Quelques symboles de New York "traduits" par l'art

Elvira Gord, Manhattan bridge New York city , 2021. Huile sur toile, 50 x 40 cm.

A partir de la seconde guerre mondiale, le centre de l'art mondial, la pépinière de toutes les nouvelles tendances, ainsi que le marché créatif, s'est progressivement déplacé de Paris à New York, donc, un historien de l'art du vieux continent comme moi, ne peut s'en passer de faire semblant de demander les fatidiques congés payés, de préparer des valises imaginaires, d'acheter un faux billet d'avion, peut-être deux, peut-être même de repartir, pour se catapulter dans la Grosse Pomme, armée, seule, de son imagination bizarre. Comme vous l'avez bien compris, il s'agit d'un voyage fictif, visant à découvrir certains des monuments les plus connus de la ville, qui seront analysés non pas par le guide touristique habituel équipé d'une pelle à poussière, mais par certains des chefs-d'œuvre les plus pertinents de l'histoire l'art thématique. Revenant à mon voyage, sans plus mentionner le fait qu'il est imaginaire, en évitant plus de souffrances et de frustrations inutiles, je vais vous dire comment je vais atterrir à John Fitzgerald Kennedy International, après neuf heures et demie éprouvantes vol, précédé d'un transfert en train de quatre heures et demie, qui m'a conduit de Pise à Milan, l'endroit où j'ai pris mon avion béni à destination du Queens (New York). Dès que je mettrai le pied hors de l'aéroport, sûrement avec des sautes d'humeur meurtrières, visant à combiner avec imagination fatigue et irritabilité avec euphorie, joie et énergie, je prendrai, comme moyen de locomotion, pour me déplacer en centre-ville, l'emblématique taxi jaune, sur lequel je monterai aux côtés d'Andy Warhol et de Jean Michel Basquiat. Je n'ai pas été époustouflé, car, en 1984 environ, les deux maîtres susmentionnés ont réalisé précisément une œuvre thématique, représentant, à travers les styles d'un "enfant", un garçon noir déterminé à héler un taxi à la 45e rue et à Broadway (New York). Au lieu de John Fitzgerald Kennedy International, nous sommes à Midtown Manhattan, pour "entendre" le conte figuratif de Taxi, 45th/Broadway, une œuvre qui ne nous parle pas d'un voyage, mais d'amitié et de racisme. En effet, la toile, fruit de la collaboration entre les "intimes" Basquiat et Warhol, donne voix à un partenariat artistique réussi qui s'est déroulé entre 1984 et 1985 et a donné naissance à une série d'œuvres dans lesquelles, deux des plus formidables génies artistiques du 20ème siècle, ont uni leur précieux point de vue, même si, comme il apparaît avec évidence, le flair du jeune artiste s'est imposé de manière drastique dans le chef-d'œuvre. Quant au deuxième thème traité par ce dernier, il n'apparaît que si l'on regarde attentivement le détail qui apparaît sur la chemise du Noir désireux d'expectorer le fiacre, à savoir l'inscription « nègre », qualificatif péjoratif destiné à l'identifier de manière explicite, raciste et brutale. En effet, c'est justement à cause de la couleur de sa peau que l'imprécatoire chauffeur de taxi blanc ignore de manière flagrante la demande du passager potentiel, un événement entièrement conçu pour rappeler une réalité bien familière à Basquiat qui, malgré son ascension fulgurante dans le New York scène artistique, était toujours prête à se heurter à des méchancetés discriminatoires similaires.

Edith Verdickt, Taxis Jaunes . Huile sur toile, 73 x 92 cm.

Ce conte "en jaune" se poursuit d'un autre point de vue, c'est-à-dire non plus du point de vue du promeneur, mais de celui du chauffeur de taxi, bien "joué" par Joseph Rodriguez, chauffeur de taxi-photographe, qui, dans le New York des années 1970 et 1980, précisément pendant ses quarts de travail, a commencé à créer ses premières œuvres, documentant une vie de rue pleine de rencontres multiples et de situations imprévisibles. Dans ce contexte, l'œuvre de Rodriguez semble dévoiler un mystère : ses images témoignent de l'aura fascinante des chauffeurs de taxi, qui, de manière assez insoupçonnée, se révèlent être de grands observateurs et connaisseurs de l'humanité. Après avoir "révélé" le premier symbole de la ville de New York, à savoir le taxi jaune, je reprends le récit de mon voyage qui, en plus d'entreprendre de concrétiser dans le futur, j'imagine traverser Time Square, un lieu où Je me matérialise "armé" d'un grand doute à résoudre : quelle cabane parmi les nombreuses accueillies dans la rue fera le hot-dog le plus savoureux ???? Certains des maîtres les plus connus de l'histoire de l'art "répondent" à mes bêtises, qui ont transformé l'une des icônes par excellence de la ville susmentionnée en un spécimen immangeable, mais très attrayant : je parle du hot-dog de Colin Self et Betty Spindler. Quant au premier artiste pop britannique, contemporain de David Hockney et de Peter Blake, sa sculpture Hot dog de 1965 a probablement été influencée par l'approche typique du mouvement "dirigé" par Andy Warhol, visant à reconnaître dans le fast-food, et dérivés, des sujets capable de révéler la frénésie de la société de consommation. Dans le cas de la sculpture de Self, cependant, le "positivisme" chromatique typique du Pop art cède la place à un hot-dog qui, noirci, se transforme en un instrument de dénonciation incommode, ayant pour but de placer sous les yeux du spectateur un succulent "brûlé " plat, miroir des multiples atrocités commises par les guerres en cours. Spindler's Hot dog (2000), comparé à l'interprétation sombre et sérieuse de Self, apparaît comme plus superficiel et insouciant, puisque le succulent plat a été "farci" par l'artiste de tous ses ingrédients préférés, se révélant aussi fonctionnel pour aider les spectateur les plus indécis d'idées pour le dîner, qui à la fin s'exclamera : hot dog ce soir ! Enfin, faisant mes valises pour repartir en Europe, je réfléchis à mon voyage en me demandant pourquoi New York est aussi appelée la Grosse Pomme, puisque si cette appellation est certainement due à une succession de faits historiques, dont les figures d'Edward S Martin, John J. Fitgerald, Charles Gillet et Rudolph Giuliani alternent, même l'art a son mot à dire, révélant les significations les plus cachées d'un fruit très prisé dans la représentation figurative occidentale. D'Adam et Eve d'Albrecht Dürer, aux natures mortes de Paul Cézanne et Vincent van Gogh, jusqu'au Portrait d'un jeune homme à la pomme de Raphaël, etc. etc., la pomme, autre symbole par excellence de New York, a pris des sens opposés et aux frontières très floues, visant à osciller entre le bien et le mal, le péché et la bonne conduite. Si imaginer les deux visages de New York, compte tenu de la riche filmographie à cet égard, n'est pas très difficile, révéler des points de vue plus approfondis et inédits sur Gotham City sont les œuvres des artistes d'Artmajeur, telles que celles de Gorka Gonzalez Crespo, Jean Mirre et Christian Naura.

Gorka Gonzalez Crespo, New York New York , 2021. Huile sur toile, 100 x 81 cm.

Gorka Gonzalez Crespo : New York New York

Le charme, l'élégance, le raffinement et la beauté sage de la protagoniste de l'huile de Crespo semblent donner la parole à une féminité intemporelle, ou inchangée, puisque, malgré l'artiste Artmajeur plaçant la femme dans un laps de temps précis, celui des années 30, la personne dépeint semblerait être à la fois une fille de notre époque et celle d'Andy Warhol. Je viens d'évoquer le maître du Pop art précisément pour l'emplacement du tableau, qui, se détachant sur un fond de lumières tamisées pseudo appartenant à l'environnement disco de la Grosse Pomme, m'a immédiatement rappelé l'iconique Studio 54, un Nouveau Club de York fréquenté, entre 1977 et 1980, non seulement par le maître susmentionné, mais aussi par d'autres artistes bien connus, icônes littérales de l'humanité. En effet, si mon association imaginaire devenait réelle, nous pourrions "voir" la belle protagoniste de New York New York danser avec Michael Jackson, parler de musique avec Mick Jagger et discuter d'art avec Salvador Dalí, sans parler de ce qui aurait pu se passer si elle eu l'honneur de rencontrer Al Pacino, David Bowie, Lou Reed, etc, etc. En parlant du Studio 54, le lieu, qui était situé entre la West 54th Street, entre la 7th et la 8th Avenue à Midtown Manhattan (New York), est lui-même un icône, car elle fut le berceau du divertissement convoité dans le monde entier, a déterminé la naissance du nouveau concept de club, tout en se distinguant par le statut de ses invités, accepté par des gens qui comptaient et dictaient les règles de l'époque. Par conséquent, si mon histoire était vraie, envieriez-vous la fille de New York New York même pour une nuit ?

Jean Mirre, New York, New York , 2021. Huile/encre sur papier, 65 x 50 cm.

Jean Mirre : New York New York

L'art nous donne la "superpuissance" temporaire de pouvoir contempler la réalité avec des yeux nouveaux et différents, comme si nous possédions une collection de lentilles à porter, capables de faire osciller notre perception entre les styles et les techniques artistiques les plus divers. Dans le cas de Jean Mirre on reconnaît dans les "lunettes" que l'artiste nous fait porter des tendances post-impressionnistes, qui sont "salies" par un soupçon d'ingéniosité "naïve". C'est précisément de cette dernière tendance que je retrouve le manque de perspective typique, l'utilisation enfantine de la couleur et du dessin élémentaire, même si, généralement, le travail de l'artiste d'Artmajeur a de plus grandes affinités avec les "héritiers" des impressionnistes, qu'il interprète avec un point de vue personnel et extrêmement coloré, qui conduit à une classification qui s'apparente également à l'expressionnisme. En un mot, cette vision de la réalité, fruit de l'assimilation très personnelle de multiples influences, donne vie à une vue plongeante sur la ville de New York, dont les protagonistes sont la couleur bleue, qui enveloppe et "cache" le sujets multiples, et le jaune des silhouettes bien distinctes des quatre taxis filant à vive allure, se dépassant comme des petites voitures télécommandées. Dans l'histoire de l'art, de nombreuses œuvres ont interprété la grosse pomme avec un langage très personnel, comme par exemple Old Brooklyn Bridge (1941) de Joseph Stella, Fifth Avenue, New York (1911) de Joaquin Sorolla, New York as Seen from Across the Body (1913) de Francis Picabia, etc. En particulier, la perspective du haut du maître de l'impressionnisme espagnol est à considérer comme extrêmement précieuse, car Sorolla a rarement traité le thème urbain, afin de créer travaux de grande envergure. Dans la gouache de 1911, le point de vue est capté par le maître qui avait l'habitude de peindre depuis la fenêtre de sa chambre donnant sur la Cinquième Avenue, position d'où il photographie la réalité par des coups de pinceau rapides visant à rendre immobile la vie urbaine dynamique de la métropole.

Christian Naura, New York I , acrylique sur toile de lin, 81 x 65 cm.

Christian Naura : New York I

Une vision plus classique de "Gotham City" est dissimulée par le plan cinématographique en noir et blanc façon années 30 de l'acrylique de Naura, visant, comme le confie l'artiste elle-même, à révéler l'apparence de la Grosse Pomme, qui est prise, sans même qu'elle s'y attende elle (chut, silence !), alors qu'elle est privée de son fameux trafic automobile, capable de la combler comme le sang inonde les artères. L'atmosphère de la même période historique se retrouve dans un chef-d'œuvre bien connu de l'histoire de l'art, à savoir New York Night (1929) de Georgia O'Keeffe, un tableau précieux qui est aussi un "document" destiné à témoigner de la façon dont l'artiste a fait ne s'est pas consacrée uniquement à ses crânes, déserts et fleurs les plus connus. L'œuvre, datant de la jeunesse du peintre passée à New York, exprime harmonieusement les volumes complexes des gratte-ciel, qui laissent derrière leurs épaules lourdes et hautes un sillage lointain et lumineux, visant à exprimer toute la vitalité de la ville, qui, par excellence , il ne dort jamais. En analysant plus attentivement le tableau, il est évident que son point focal est représenté par l'hôtel Beverly, puisque ce dernier était visible depuis l'appartement de l'artiste, qui s'est prêté à l'observer et à le capturer depuis le trentième étage de l'hôtel Shelton. Enfin, les œuvres en question nous livrent certainement deux points de vue différents mais complémentaires sur un même sujet : New York I cadre en contre-plongée et en noir et blanc, New York Night met en valeur la couleur et les hauteurs. Probablement, ce n'est qu'en combinant ces deux visions du monde qu'il est possible de synthétiser la richesse de la réalité, les perspectives et les nuances chromatiques de l'univers.