Les corbeaux dans l'art : des œuvres plus ou moins connues !

Vincent van Gogh, Champ de blé aux corbeaux , 1890. Huile sur toile, 50,2 cm × 103 cm. Musée Van Gogh, Amsterdam.

À commencer par Vincent van Gogh...

Sur un champ de blé mûr, un vol de corbeaux survole le paysage. En observant attentivement le manteau doré, il semble presque se diriger vers le chemin qui apparaît au premier plan du tableau, prêt à fendre les tiges jaunes avant de se perdre dans la nature elle-même. La frontière de cette dernière est déterminée, en sa partie inférieure, par des bords d'herbe verte, ainsi que par un sol argileux abondant, qui se trouve sous un ciel sombre où tourbillonnent des nuages noirs, semblant reproduire le même mouvement des oiseaux en question. Eh bien, le thème de l'article porte précisément sur ces animaux dans le récit de l'histoire de l'art, un sujet qui pourrait être abordé en se référant uniquement à la peinture décrite ci-dessus, rien de moins que le célèbre Champ de blé aux corbeaux (1890) de Vincent van Gogh, en continuant le récit avec les tout aussi célèbres L'Arbre aux Corbeaux (1822) de Caspar David Friedrich et Saint Antoine Abbé et Saint Paul premier ermite (1634-1660) de Diego Velasquez. Cependant, souhaitant éviter des sujets largement explorés, je vais maintenant vous présenter d'autres tableaux sur les corbeaux, réalisés par de grands maîtres, certainement moins connus que ceux mentionnés précédemment. Alors, dans le respect de cette dernière intention, je vais vous faire découvrir le travail d'Alexei Kondratievich Savrasov, Vasily Vereshchagin, August Friedrich Schenck, John William Waterhouse, Marie Spartali Stillman et Lovis Corinth, en commençant par le chef-d'œuvre du premier artiste en question : "Les Corbeaux sont de retour" (1871).

Alexeï Savrassov, Les Feux sont revenus , 1871. 62 cm × 48,5 cm. Galerie Tretiakov.

Alexei Kondratievich Savrasov : Les freux sont de retour   (1871)

Tout d'abord, il est bon d'introduire l'artiste (Alexeï Kondratievitch Savrasov ; 1830-1886) en disant simplement qu'il était un peintre russe principalement paysagiste, qui s'est distingué en donnant vie au style lyrique du genre en question. En ce qui concerne "Les freux sont de retour" (1871), l'œuvre, conservée à la Galerie d'État Trétiakov (Moscou), est considérée comme le travail le plus connu de Savrasov, ainsi qu'une peinture essentielle pour le développement de la peinture paysagiste russe. De plus, "Les freux sont de retour " est le fruit d'une longue étude de l'artiste, qui a eu lieu entre Yaroslavl et le gouvernement de Lostroma, où, dans le village de Molvitino, il a trouvé l'inspiration dans l'architecture de l'Église de la Résurrection. Quoi qu'il en soit, l'œuvre a été achevée à Moscou, la capitale où elle a connu un grand succès, étant immédiatement reconnue comme une œuvre capable de donner voix à l'âme simple de l'artiste, incontestablement sensible et proche de la réalité de la nature et de ses changements. En fait, le tableau saisit le moment où, chaque année, les corbeaux reviennent à leurs nids au printemps, précisément avant que la neige de l'hiver ne soit complètement fondue, un instant assez prévisible et répétitif qui, par le miracle de l'art, se transforme en un rituel sacré à contempler en silence, avec une grande et nouvelle attention.

Vasily Vereshchagin, L'Apothéose de la guerre , 1871. Huile sur toile, 127 cm × 197 cm. Galerie Tretiakov, Moscou.

Vasily Vereshchagin : L'apothéose de la guerre (1871)

Le peintre russe Vasily Vasilyevich Vereshchagin (1842-1904) était un artiste de guerre qui, faisant partie de l'Ordre de Saint-Georges, était célèbre principalement pour la nature graphique de ses scènes réalistes, lesquelles, en raison de ces particularités, ont subi l'opprobre d'une partie de l'intelligentsia russe, au point de ne jamais avoir été en partie imprimées ou exposées. En ce qui concerne "L'Apothéose de la Guerre", quant à lui, le tableau représente une pile de crânes humains, probablement le résultat d'une bataille ou d'un siège, qui trouve sa place dans un paysage désolé situé hors des murs de la ville de Samarcande, où l'artiste avait précédemment combattu pour l'armée impériale russe, lors de la conquête du Turkestan russe. Ce qui vient d'être décrit, cependant, manque de la sombre présence d'un vol de corbeaux, arrivés ou encore en route vers la scène lugubre susmentionnée, tandis que les montagnes silencieuses observent la scène, faisant office de ligne de démarcation dans la peinture, séparant ainsi les steppes vides de l'immensité du ciel. Enfin, la description se termine avec les propres mots de l'artiste, qui a écrit sur le cadre de l'œuvre : il a dédié le tableau "à tous les grands conquérants, passés, présents et futurs", probablement pour s'opposer à l'arrivée inéluctable de la mort, personnifiée par les crânes et les corbeaux, qui se présente depuis toujours comme l'ennemie la plus tragique du souvenir de la vie humaine.

August Friedrich Schenck, Angoisse , 1878. Huile sur toile, 151 cm × 251,2 cm. Galerie nationale de Victoria, Melbourne.

August Friedrich Schenck : Angoisse (1878)

August Friedrich Albrecht Schenck (1828-1901), peintre principalement actif en France, est né dans la ville de Glückstadt, une commune allemande à l'époque danoise. En ce qui concerne ce maître, il est important de noter que son œuvre la plus connue est justement celle dans laquelle il a représenté un vol de corbeaux, à savoir "Angoisse" (1878). La toile en question immortalise en tant que sujet principal une mère brebis angoissée par la mort de son fils, dont le corps sans vie est entouré par un groupe d'oiseaux noirs, prêts à attendre de pouvoir le dévorer. Il est important de noter les détails de l'œuvre, tels que l'air se condensant près de la bouche de la mère brebis, l'animal venant de pousser un cri déchirant de douleur, tandis qu'un filet de sang s'étend dans la neige immaculée, provenant de la bouche du petit mammifère décédé. Le ciel sous lequel se déroulent ces événements tragiques présente les caractéristiques les plus sombres de la saison hivernale, se montrant gris et nuageux, comme un visage prêt à éclater en larmes à tout moment. Enfin, il est curieux de noter qu'il existe une autre version de l'œuvre, intitulée "L'Orphelin, Souvenir d'Auvergne" (1885), un tableau conservé au Musée d'Orsay, où l'agneau est placé au-dessus du corps sans vie de sa mère.

John William Waterhouse, Le Cercle magique , 1886. Huile sur toile, 183 cm × 127 cm. Tate Britain, Londres.

John William Waterhouse : Le cercle magique

Le préraphaélite moderne John William Waterhouse (1849-1917) était un peintre britannique dont le travail, né quelques décennies après la dissolution de la confrérie préraphaélite, présente à la fois l'influence de ces derniers et celle des impressionnistes contemporains, ce qui a donné lieu au développement de styles "borderline" se manifestant principalement dans des sujets mythologiques ou arthuriens. Son œuvre dans laquelle la présence nécessaire des corbeaux se concrétise est "The Magic Circle" (Le Cercle Magique), une peinture à l'huile représentant une magicienne en train d'utiliser une baguette pour dessiner un cercle enflammé sur la terre, dans le but de créer un espace rituel où un événement cérémonial pourrait prendre forme. La femme est certainement le personnage principal de la peinture, accompagnée de corbeaux et d'un crapaud, des présences peintes en tant que symboles populaires des activités de sorcellerie, situées dans un paysage brumeux, irréel, mystique et indéniablement magique. Le sujet de "The Magic Circle" ne devrait pas nous étonner, car le maître abordait souvent, dans son travail artistique, des thèmes liés à la magie et au pouvoir de la prophétie, indissociables de l'image d'une femme enchanteresse, toujours prête à évoquer la célèbre Circé de l'Odyssée.

 Marie Spartali Stillman, Antigone donnant les rites funéraires au corps de son frère Polynice (date inconnue), huile sur toile, autres détails inconnus. 

Marie Spartali Stillman : Antigone (date inconnue)

Maria Eufrosyne Spartali (1844-1927) a été l'une des modèles préférées de la Confrérie des Préraphaélites, une association artistique influente dans la peinture victorienne qui l'a vue, par la suite, devenir également peintre. Sa longue carrière a été estimée par des grands du "genre", tels que Dante Gabriel Rossetti. En ce qui concerne son œuvre qui parle des corbeaux, il s'agit de "Antigone donnant les rites funéraires au corps de son frère Polynice", une huile parmi les premières de la peintre, qui apprenait alors la technique en question auprès de l'un des principaux représentants des Préraphaélites, le maître britannique Sir Edward Coley Burne-Jones. Cette peinture représente une scène de la tragédie grecque "Antigone", précisément celle où cette héroïne est en train de pleurer la mort de son frère Polynice, tandis qu'il est étendu sur un rocher balayé par le vent, au milieu d'un paysage désolé. Antigone, dans ce contexte, tente d'enterrer le corps de son frère, allant ainsi à l'encontre de la volonté du roi Créon de Thèbes, qui avait émis un décret spécifique interdisant même le deuil de Polynice. Cette décision est due au fait que Polynice, qui voulait monter sur le trône de Thèbes, est mort en assiégeant la ville, se comportant comme un ennemi, auquel Créon ne voulait pas rendre les honneurs funéraires. Par conséquent, la peinture représente le moment où Antigone s'oppose à cette loi susmentionnée, essayant de donner une sépulture digne à son frère, ce qui, lorsqu'il a été découvert, lui a coûté sa liberté, puis sa vie. Une fois emprisonnée, elle a choisi de se pendre, un événement qui a conduit au geste ultime d'Émon, le fils de Créon, et le fiancé promis d'Antigone. Ainsi, les corbeaux dans l'œuvre pourraient également représenter une sorte d'alternative salvatrice providentielle aux conséquences de l'enterrement, car si seulement ils avaient eu le plaisir de dévorer le corps de Polynice, il n'y aurait pas eu d'autres effusions de sang.

Lovis Corinth, Paysage avec un grand corbeau (1893), huile sur toile, 96 × 120 cm, Städelsches Kunstinstitut und Städtische Galerie, Francfort.

Lovis Corinth : Paysage avec un grand corbeau (1893)

Lovis Corinth (1858-1925) était un peintre, graveur et écrivain allemand dont l'œuvre a donné naissance à une synthèse entre l'impressionnisme et l'expressionnisme. Initialement issu d'une approche principalement naturaliste de l'art, il a évolué en utilisant des couleurs vives pour interpréter principalement des portraits, des nus, des paysages et des scènes bibliques caractérisés par une extraordinaire vitalité et puissance. En ce qui concerne les paysages, l'une de ses œuvres est "Paysage avec un grand corbeau" (1893), une peinture qui représente bien la période des années 90 de l'artiste, où il a commencé à se consacrer assidûment à ce sujet, qui, dans le cas de ce chef-d'œuvre en particulier, semble "évoquer" l'exemple proche du "Champ de blé avec vol de corbeaux" (1890) de Van Gogh. De la même manière que dans ce dernier tableau, dans "Paysage avec un grand corbeau", les corbeaux en question représentent des présages funestes, incontestables et imminents de la mort, capturés alors qu'ils volent dans le ciel, où ils sont les seuls êtres vivants à animer une campagne autrement déserte. Maintenant, si dans le cas de Vincent, nous sommes parfaitement conscients de son malaise intérieur, qui s'est toujours manifesté dans sa peinture, il convient de noter que Corinth souffrait également d'une mélancolie sombre qui, en période de dépression, était souvent dissimulée par l'image plus traditionnelle de sa vie sociale, ainsi que par celle essentiellement plus positive de son œuvre. Enfin, il est impossible de clore cette revue d'œuvres sur les corbeaux sans mentionner d'autres exemples tels que "Ruin by the Sea" (1881) d'Arnold Böcklin, "Crows Before the Sleigh" (vers 1900) de Stanislaw Siestrzencewicz, "The Last Journey" de Jakub Schikaneder, "Paysage avec des corbeaux" (1911) d'Egon Schiele et "The Pilgrim Folk" (1914) de Marie Spartali Stillman.