'auteur, des licences, et le suivi des artistes visuels aux États-Unis. Ce partenariat a souligné l'implication et le soutien de longue date de Stella auprès de l'ARS. Katarina Feder, directrice du développement commercial chez ARS, a déclaré au Art Newspaper : « Nous avons vendu les 2 100 jetons et, surtout, généré des redevances de revente à partir des ventes secondaires, une cause pour laquelle Frank défend depuis longtemps. »
Par l'intermédiaire de sa division numérique ARSNL, l'Artists Rights Society (ARS) a engagé les collectionneurs NFT en partageant une vidéo de processus et une déclaration curatoriale de l'expert en analyse d'art Jason Bailey. "Les collectionneurs numériques sont devenus amoureux de Frank et de ses créations", a noté Katarina Feder, "et beaucoup ont ensuite créé leurs propres œuvres dérivées, ce que Frank a autorisé. Nous avons présenté certains de ces dérivés à Frank et il en a été ravi." L'attrait du lancement de NFT pour Stella, comme il l'a expliqué au magazine NFT Right Click Save, était que « les NFT, dans un sens abstrait, semblent pouvoir relever certains des défis posés par la reproductibilité croissante des technologies d'imagerie et de fabrication. Plus concrètement, ils offrent un mécanisme permettant aux artistes de revendiquer les droits de revente que je pense que nous devrions posséder. »
La position progressiste de Stella concernant le lancement du NFT, encourageant les collectionneurs à créer des produits dérivés et à imprimer les œuvres d'art en 3D, a encore renforcé sa réputation de champion des droits des artistes. Gretchen Andrew, dans sa chronique Art Decoded pour The Art Newspaper, a souligné le dévouement de Stella : « Frank a toujours été aussi préoccupé par la matérialité et les qualités tactiles de ses œuvres qu'il l'a été par la défense des droits de ses pairs. Pendant des années, il a été une voix active dans la promotion du droit de suite. »
La série des étoiles
Parmi les œuvres les plus célèbres de la carrière ultérieure de Frank Stella figure sa série Stars, mettant en vedette de grandes étoiles autoportantes à plusieurs pointes. Une installation notable de cette série comprenait une paire d'étoiles de sept mètres de haut exposées dans la cour de la Royal Academy de Londres en 2015. En 2021, Stella a dévoilé la Split Star de Jasper, une sculpture en acier inoxydable, sur la place du nouveau 7 World. Trade Center à New York. Cette sculpture a servi de remplacement symbolique poignant à deux des grandes peintures de Stella, Laestrygonia I et Telepilus Laestrygonia II, mesurant chacune 10 pieds sur 10 pieds, qui se trouvaient auparavant dans le hall du 7 World Trade Center d'origine avant qu'il ne soit détruit dans le Les attentats du 11 septembre.
L'héritage durable de Frank Stella : innovation et impact dans l'art abstrait
Frank Stella, force indomptable de l'art abstrait depuis plus de soixante ans, laisse derrière lui un immense héritage marqué par des contributions pionnières dans le domaine. Son décès à 87 ans signifie la fin d'une époque mais souligne également l'impact durable de son travail, depuis les « Peintures noires » révolutionnaires jusqu'à ses sculptures innovantes à grande échelle et ses collaborations avec des architectes. Les explorations de Stella ont couvert les domaines de la forme, de la couleur et de la dynamique spatiale, remodelant le dialogue autour de l'art abstrait et ses intersections avec les technologies modernes et les nouveaux médias, y compris les NFT. Son dévouement à faire évoluer son expression artistique tout en défendant les droits des artistes a mis en évidence son rôle non seulement de créateur mais aussi de penseur visionnaire dans le monde de l'art. Le parcours de Stella, d'un jeune peintre à New York à une icône vénérée dont les œuvres ont défié et transcendé les limites esthétiques de son temps laisse une empreinte durable sur la toile de l'art contemporain.
Selena Mattei