Chefs-d'œuvre du MOMA : interprétations contemporaines

Chap, Musée Fabre, 2013. Acrylique sur toile, 116 x 89 cm.

Le musée moderne : bref excursus d'une longue évolution 

On associe souvent, et à tort, l'idée de musée à un lieu, ou plutôt à une institution, destiné à accueillir, comme un simple contenant, les grands chefs-d'œuvre du génie humain. En réalité, même le musée a une histoire à raconter, car il est le résultat de l'imbrication complexe de cultures, de pensées philosophiques, de courants politiques et de phénomènes sociaux qui, au fil du temps, ont façonné sa forme. En fait, le musée a des origines très anciennes, remontant même à la Grèce antique, bien que l'institution telle que nous la connaissons aujourd'hui trouve ses racines dans le Wunderkammer du XVIe siècle, puis en Europe entre les XVIIe et XVIIIe siècles. Les Wunderkammer, ou "cabinets des merveilles", étaient des pièces spéciales dans lesquelles les nobles curieux, les riches marchand et les savants rassemblaient des objets extraordinaires afin de montrer et d'interpréter la variété et la richesse du monde. Plus tard, vers le milieu du XVIIIe siècle, un nouveau lieu de conservation a émergé, qui, inextricablement lié aux idéaux des Lumières, a trouvé son premier exemple important dans le British Museum de Londres (1750), où l'architecture et les riches collections, provenant de différentes parties du monde, ont été conçues dans le but de montrer la grandeur de l'Empire britannique. En outre, des collections plus spécialisées ont vu le jour à cette époque, comme le musée du Louvre à Paris (1793), qui était exclusivement consacré à l'art. Ce dernier type de musée avait un plan linéaire et didactique, visant à créer des récits de développement ou de progrès, réalisés par des arrangements chronologiques divisés par nation, école locale et artiste. Enfin, l'histoire du musée moderne culmine aux États-Unis, où, au cours des années 1930, émerge la nouvelle approche de conservation du "white cube", c'est-à-dire la tendance à créer des espaces blancs et dépouillés, où le visiteur, libre de toute référence historique, peut faire l'expérience de l'œuvre d'art dans sa forme la plus pure. C'est précisément ce dernier modèle de musée qui s'est le plus imposé aujourd'hui, se répandant comme une traînée de poudre dans le monde entier. 

Mila Kochneva, Femme dans la galerie. Le carré noir de Malevich, 2021. Acrylique sur toile, 50 x 40 cm.

Sebastian Olivier Burckhardt, MOMA, 2012. Acrylique sur toile 100 x 150 cm.

MOMA (Musée d'art moderne)

L'un des exemples les plus célèbres et les plus anciens de "white cube" est certainement le MOMA de New York, fondé à la fin des années 1920 dans le but de créer une institution progressiste, exclusivement consacrée à l'art moderne, pour aider les gens à comprendre et à apprécier les arts visuels de l'époque. Ce musée est toujours considéré comme l'une des collections les plus importantes et les plus complètes qui, à partir d'une donation initiale de huit estampes et d'un dessin, est passée à quelque 200 000 œuvres, dont des peintures, des sculptures, des dessins, des estampes, des photographies, des arts médiatiques et des performances, des maquettes et des dessins d'architecture, des objets de design et des films. Il est important de souligner que, dans les premières années, la collection n'avait pas de domicile fixe, déménageant à trois reprises dans des locaux temporaires de plus en plus grands jusqu'à ce qu'elle s'installe finalement, en 1939, dans le bâtiment emblématique de Midtown Manhattan. Ce nouvel espace, fruit de la collaboration des architectes américains Philip L. Goodwin et Edward Durell Stone, comprend également un jardin de sculptures conçu par le conservateur John McAndrew et le directeur historique du MOMA, Alfred H. Barr Jr. En outre, ce bâtiment de six étages, fait d'un élégant marbre blanc et de verre isolé, abrite également un auditorium de cinéma, une bibliothèque et deux étages de bureaux. Ce bâtiment multi-départemental a fait l'objet de nouveaux agrandissements successifs dans les années 1950 et 1960, tandis qu'une rénovation majeure, réalisée par l'architecte Cesar Pelli, a eu lieu en 1984 pour doubler l'espace des galeries du musée et améliorer les installations destinées aux visiteurs. Dans ce contexte, le musée a maintenu, et continue de maintenir, un programme actif d'expositions d'art moderne et contemporain, visant à aborder un large éventail de sujets, de médias et de périodes, mettant en lumière les développements récents significatifs dans les arts visuels et les nouvelles interprétations des principaux artistes et mouvements historiques. 

Duc Evelyna, Les murs de verre, 2019. Photographie prise au MOMA.

Trois chefs-d'œuvre du MOMA : interprétations contemporaines

Parmi les œuvres d'art les plus importantes du MOMA figurent la Nuit étoilée de Van Gogh, les Boîtes de soupe Campbell d'Andy Warhol et le Flag de Jasper Johns. Ces chefs-d'œuvre continuent d'être une source d'inspiration pour les artistes contemporains du monde entier, qui les ont réinterprétés pour en faire des œuvres d'art originales, modernes, contemporaines et parfois ironiques, comme, par exemple, la Vincent Van Gogh Nuit étoilée parodie Google Map de Tony Rubino, l'Andy Warhol d'Igor Matvienko et le Old Glory de David Decourcelle.

Tony Rubino, Vincent Van Gogh Nuit étoilée parodie Google Map. Acrylique/lithographie sur toile, 50,8 x 61 cm.

Tony Rubino : Vincent Van Gogh Nuit étoilée parodie Carte Google

Le chef-d'œuvre sur toile de 1889 de Vincent Van Gogh, la Nuit étoilée, est l'un des derniers tableaux du maître néerlandais tourmenté, exécuté un an seulement avant sa mort tragique. Cette œuvre, qui fait partie de la collection du MOMA, représente un paysage de campagne la nuit, où les seules lumières proviennent des fenêtres des maisons, du croissant de lune et des étoiles, sur fond d'un ciel rempli de tourbillons inquiétants. En ce qui concerne le style,  Nuit étoilée a été créé par des coups de pinceau courts, modelés et matériels, où la direction des signes suit celle de la forme des figures. La matrice picturale dominante, envahie par la couleur bleue étudiée dans toutes ses nuances, confère à l'atmosphère un sentiment tourmenté de solitude. Enfin, en ce qui concerne le cadrage, il s'agissait de donner de l'espace principalement au ciel étoilé, centre émotionnel et dramatique de la composition. En ce qui concerne le contexte contemporain, cette toile iconique est devenue l'objet de nombreux "remakes" qui, dans la plupart des cas, n'ont pas réussi à renoncer à la focalisation sur le ciel étoilé, mais en l'enrichissant de nouveaux détails, souvent amusants et inexorablement liés au monde contemporain, comme, par exemple, le tableau de l'artiste Artmajeur Tony Rubino, Vincent Van Gogh Nuit étoilée parodie Google Map. En effet, dans cette œuvre, avec une intention fortement ironique, le symbole de l'indicateur de position Google Maps est ajouté à la représentation canonique de la Nuit étoilée, qui est devenue un point de référence pour les mouvements de notre époque. En outre, la parodie du tableau de Tony Rubino réside probablement aussi dans la prosopopée moderne de pouvoir trouver n'importe quelle destination, grâce à la technologie, dans ce cas même celles imaginées par les grands artistes de tous les temps.

Igor Matvienko, Andy Warhol, 2021. Collage sur papier, 100 x 72 cm.

Igor Matvienko: Andy Warhol

L'une des œuvres les plus importantes exposées au MoMA de New York est la célèbre Campbell's Soup Cans d'Andy Warhol, une série de 32 sérigraphies inspirées de reproductions photographiques de la populaire soupe américaine, alignées en quatre rangées de huit pièces chacune, faisant allusion à la sérialité industrielle et à la disposition des produits dans les supermarchés. Cette installation de 1962 représente la première œuvre de Warhol inspirée par ce sujet, où chaque sérigraphie est conçue pour reproduire un modèle original, enrichi de quelques détails distinctifs. En conclusion, ce travail, à travers les particularités mentionnées ci-dessus, a définitivement réussi à transformer un produit de supermarché en un manifeste Pop du style de vie américain. Les Campbell's Soup Cans ont également inspiré de nombreuses œuvres contemporaines, comme le collage de l'artiste d'Artmajeur Igor Matvienko, un hommage innovant à la leçon du maître américain, dans lequel un désordre sans précédent dans la disposition des biens de consommation et la présence de Warhol lui-même, nous permettent de nous éloigner définitivement du comptoir du supermarché et de nous rapprocher du monde de l'imagination.

David Decourcelle, Old glory, 2021. Acrylique et vernis de carton sur toile, 81 x 116 cm.

David Decourcelle: Old glory

Flag (1954-1955), peinture à l'encaustique de Jasper Johns conservée au MOMA, est la première d'une série d'œuvres consacrées au drapeau américain de 1912-1959. Elle représente 48 étoiles blanches sur carton bleu, accompagnées de treize bandes rouges et blanches, qui se détachent sous des découpes visibles de papier publicitaire. Le choix de ce sujet est inextricablement lié au mouvement New Dada, dont Johns était un représentant convaincu, poursuivant l'objectif de mettre les objets quotidiens sous les projecteurs de l'art afin de raconter et de critiquer la société contemporaine. Dans ce contexte, le drapeau, qui est une réinterprétation claire du ready-made de Duchamp, est privé de sa valeur figurative, devenant une œuvre conceptuelle capable d'élever le plus célèbre symbole de la nation américaine au rang d'objet artistique. Ce sujet a fait l'objet de nombreuses réinterprétations novatrices dans l'art contemporain, comme l'œuvre Old Glory de l'artiste Artmajeur David Decourcelle, dans laquelle le drapeau iconique, tout en perdant certains de ses traits distinctifs, continue avec force à célébrer à la fois la tradition picturale occidentale et la grande popularité de la culture américaine.