Come definire la Pop Art ? Questo movimento internazionale, apparso a metà degli anni '50 in Inghilterra , brilla ancora notevolmente nella nostra società moderna. Considerato a volte come un diretto discendente del dadaismo, questa corrente si fa beffe del mondo dell'arte ovattato, appropriandosi dei codici della cultura pop , del consumo di massa, della pubblicità, dell'industria di Hollywood e dei media mainstream. La Pop Art offre allo spettatore uno sguardo nuovo, accessibile, divertente e talvolta critico sui fallimenti della nostra società dei consumi. Con opere colorate e comprensibili, sfuma così i confini e le gerarchie tra arti superiori e arti inferiori, tra belle arti e arte popolare.
5. Cos'è che rende le case di oggi così diverse, così attraenti?, Richard Hamilton
Quest'opera è giustamente considerata la prima vera opera della Pop Art . Realizzato nel 1956 dall'artista inglese Richard Hamilton , questo piccolo collage ( solo 26x25cm ), è composto da immagini tratte da riviste americane . Inoltre, il titolo di quest'opera, in francese " Cosa rende esattamente le case di oggi così diverse, così attraenti?" "Si ispira a uno slogan trovato in uno di questi diari, rendendo il rivestimento che promuove il suolo e il design colorato.
La scala a sinistra proviene da una pubblicità per un aspirapolvere, il bodybuilder al centro è il vincitore del concorso Mister Los Angeles (Mr. LA) del 1955, la donna sul divano a destra è da una rivista erotica... L'opera è ricca di simboli della società dei consumi e della cultura popolare , che, così raggruppati, formano un audace pamphlet critico contro i fallimenti di una società stereotipata ed egocentrica .
Richard Hamilton , consapevole di aver aperto la breccia di un potenziale nuovo movimento artistico , inizierà l'anno successivo a teorizzare la Pop Art : per lui, deve essere " un'arte popolare destinata alle masse, effimera, a breve termine, consumabile. , facilmente dimenticabili, prodotti in serie, poco costosi, giovani, spiritosi e sexy ” . Alcune di queste caratteristiche scompariranno ovviamente nel tempo (soprattutto per quanto riguarda il prezzo di queste opere, che stanno raggiungendo cifre stratosferiche), ma altre rimarranno, ancora oggi, perfettamente adeguate a questa definizione originaria.
4. Guarda Topolino , Roy Lichtenstein
Dopo l'Inghilterra, ora cambiamo continente per interessarci agli inizi della Pop Art americana. Roy Lichtenstein , l'artista malizioso che ha prodotto quest'opera nel 1961 , non era predestinato a diventare l'icona della Pop Art che ora conosciamo. Prima di questo risultato, ha espresso il suo ardore artistico attraverso l'espressionismo astratto , un movimento artistico ampiamente dominato dai suoi contemporanei Jackson Pollock e Willem de Kooning .
Nel 1961 uno dei suoi figli lo provocò: mostrandogli uno dei suoi fumetti, gli disse " Scommetto che non sai dipingere così bene!" " . Sfida accettata per Roy Lichtenstein, che sta lavorando alla creazione di un'opera monumentale ( 122x175cm ) ispirata a una bolla di fumetti (Paperino Lost and Found ). Quest'opera, oltre ad essere divertente ed esteticamente gradevole da contemplare, costituisce l'avanguardia di molte cose: è la prima vera opera d'arte che si ispira apertamente al mondo dei fumetti , e questa è la prima opera in cui l'artista utilizza la tecnica dei punti Benday ( punti disposti simmetricamente e in gran numero, che danno l'illusione di una tinta unita con distanza ). Oggi si tende a vedere Topolino ovunque nell'arte contemporanea: beh, è proprio quest'opera che rappresenta la prima intrusione del famoso topo nel mondo dell'arte .
3. Bandiera , Jasper Johns
Quest'opera impressionante per le sue dimensioni ( 107x153cm ) è stata prodotta da Jasper Johns nel 1954 . Rappresenta la bandiera americana , con le sue 48 stelle corrispondenti ai vari stati confederati dell'epoca, che quindi non comprendono ancora le Hawaii e l'Alaska. Quando ha prodotto questo lavoro, Jasper Johns aveva solo 24 anni ed era appena stato liberato dai suoi obblighi militari nell'esercito degli Stati Uniti. La bandiera americana ebbe quindi una grande importanza nella sua vita, ma fu anche al centro delle notizie in quel momento.
L'opera è rivoluzionaria soprattutto per le sottigliezze della sua realizzazione . Impiegando diverse tecniche come l' encausto , il collage da vecchi giornali e la pittura ad olio , l'opera si pone al confine tra l'arte astratta , ancora molto influente negli Stati Uniti, e l' arte figurativa , poiché il motivo rappresentato è eminentemente comprensibile. Adottando questo motivo noto a tutti, può concentrarsi sull'esecuzione plastica della sua tela , piuttosto che sul simbolismo dell'insieme. Sfuma così le classiche divisioni della lettura delle opere: i critici non possono più sapere se si tratta di una bandiera dipinta o di un dipinto di una bandiera . Per Johns, sono entrambe le cose. È così iscritto al cuore del neo-dadaismo , ma anche alle fondamenta della Pop Art , dell'arte minimale e dell'arte concettuale .
2. Dittico di Marilyn , Andy Warhol
Questa monumentale serigrafia ( 205x290cm ) del famoso Andy Warhol è stata prodotta nel 1962 , subito dopo la morte di Marilyn Monroe . Si compone di 50 fotografie dell'attrice , catturate nel 1953 durante la promozione del film Niagara. Nella metà sinistra, le immagini sono super colorate, ma nella metà destra tutte le fotografie sono in bianco e nero. Questa scelta rappresenta il rapporto tra vita e morte di Marilyn Monroe , e simboleggia anche i due temi preferiti dall'artista americano: la morte e il culto della celebrità . L'abbondanza di immagini richiama l' onnipresenza dell'icona nei media , ma il lato destro del pannello, in bianco e nero, ci conferma che la stella rimane mortale , mentre la rende eterna per sempre attraverso un'opera oggi considerata dal quotidiano britannico Il Gardian come una delle 3 opere d'arte moderna più influenti al mondo .
1. Una spruzzata più grande , David Hockney
Per l'ultimo lavoro di questa classifica torniamo in Inghilterra . David Hockney aveva 30 anni quando realizzò quest'opera luminosa e frivola . Su questa tela monumentale, come i suoi compagni ( 2,42 x 2,43 m ), scopriamo in primo piano un trampolino, una piscina, poi una villa. Le proiezioni sulla superficie dell'acqua ci fanno sottilmente capire che una persona si è appena tuffata lì.
A parte un'analisi strettamente pittorica, l'opera ci porta in un viaggio in una California edonistica e fantasmagorica , dove si mescolano celebrità, eccesso, seduzione, impertinenza ed esaltazione dei sensi. Questo dipinto, 3° di una serie dedicata alle piscine (elemento pittorico che David Hockney ama), ha riscosso molto successo, in particolare grazie alla natura ossessiva e metodica del suo autore : sebbene molto minimalista, questo dipinto rivela una perfetta simmetria : noi vede molte linee, nette e diritte, che strutturano la composizione per darle quel lato poco rigoroso che la rende così piacevole da contemplare. Gli schizzi spingono la griglia implicita di questa scena, consentendo allo spettatore di concentrarsi sull'azione. Nonostante l'opera sia priva di figure umane (cosa che raramente è nell'abito di Hockney), si avverte comunque una forte presenza, anche fuori dagli spruzzi d'acqua: la sedia pieghevole ( tipicamente hollywoodiana ), le tende tirate o il bordo erboso ben curato ce lo ricorda che un aspetto umano è imminente e noi amiamo la sensazione!
Ci auguriamo che questa classificazione sia stata piacevole da leggere e contemplare . Per gli amanti del genere, consigliamo la nostra collezione dedicata alla Pop Art , che riunisce la crema della creazione contemporanea.
Ti avvertiamo: ti piacerà!
Bastien Alleaume