SPADE (2024) Francesco D'Adamo'nun tablosu
Artmajeur'deki en popüler stil ve türler: Pop sanatı, Sokak Sanatı, Soyut sanat, portre ve manzara. Çoğu koleksiyonerin neden bu trendleri veya konuları seçtiğini bilmek ister misiniz? Cevap, Artmajeur ressamları tarafından yaratılan beş temalı eser seçilerek gösterilecek olan sanat tarihinin aynı yorumunda yatmaktadır. Neden bu kadar popüler olduklarının nedenine ulaşana kadar bunlar açıklanacak ve analiz edilecektir. Açıklanan sırayı takip ederek başlayalım, kendimizi bir Pop tablosuna adayalım, sonra geri kalanına devam edelim...
Pop sanat
GERİ DÖNÜŞTÜRÜLMÜŞ LENİN #10 (2024) Tablo: Oleksandr Balbyshev
Eserin tanımı: Ressam ve heykeltıraş Oleksandr Balbyshev, Sovyet döneminden kalma bir Lenin portresi kullanmış ve üzerini boyayarak değiştirmiştir. Aslında politikacının yüzü sadece burnunun yukarısından tanınabiliyor çünkü alt kısımları tamamen turuncu boyayla kaplı. Ancak tasvir edilen figürün görünen kısımları bile, yalnızca figürünün ortaya çıktığı yerde düzenlenmiş renkli dairelere ev sahipliği yaptığı için yeniden yorumlanmıştır. Değişiklikler oldukça canlı, neşeli ve ironik göründükçe, tasvir edilen figürün ima edebileceği her türlü potansiyel siyasi mesajı önemsizleştirmeye hazır hale geldikçe konunun ciddiyeti azalıyor.
Neden Pop Art? 1950'lerin sonlarında ve 1960'ların başlarında ortaya çıkan bir hareket olan Pop art, reklam, kitle iletişim araçları, yıldız sistemi, çizgi romanlar ve günlük kültürel nesneler gibi popüler ve kitle kültüründen görüntüleri kendi diline dahil ederek geleneksel sanata meydan okumasıyla tanınır. Amaç, "yüksek" sanat ile "düşük" kültür arasındaki sınırları bulanıklaştırmak, hiyerarşi olmadığını ve sanatın herhangi bir kaynaktan ilham alabileceğini öne sürmekti. Pop art'ın tanımlayıcı yönlerinden biri, hareketin şöhrete, tüketime ve kişilik kültüne duyduğu hayranlığı yansıtabilen ikonik figürlere, idol benzeri konulara dönüştürülen ünlü kişilerin görüntülerini kullanmasıdır. Pop sanatının bu yönüyle ilişkilendirilen belki de en ünlü sanatçı olan Andy Warhol, aralarında Marilyn Monroe, Elvis Presley ve Elizabeth Taylor'ın da bulunduğu ünlü şahsiyetlerin serigrafi resimleriyle tanınır. Warhol'un tekniği aynı görselin sıklıkla farklı renk şemalarıyla defalarca tekrarlanmasını içeriyordu; bu sadece bireyin metalaşmasını vurgulamakla kalmıyor, aynı zamanda şöhretin doğasını ve şöhretin yaratılmasında medyanın rolünü de yansıtıyordu. Yaklaşımı ünlü kavramını yapıbozuma uğrattı ve bu figürleri halk için tüketilebilir ürünler olarak sundu. Peki Oleksandr Balbyshev'in Lenin'inin bununla ne ilgisi var? Aktörler ve şarkıcılar gibi aynı hedeflerin peşinde koşan Warhol, Richard Nixon, Mao Zedong, John F. Kennedy, Kraliçe II. Elizabeth ve Ronald Reagan gibi birçok politikacıyı da resmetti. Bu portrelerin temeli olarak medya görüntülerini kullanan Warhol, siyaset, medya temsili ve kamusal algı arasındaki etkileşimi vurguladı. Ancak Andy'nin yaklaşımı ile Artmajeur sanatçısının yaklaşımı arasındaki bazı farklılıkları açıklığa kavuşturmak önemlidir. İlki kendi zamanının karakterlerinin efsanelere dönüşmesini önerirken, ikincisi zaten oldukça ünlü bir şahsiyetten söz ediyor. Bu gerçek, tasvir edilen öznenin zaten sonsuz şöhrete kavuşmuş olması nedeniyle, artık birini ikon olarak seçenin sanat olmadığı anlamına gelir. Son olarak, Balbyshev'in sanatsal araştırmalarında Lenin figürü zorunlu olarak ortaya çıksa da, resimden heykele kadar çok sayıda benzersiz ve yenilikçi perspektiften açıkça farklılaştırılmış eserlerde sunulduğu için makineleştirilmiş üretime işaret etmiyor.
Pop art koleksiyonerler arasında neden popüler? Oldukça basit: Bizi çeken şey bize benzer, hoşumuza giden şey bizim için kolayca anlaşılır. Dolayısıyla Pop art'ın bugün hala yaygın olan kitlesel tüketim, medya, reklam ve ünlüler kültürünü yansıttığı ve eleştirdiği açıktır. Aslına bakılırsa, çağdaş dünya kelimenin tam anlamıyla tüketim malları, marka görselleri ve eskisinden çok daha fazla her yerde mevcut olan medyayla dolu; öyle ki sosyal medya platformları, 24 saatlik haber döngüleri ve dijital reklamlar aralıksız bir akış yarattı. Figürlerden ve mesajlardan oluşan bu akış, Pop art'ın ilk sanatçılarına ilham veren medya imgelerini daha da tutkulu ve çılgınca çağrıştırmaya hazır. Koleksiyonerler için büyük ilgi gören bir diğer husus ise her zaman erişilebilir ve hemen tanınabilir bir ikonografiyle zenginleştirilen canlı renklerin ve cesur çizgilerin estetiğidir. Buna ek olarak, izleyiciye tüketimcilik ve medya bağlamları geliştikçe geçerliliğini koruyan bir gerçeklik yorumu sunabilen ironik ve hicivsel yönünden de bahsedilebilir. Son olarak, Pop sanatının sanatın neyle ilgili olabileceğini, nasıl ve kimin için yapılabileceğini sorgulayan yıkıcı bir akım olması nedeniyle hareketin görüşü, sanatsal tarihsel anlatıdaki değişmeyen değeri nedeniyle popüler olmaya devam ediyor.
Sokak sanatı
RÖNESANS 2 (2023) Kassim Baudry'nin tablosu
Sanat eserinin tanımı: Kassim Baudry, tuvalinin arka planını siyaha boyayarak hazırladı, ardından bir sprey kutusu alıp üzerinde "ART" kelimesini zorunlu olarak yeniden üretti, bazen "kesti" ve "RT"ye "küçülttü". Kırmızı, mavi veya krem renkli bu metin çoğu zaman kesintiye uğrar, daha doğrusu şablon tekniği kullanılarak oluşturulmuş, bildiğimiz bir görüntünün varlığının arkasına gizlenir. Bu bağlamda varlığı sanatçının şu sözleriyle gerekçelendirilen kutsal Meryem Ana figüründen bahsediyorum: "eser dini ikonografi ile şehir sanatını harmanlayarak klasisizm, kadın figürünün dinginliği ve vahşi doğa arasında güçlü bir karşıtlık sunuyor. Grafiti tarafı." Madonna neden çağdaş bir tonda yeniden yorumlansa bile her zaman daha eski bir dile aittir? Destekte kendini sunma şekli, Sassoferrato, Leonardo da Vinci veya Raphael'in yarattığı sanat tarihinin unutulmaz örneklerini etkili bir şekilde yeniden üretiyor. Özellikle Baudry'nin Meryem Ana'yı giydiği cüppeler ilk ressamın dua eden Meryem Ana'sını çağrıştırırken, kadının aşağıya bakışı diğer iki ustanın Karanfil Meryem Ana'sını ve Saka Kuşu Meryem Ana'sını akla getiriyor. Peki Meryem Ana neden aşağıya bakıyor? Gerçekte, dikkatini izleyiciye veya yukarıya yönlendirmediğinde, tamamen Artmajeur sanatçısının eserinde bulunmayan oğlunu gözlemlemeye odaklanıyor.
Neden Sokak Sanatı? Sokak sanatı, dünya çapında kentsel manzaraları dönüştüren geniş ve dinamik bir sanat biçimidir. Grafiti hareketinden doğan ve 20. yüzyılın sonlarında ön plana çıkan sokak sanatı, genellikle kamusal erişilebilirliği ve sosyal ve politik konulara katılımıyla karakterize edilen çeşitli teknikleri, araçları ve temaları kapsar. Bu sanat biçimindeki sanatçılar, sprey boya, şablonlar, çıkartmalar, posterler ve enstalasyonlar dahil olmak üzere çeşitli teknikler ve malzemeler kullanır. Bu uygulama biçimleri, sürekli değişim halinde olan kentsel bir ortamda çok önemli olan işlerin hızlı ve çoğu zaman geçici olarak yaratılmasına olanak tanır. Sokak sanatı insan haklarından sosyal adalete, çevreden siyasete kadar geniş bir temaya hitap ediyor. Pek çok çalışma güncel konuları yansıtıyor ve düşünceyi ve tartışmayı teşvik etmeyi amaçlıyor. Banksy gibi bazı sanatçılar, sosyal ve politik normlara meydan okuyan eleştirel ve hicivli yaklaşımlarıyla tanınıyor. Az önce anlatıldığı gibi, Kassim Baudry'nin Rönesans 2'sinin, grafitilerden yukarıda bahsedilen kalıplara ve Meryem Ana'ya kadar teknik ve tematik özellikleri dahil etmeyi amaçlayan çeşitli yönlerinin farkındayız. Maupal'ın Roma'nın dört bir yanına dağıttığı, Papa'yı bir süper kahraman olarak ölümsüzleştirmeyi amaçlayan eserlerinden ya da Banksy'nin Beytüllahim Yarası adlı ünlü doğum sahnesinden de anlaşılacağı üzere, sokak sanatının kendisini dini bir bağlamda ifade etmesi ilk kez olmuyor. Amaç her zaman aynı: Sokak sanatının dini inançları ve kurumları sorgulamak ve eleştirmek için nasıl bir platform olarak hizmet edebileceğini göstermek. Sokak sanatçıları, dini sembol ve motifleri benimseyerek, dinin çağdaş toplumdaki rolü hakkında güç, ahlak ve sosyal adalet konularını ele alan bir diyaloga giriyor. Sokak sanatının yıkıcı doğası, muhalif seslerin ve alternatif bakış açılarının ifade edilmesine olanak tanıyarak inanç, maneviyat ve insanlık durumu hakkında süregelen tartışmalara katkıda bulunur. Dolayısıyla bu bağlam, Kassim Baudry'nin Meryem Ana'sına yeni gözlerle bakmamıza, onu dünya çapındaki tüm sokak sanatçılarının koruyucusu olan Madonna'nın en aşırıcı versiyonu olarak yorumlamamıza yol açabilir.
Sokak Sanatı koleksiyonerler arasında neden popüler? Sokak sanatı, Banksy gibi önde gelen sanatçıların yükselişinden, araştırdığı provokatif ve çağdaş temalara kadar çeşitli nedenlerle koleksiyonerler arasında giderek daha popüler hale geldi. Her şeyden önce, ünlü şehir sanatçılarının ortaya çıkışı, koleksiyonerler arasında sokak sanatının başarısına kuşkusuz katkıda bulunmuştur: Banksy, yıkıcı ve düşündürücü çalışmalarıyla geniş beğeni toplamış, anonimliği ve toplumsal meselelere dair cesur açıklamalarıyla birleşmiştir. , onu kültürel bir ikon statüsüne yükseltti. Daha genel olarak konuşursak, sokak sanatının güncel sosyal, politik ve kültürel meseleleri ele alma eğilimi, çoğu zaman çağdaş gerçekliklerden fazlasıyla kopuk görünen geleneksel sanat formlarının aksine, onu özellikle ilgi çekici kılmaktadır. Sosyal adalet, çevre aktivizmi, kimlik politikaları ve kentsel yaşam gibi temalar kamuoyunda güçlü bir yankı uyandırıyor ve koleksiyonerleri kişisel değerlerine ve inançlarına hitap eden eserleri aramaya teşvik ediyor. Dahası, sokak sanatının doğası gereği asi ve kurumsal karşıtı doğası, bu sanatsal ifadenin cazibesini artırıyor; çünkü sokak sanatçıları genellikle kentsel ortamlarda halkla doğrudan etkileşime geçmek için galerileri ve müzeleri atlayarak geleneksel sanat dünyasının sınırları dışında faaliyet gösteriyor. Geleneksel sanatsal normlara ve kurumsal sınırlara yönelik bu meydan okuma, sokak sanatına, statükoya meydan okuyan işler arayan, giderek büyüyen bir izleyici kitlesinde yankı uyandıran bir özgünlük ve gerçeklik duygusu aşılıyor.
Soyut sanat
KOMPOZİSYON 24. IŞIK (2024) Resim Sergiy Dekalyuk
Sanat eserinin tanımı: Gördüklerimizin hiçbiri, işaretin deneyimiyle bağlantılı olanlar dışında bizi gerçeklikle doğrudan yüzleşmeye götüremez. Hareketin rastgeleliğini, doğruluğunu, hesaplamasını ve kendiliğindenliğini karıştırmak için Kompozisyon 24 ışık desteği üzerine resim yapma ve "karalama" niyetinde olan Sergiy Dekalyuk'u düşünün: tüm bunlar göze tutarlı, uyumlu ve hoş bir sonuç vermelidir. , gerçekliğin güzelliğinden ilham almadan. Sonuç, bana bazen Basquiat'ın grafitilerini, bazen de Soyut Dışavurumculuğun temsilcileri olan Willem de Kooning ve Franz Kline'ın örneklerini hatırlatan bir kompozisyon oldu.
Neden Soyut Ekspresyonizm? Soyut Dışavurumculuk, kendiliğinden ve jestlerle ifadeyi ve sanatçının iç ruhunun keşfini vurgulamak için 20. yüzyılın ortalarında ortaya çıktı. Soyut Dışavurumculuk, özünde, sanatın yalnızca dış gerçekliğin temsili olduğu fikrini reddetti ve bunun yerine sanatçının iç deneyimlerini, duygularını ve bilinçaltı düşüncelerini aktarmaya odaklandı. Ressamlar, dinamik ve etkileyici fırça çalışmaları, cesur renkler ve temsili olmayan formlar yoluyla iç kargaşalarını, kaygılarını ve varoluşsal kaygılarını ifade etmeye çalıştılar. Soyut Ekspresyonist sanatçıların kullandığı teknikler çok çeşitliydi ancak genellikle spontane fırça darbelerini, tuval üzerine boya damlamasını veya dökmesini ve boyayı manipüle etmek için alışılmadık araçların kullanımını içeriyordu. Bu yöntemler, nihai ürün kadar yaratıcı süreci de vurgulayan, son derece kişisel ve duygu yüklü çalışmalar yaratmalarına olanak tanıdı. Anlatılanlar, yukarıda adı geçen Artmajeur sanatçısının, öznel deneyimini ortaya çıkarmak, ruhunun içeriğini açığa çıkarmak ve izleyiciyle paylaşmak için yalnızca duygusal ve sezgisel iziyle çalışmayı amaçlayan çalışmalarında bulunabilir.
Soyut Sanat neden koleksiyonerler arasında popüler? Soyut Ekspresyonizm, soyut sanatın bir biçimidir. İkincisi, gerçeklikten saptığı ve dolayısıyla figüratifliğin daha duyarlı geçici modalarının dışında kaldığı için koleksiyoncular tarafından geniş çapta takdir edilen bir tarzı temsil ediyor. Sonuç olarak, renklerin ve işaretlerin önemli olan tek unsur olduğu, çağdaş evlerimizin modern ve enerjik dekoruna her zaman mükemmel şekilde uyum sağlayabildiği bir evrene girilir. Bu yorumlama ve ifade özgürlüğü, koleksiyonerlerin çevreleriyle mükemmel bir şekilde bütünleşen, ev alanlarına canlılık ve dinamizm dokunuşu katan eserler bulmasına olanak tanıyor. Üstelik soyutlama, geniş bir yorum ve anlam yelpazesi sunarak koleksiyonerlerin kişisel zevklerini tam olarak yansıtan tablolar bulmasına olanak tanıyor, hayal güçlerini ve yaratıcılıklarını harekete geçiriyor. Son olarak, soyutlamanın belirli nesneleri veya sahneleri temsil etmek zorunda kalmadan duygu ve hisleri uyandırma yeteneği, yüzeyselliği aşarak hem zihni hem de ruhu harekete geçirebilen sanat eserleri arzulayanlar için onu çekici kılmaktadır.
Portre sanatı
VANESSA (2023) Tablo: Adeline Dutel
Tanım: Portreler, modelin az ya da çok aslına sadık temsilleri olabilir, ancak her durumda, çeşitli destekler üzerinde şekillenerek, çok çeşitli teknik ve tarzlara saygı göstererek onun özünü, tavrını ve içselliğini yakalamaya çalışırlar. Vanessa örneğinde Dutel'in çalışması, ana hatları kadın yüzünü şekillendiren "gerçekçi" bir portre biçimini alıyor. Basit bir figüratif anlatımın ötesine geçen şey, kadının tasvir edildiği, farklı kağıt katmanlarından oluşan, düzensiz görünen ve birbirine yakın yerleştirilmiş çok sayıda gül görünümü alan destektir. Bu seçim, sanatçının Artmajeur hakkındaki kendi sözleriyle açıklanıyor: "Farklı ortamlarla çalışmayı seviyorum; her malzeme kendi tarihini, derinliğini ve benzersizliğini taşır. Bu ince kağıt çiçek serisi özellikle getirdiği rahatlama açısından ilgi çekicidir. yüze ve nereye bakacağınıza bağlı olarak portrenin farklı yorumlarına göre değişir."
Portreler koleksiyonerler arasında neden popüler? Portre türü, koleksiyonerler arasında sürekli olarak büyük bir popülariteye sahip olmuştur ve bu kalıcı çekicilik, insanlığın kendisine duyulan eskimeyen hayranlığa atfedilebilir. Portrenin merkezinde insanın temsili vardır; onların özü, duyguları ve varoluşu. Bireyler için insan formu, karmaşıklıkları ve nüanslarıyla sonsuz bir entrika ve ilgi kaynağı olmaya devam ediyor. İster geçici bir neşe ifadesini, ister bir anlık iç gözlemi, ister birikmiş deneyimlerin ağırlığını yakalıyor olsun, portreler izleyicilerde empati, bağlantı ve tefekkür uyandırma gücüne sahiptir. Portreyi sonsuza kadar alakalı ve ilgi çekici kılan da insan deneyimiyle olan bu derin bağlantıdır. Aslında eski uygarlıklardan bu yana, her çağın sanatçıları portre yoluyla insanlığın özünü yakalamaya, bireyleri ve onların hikayelerini gelecek nesillere ölümsüzleştirmeye çalışmışlardır. Dolayısıyla şunu söyleyebiliriz: İnsanlık var olduğu sürece portre sanatı, ortak varoluşumuzun bir aynası olarak hizmet ederek, insan ruhunun güzelliğine ve karmaşıklığına saygı duruşunda bulunarak, yakalamaya ve ilham vermeye devam edecektir.
Manzara
FALAISES DE SEVEN SISTERS, SUSSEX, Birleşik Krallık (2023) Tablo: Laurent Gilbert
Açıklama: Gilbert'in manzarası, yüksek kayalıkların olduğu, ancak güçlü dışavurumcu renklere sahip, gerçeklikten ayrılmaya hazır, gökyüzünü duygularla renklendirip siyaha çeviren, kum mora dönerken deniz mavi kalan bir sahili tasvir ediyor. Daha sonra eserin başlığı araya girerek bizi gerçeğe yeniden bağlayacak ve tasvir edilen şeyi ortaya çıkarmaya hazır olacaktır: Manş Denizi'ne bakan bir dizi tebeşir kayalığı olan Yedi Kız Kardeşler, Doğu Sussex'teki South Downs'ta, Seaford kasabaları arasında yer alır. ve güney İngiltere'deki Eastbourne. Çok popülerler, öyle ki "The White Cliffs of Dover" gibi film veya televizyon yapımlarında kullanılmışlar. Bununla birlikte, uçurumlar insan faaliyetlerinden nispeten etkilenmemiş durumda ve sürekli ve tamamen doğal bir erozyon gösteriyor.
Manzaralar koleksiyoncular arasında neden popüler? Her şeyden önce, son derece ünlü bir akım olan ve özellikle manzara resimleriyle tanınan Empresyonizmin, açık havada resim yapan ressamlar tarafından yaratılan başarısını düşünüyorum. Sonuç olarak, birçok koleksiyoncunun söz konusu türü tam olarak sakallı Monet'ye benzeyen manzara ressamlarını hayal ettikleri için takdir ettiğini, hepsinin de doğayı açık havada, hatta belki yağmurda veya fırtınada bile eğlenceli bir şekilde yakalamaya niyetli olduğunu varsayabilirim. Peyzaj sanatında rahatlık aramayı amaçlayan, yani insanı doğanın güzelliği ve ihtişamıyla temasa geçirmenin bir yolunu amaçlayan en eski romantik idealleri de az önce söylenenlere ekliyorum. Bütün bunlara, izleyicinin doğasında var olan macera ve keşfetme arzusunun yanı sıra, fırçanın yarattığı, anılara ev sahipliği yapabilecek tanıdık manzaraları görme arzusu da ekleniyor. Böylece, sanatın çoğu zaman kaçmamızı sağladığı çılgın ve kentleşmiş dünyaya karşı çıkmak üzere tasarlanmış, sevilen mekanların görsel hatırlatıcıları doğar.
Olimpia Gaia Martinelli
