De aquareltechniek: Turner en Sargent beschrijven Venetië

Persoonlijk denk ik dat er geen betere manier is om aquarel te introduceren dan door het figuratieve onderzoek met betrekking tot deze techniek te presenteren van William Turner en John Singer Sargent, meesters die een glimp van de iconische stad Venetië hebben vereeuwigd, juist door te experimenteren met dit picturale medium . Het betreffende artistieke onderzoek zal ook de nauwe relatie naar voren brengen die deze twee schilders hadden met de eerder genoemde Italiaanse stad, die al het onderwerp was van beroemde meesterwerken in de kunstgeschiedenis, van onder meer Gentile Bellini, Vittore Carpaccio en Canaletto. Over William Turner gesproken, een Engelse schilder en graveur geboren in 1775, een bekende exponent van de Romantiek, een beweging die hij interpreteerde vanuit een persoonlijk standpunt, gericht op het anticiperen op de stilistische kenmerken van het impressionisme en, in sommige gevallen, zelfs die van abstractie, verbleef hij twee keer in de Venetiaanse hoofdstad, namelijk tijdens die reizen die de kunstenaar maakte in 1819 en vervolgens tussen 1828 en 1929. In beide verblijven legde Turner, binnenin zijn reisboekjes vol schetsen en aquarellen, intense momenten van laguneleven, concrete symbolen van de zeer hechte band die de Engelse kunstenaar met de Italiaanse stad smeedde, zeker door de charme van het typisch Venetiaanse licht, maar ook door de bekende historisch-literaire referenties, evenals de wereldberoemde schilders van laatstgenoemde. In zo'n figuratief verhaal, vaak omgezet in accurate en latere oliewerken, komt het dualisme van Venetië naar voren, dat wordt verteld, zowel als een openbare stad met zeer herkenbare onderwerpen, als als een meer bezoedelde en gereserveerde locatie, waarin de afbeelding van stillere plaatsen geeft een stem aan de meer introspectieve reflecties van de kunstenaar. Precies in die zin kan zo'n productie van aquarellen een nieuwe Turner onthullen, die, los van zijn rol als hofkunstenaar en lid van de prestigieuze Royal Academy of Art, zich presenteert als een nieuwsgierige en onvermoeibare reiziger, vastbesloten om de romantische mythe van de eenzame held, die botst met de meest uiteenlopende geheimen van de natuur.

William Turner, San Giorgio Maggiore bij zonsondergang , 1840. Aquarel. Londen: Tate Gallery.

John Singer Sargent, Venetiaans kanaal, 1913. Aquarel. New York: MET.

De eenvoud en spontaniteit van deze schetsen kenmerkt ook San Giorgio Maggiore bij zonsondergang (1840), een aquarel waarin de Engelsman een uitzicht op de basiliek creëerde, vastgelegd vanuit zijn hotelkamer, die, gelegen in het Hotel Europa (Palazzo Giustinian), toestond hem om een glimp op te vangen van dat in de schemering gehulde onderwerp. Over Sargent gesproken, de in 1856 geboren Amerikaanse impressionist besloot, op het hoogtepunt van zijn bloeiende carrière als portretschilder, zichzelf opnieuw uit te vinden en zijn creativiteit te herontdekken door het maken van aquarellen, gericht op het bieden van een soort figuratief verhaal aan zijn nieuwe "nomadische lifestyle, dat wil zeggen vooral gericht op het maken van ontdekkingsreizen naar Europa en het Midden-Oosten. Van de vele bestemmingen vertegenwoordigt Venetië zeker de meest geliefde plek van Sargent, die er na zijn eerste reis in 1870 meer dan tien keer zou terugkeren in een periode van veertig jaar, met ongeveer honderdvijftig Venetiaanse oliën en aquarellen, uitgevoerd tussen de jaren 1880 en 1913. Een voorbeeld van dit laguneverhaal is Venetiaans Kanaal (1913), een aquarel waarin het kabbelende water van het kanaal het zonlicht weerkaatst, evenals de nabijgelegen architectuur, waarin de schilderachtige 11e-eeuwse klokkentoren van de kerk van St. Barnabas kan ook worden gezien. Rekening houdend met het perspectief van het uitzicht, lijkt het alsof de meester het tafereel afbeeldde alsof hij comfortabel op een gondel had gezeten, een positie van waaruit de kunstenaar ook de beweging van enkele burgers vastlegde, die, vergeleken met de aandacht die aan de architectuur zijn besteed, verschijnen als verre aanwezigheden, aangegeven door een paar penseelstreken. Soortgelijke stilistische kenmerken onderscheiden ook een eerdere aquarel, getiteld Venetië, de gevangenis (1903), die een klein zicht op een bekende hoek van de lagunestad, waar we een glimp opvangen van het Palazzo delle Prigioni Nove, dat in 1589 door Antonio Da Ponte werd ontworpen om de zetel te worden van een van de de oudste magistraten van de Republiek Venetië. De voorgrond van het werk wordt echter ingenomen door een aantal gondels, die, dicht bij elkaar en stilstaand op het water, intense chromatische reflecties genereren op het oppervlak van het kanaal, terwijl de "bleekheid" van de achterliggende gebouwen het intense zonlicht.

Natalia Veyner, Zomerochtend , 2022. Aquarel op papier, 51,5 x 63 cm.

Kate Matveeva, Rennend naar het licht , 2022. Aquarel op papier, 50 x 40 cm.

De techniek van aquarel: van het oude Griekenland tot de moderne tijd

Verwijzend naar de meest toegankelijke definities, beschrijft Wikipedia aquarel als een schildertechniek die wordt gekenmerkt door het gebruik van fijngemalen pigmenten vermengd met bindmiddelen, die in een later stadium worden verdund in water om op de picturale drager te worden uitgespreid, om om composities te maken van kenmerkende zachte en delicate kleuren. Zoals te zien is in de voorbeelden van Turner en Sargent, blijkt zo'n instrument voor artistiek onderzoek, dat in zijn materialen als snel en gemakkelijk te vervoeren wordt beschouwd, perfect te zijn voor diegenen die schilderen tijdens het reizen of buitenshuis. Ondanks deze sterke punten werd het gebruik van aquarel pas in de zeventiende eeuw erg populair, hoewel het, hoewel niet precies in de vorm die vandaag bekend is, aanwezig was vanaf de tijd van de oude Egyptenaren, evenals in de cultuur van China in de vroege eeuwen CE en later in de middeleeuwse wereld van de miniaturisten, waar het werd gebruikt met effecten die meer op de moderne gouachetechniek leken. Kunstenaars zoals William Turner, William Blake, Charles-Joseph Natoire en Louis-Jean Desprez gebruikten daarentegen een "versie" van aquarel die meer leek op de hedendaagse, waarin kleuren verdund met eenvoudig water en verspreid in zeer vloeiende glazuren, over het karakteristieke wit van het papier gelegd. Juist door het werk van laatstgenoemde meesters, en dus tussen het einde van de achttiende en negentiende eeuw, werd aquarel uiteindelijk beschouwd als een artistieke techniek die vergelijkbaar is met olieverfschilderij, aangezien het vroeger vooral werd gebruikt voor voorbereidende schetsen of studies , zoals grote meesters als Albrecht Dürer en Pisanello dat af en toe deden. De grote traditie van aquarel volgt in de hedendaagse kunst, waar de nu gevestigde artistieke waardigheid van het medium tot uiting komt in het rijke en diverse werk van Artmajeur-kunstenaars, goed geïllustreerd door de werken van Ingaside, Irina Pronina en Karin Martina Wloczyk.

Ingaside, Heel blije hazen met snorharen , 2022. Aquarel op papier, 38 x 56 cm.

Ingaside: Heel blije hazen met snorharen

De aquarel van de Artmajeur-kunstenaar toont drie vrolijke hazen, die, waarschijnlijk uitgenodigd voor een verjaardagsfeest, deelnemen aan het evenement door schattige papieren snorren te dragen en op hun lange, stijve en uitgestrekte oren een versiering van driehoeken en fietsen te ondersteunen, een slinger waarvan de aanwezigheid is rigoureus bestudeerd om te zinspelen op een expliciete, vrolijke en zorgeloze feestsfeer. Puur kunsthistorisch gezien was het eerder genoemde dier echter de protagonist van een duidelijk serieuzer meesterwerk, zoals de aquarel uit 1502 van Albrecht Dürer, die, getiteld Hare , door de kunstenaar werd gemaakt om de kenmerken te bestuderen. van het beest, dat hij waarschijnlijk voor de gelegenheid had gevangen en in zijn atelier had neergezet. Juist in zo'n context kon het dier bang zijn geweest, een gevoel dat precies kon worden geopenbaard door de houding van zijn oren, nerveus en star naar boven gerangschikt. Al deze aandacht voor detail getuigen van de liefde die de Duitse meester voor dieren koesterde, die hij vaak verbeeldde met een uitgesproken realisme, in dit specifieke geval gevonden in de nauwkeurige weergave van de richting van de vacht van de haas, die varieert in de verschillende lichaamsdelen.

Irina Pronina, Lush Petunia , 2022. Aquarel op papier, 78 x 56 cm.

Irina Pronina: Weelderige Petunia

Het verhaal van de kunstgeschiedenis over de thema's die door aquarel worden onderzocht, beperkt zich niet alleen tot de beschrijving van steden en dieren, waarbij ook de kleurrijke bloemenwereld betrokken is. In feite lijkt de Lush Petunia van Irina Pronina een vervolg te geven op het artistieke onderzoek van Georgia O'Keeffe, een Amerikaanse schilder die vooral bekend staat om haar aquarellen en olieverfschilderijen van bloemen, die, in close-up of op grote schaal, werden bedacht tussen het midden van de jaren twintig en vijftig. Tijdens deze fase van haar carrière ontwikkelde zo'n kunstenaar, al op jonge leeftijd beïnvloed door de bloemenwereld, het bovengenoemde onderwerp binnen "klassieke" composities in de stijl van stillevens, die later steeds meer werden ingezoomd en richting abstractionisme. Het is precies vanuit dit laatste oogpunt dat Pronina's realistische weergave van de petunia duidelijk vertrekt, die, door de voorkeur te geven aan een meer luchtige omlijsting dan de "minimalistische" close-up, ons in staat stelt om meerdere exemplaren van dezelfde bloem te observeren, gericht op het worden een symbool van de persoonlijke kijk van de Artmajeur-kunstenaar op kunst, gericht op het onderzoeken van voornamelijk de meest uiteenlopende soorten flora.

Karin Martina Wloczyk, Kenn dein limit!, 2021. Aquarel / krijt op papier, 50 x 50 cm.

Karin Martina Wloczyk: Kenn dein limit!

Kenn dein limiet! is een abstracte aquarel, die, hoewel het opzichtige geometrische figuren bevat, tot de lyrische stroming van de bovengenoemde beweging behoort, in die zin dat het, in plaats van te worden gedomineerd door de striktheid en rationele controle van het geometrisch abstractionisme, voldoende ruimte laat voor de verbeelding, zoals evenals voor het persoonlijke universum van de kunstenaar, die zich vrij voelde om, instinctief, de vierkanten en rechthoeken in het werk te plaatsen. Een soortgelijk principe is te vinden in een bekende aquarel in de kunstgeschiedenis, zoals In de stijl van Kairouan , gemaakt door Paul Klee in 1914 en bewaard in het Kuntsmuseum in Bern, Zwitserland. De titel van het meesterwerk verwijst expliciet naar de Tunesische stad Kairouan, die de kunstenaar in hetzelfde jaar samen met Louis Moilliet en August Macke bezocht. Ondanks deze aanhaling liet het schilderij de realistische weergave van de werkelijkheid varen om het te vervangen door de aanwezigheid van rechthoeken, veelhoeken en abstract gekleurde cirkels die op elkaar zijn geplaatst. Wat de techniek betreft, werd waterverf echter door Klee op een experimentele manier onderzocht: hij begon zich uit te drukken door middel van een grijsschaal, wat na verloop van tijd en een grotere beheersing van het medium leidde tot de realisatie van werken met levendige kleuren.