Carlos Canet Fortea, Viaje aproximado , 2022. Fotografía, Fotografía Digital / Fotografía Manipulada / Collage Digital sobre Papel, 100 x 80 cm.
Antes de entrar en la investigación artística promovida por el medio fotográfico, parece obvio referirse a esa tradición pictórica que, a lo largo de los siglos, ha auspiciado el nacimiento, desarrollo y afirmación de los géneros artísticos más conocidos, entre ellos el indefectible tema del paisaje. Parece pues evidente que la fotografía, teniendo como objeto este último tema, disfrutó de los esfuerzos anteriores, que llevaron al reconocimiento oficial de la total autonomía de la pintura de paisaje, hecho que se produjo en un momento y lugar concretos de la historia: la Holanda del Siglo de Oro. De hecho, con anterioridad a este período, el paisaje se concebía como un mero fondo pictórico, que, sin identidad de género, tenía como finalidad decorar o ilustrar los lugares en los que se desarrollaban los hechos narrados, en su mayoría de carácter religioso, mitológico o histórico. La llegada de la fotografía, fechada a finales del siglo XIX, heredó directamente los logros anteriores, fomentando, aunque de forma gradual y experimental, el progresivo interés por el género del paisaje, que se convirtió, a lo largo de los siglos, en uno de sus principales caballos de batalla. Además, en el transcurso de su acercamiento al arte fotográfico, esta disciplina también se ha enfrentado, como la pintura, la escultura, etc., a múltiples movimientos, corrientes y tendencias artísticas, dentro de las cuales es obligado mencionar el Minimalismo, un punto de vista sobre la realidad, que ha impuesto sus rasgos estilísticos también en la pintura de paisaje. Descrito de manera simple y concisa: el punto de vista minimalista le da al género del paisaje el objetivo de capturar el dato real a través de una interpretación extremadamente sintética y concreta, que, al hacer uso del encuadre de solo algunos elementos, o incluso a veces solo uno, logra un mayor impacto visual. De hecho, la propia posibilidad de centrar la atención en ese "pequeño" que se representa, permite al espectador captar inmediatamente lo concebido, para transmitir un mensaje, evitando dispersar la atención en múltiples "volantes" decorativos. Para concretar en la imaginación del lector lo que acabamos de exponer, es fundamental hacer referencia al trabajo de algunos fotógrafos, quienes, como Hiroshi Sugimoto, Yamamoto Masao y Michael Kenna, se han dedicado a capturar visiones minimalistas del paisaje. Hablando de lo primero, el artista y fotógrafo japonés nacido en 1948 resulta ser uno de los más importantes exponentes de la fotografía contemporánea, teniendo la particularidad de combinar el arte minimalista y conceptual con la sobriedad y sencillez afines de las costumbres orientales. Estos rasgos estilísticos se materializaron en su serie de marinas de 1980, dentro de las cuales el mismo uso de encuadres y materiales, se enfoca en potenciar la variación del blanco y negro, dispuestos dentro de las vistas, con el objetivo de capturar mares vacíos y en calma, coronados por un claro y cielo silencioso En tal contexto, en el que la línea entre el agua y el aire a menudo se vuelve muy difusa, rayana en el abstraccionismo, quiere hacer explícito cómo, a pesar del inexorable paso del tiempo, la grandeza de la naturaleza permanece notablemente, y casi divinamente, inalterada. En pintura, una sensación similar nos pueden transmitir las obras de Piero Guccione, pintor, grabador e ilustrador italiano nacido en 1935, cuyas marinas conceptuales encuentran, en la línea que divide el cielo del mar, el foco de un reflejo. centrada en una meditación, destinada a poner al espectador en contacto con su yo interior. En cuanto a Yamamoto Masao, por su parte, el fotógrafo japonés se concentra en la creación de imágenes de pequeño formato, que, como especies de árboles bonsái para atesorar en las manos, invitan al espectador a un recuerdo similar. En esta dimensión meditativa hay cabida, tanto para el presente como para el pasado, tanto que la artista prefiere el uso de imágenes en blanco y negro "envejecidas", que pretenden aludir a recuerdos, fragmentos y huellas de las mil versiones de nosotros mismos. .
Philippe Berthier, Phoetr y, 2023. Fotografía, Fotografía digital / Fotografía manipulada sobre papel, 47 x 67 cm.
Hablando de paisaje, los planos de Masao sobre este tema dan testimonio de su interés por observar las transiciones naturales, cuya narrativa parece aludir a la evolución de nuestro propio curso de vida. Un ejemplo de plano minimalista del artista japonés es Kawa=Flow #1652, en el que, para aludir a un paisaje otoñal, se alude únicamente a la visión de un grupo de pájaros posados en ramas sagradas. De manera similar, la pintura también ha retratado un tema similar, tal como se muestra en la perspectiva más amplia y colorida de los pájaros blancos sentados en el árbol de Edward Said Tingatinga, un conocido pintor tanzano. Finalmente, sobre Michael Kenna, el célebre fotógrafo británico, nacido en 1953, es muy conocido por sus paisajes minimalistas en blanco y negro, que, iluminados por una luz típicamente etérea, resultado de tomas tomadas con las primeras luces o durante la noche, persiguen la intención de centrarse en la interacción entre las condiciones atmosféricas y los sujetos inmortalizados. A menudo, precisamente para resaltar esta relación, inmortaliza árboles solitarios, que inmersos en la blancura o en la oscuridad, nos hacen pensar en los ejemplares individuales captados por algunas obras maestras de la pintura como, por ejemplo: El Árbol rojo y el Árbol azul de Mondrian y el de Van Gogh. inolvidable Mulberry Tree in Autumn (1889), obra pintada por el maestro holandés menos de un año antes de su muerte, es decir, en una época que, si bien caótica y desequilibrada, resultaba bastante "ilustrada". La nueva conciencia de Vincent probablemente se inspiró en el lugar donde se "alojaba", es decir, el asilo Saint Paul en Saint-Remy, hospital donde fue ingresado después del famoso incidente del oído. Fue precisamente en el psiquiátrico donde tomó conciencia de su turbulento pasado, sintiéndose aliviado por el interés que despertaba en sus nuevas obras de arte y por la feliz compañía que le ofrecían sus compañeros de desgracia hospitalaria. Por lo tanto, esta última comparación entre la fotografía minimalista y la pintura posexpresionista revela un detalle más: quienes favorecieron el segundo movimiento, en general, han explotado el arte más como una especie de terapia que como un medio de contemplación más serena y de síntesis de la existencia. .
Tomáš Tisoň, El guardián , 2021. Fotografía, Fotografía digital sobre Papel, 50 x 50 cm.
Gio Mondelli, Verano caluroso , 2018. Pintura, Acrílico sobre Lienzo, 45 x 45 cm.
Gio Mondelli: verano caluroso
Los colores extremadamente brillantes, junto con los pocos elementos del paisaje, representados por el acrílico sobre lienzo de Gio Mondelli, un artista italiano nacido en 1953, reabren el "debate", mencionado anteriormente, sobre la pseudo "dependencia" de la fotografía hacia el arte pictórico. encontrado a nivel de "préstamo" de muchos temas y enfoques estilísticos. Tal situación se invierte si en cambio consideramos precisamente el punto de vista sobre el arte del paisaje del artista de Artmajeur, que parece casi una especie de intérprete pictórico de la investigación fotográfica de Franco Fontana, un modenés nacido en 1933 conocido por sus paisajes minimalistas, en el que los protagonistas indiscutibles son, además de la naturaleza italiana de los campos, los árboles y las nubes hábilmente colocadas, el color y las geometrías. Son precisamente estos dos últimos componentes los que resultan ser los verdaderos motivadores de sus elecciones temáticas, capaces de transformar los "simples" paisajes rurales, así como los industriales y urbanos, en una especie de abstracción, destinada a dar voz a la " grito" de cromatismo exagerado, expresado en líneas sintéticas agudas y marcadas. En este contexto, la finca Calda de Mondelli parece atribuirse, en particular, a la serie fotográfica apuliana de Fontana, que data de finales de la década de 1980 y muestra el triunfo más auténtico del amarillo, el azul y el verde, dentro de una naturaleza que aparece, en términos de orden. y vivacidad, más exuberante y bien dispuesta hacia el hombre y sus fechorías.
Emmanuel Passeleu, El azul , 2021. Fotografía, Fotografía digital / Fotografía manipulada sobre papel, 50 x 50 cm.
Emmanuel Passeleu: El azul
Es importante destacar cómo, además de los géneros clásicos, el mundo de la fotografía también se compone de modas, tendencias e innovaciones de última hora, que en la época actual se propagan desde el ámbito de internet y las redes sociales, muchas veces con exclusión de las academias e instituciones museísticas más antiguas. Lo dicho parece resumir la experiencia de vida de Marcus Cederberg, un fotógrafo minimalista de origen sueco que, un tanto en broma, comenzó a difundir sus tomas, así como su particular punto de vista, a través de la plataforma de Instagram, iniciando sesión en 2014. Hoy su perfil goza de gran atención, siendo muy frecuentado por curiosos, amantes de la fotografía, del arte en general y de los propios fotógrafos, que aspiran a captar lo real dotándolo de colores y formas afines "sintéticas". Tal visión "ordenada" surge de una necesidad particular del artista, que siente que debe oponerse al caos de nuestra sociedad, que toma la forma de ritmos angustiosos, saturados de insumos y falsos mitos que perseguir. Su lucha se libra con poéticas minimalistas, corriente capaz de contagiar una prolífica sensación de sosiego, debido principalmente a la cuidada selección de colores, contrastes y espacios negativos. Hablando de acciones concretas, abrí el perfil de Instagram del fotógrafo señalando que uno de sus temas favoritos son las ventanas, las cuales son analizadas individualmente, en parejas y, en ocasiones, a través de una multiplicación casi "infinita". Tales sujetos se recortan contra paredes de colores simples, que, en ocasiones, presentan algunos detalles realistas, tanto estáticos como dinámicos. Las ventanas son también el tema principal de la fotografía digital del artista de Artmajeur, que ha personalizado el minimalismo añadiendo hábiles toques surrealistas, destinados a mezclar, de forma novedosa e innovadora, dos tendencias fundamentalmente opuestas.
Elisabeth Laplante, Neon noué , 2018. Fotografía, Fotografía digital sobre Papel, 30 x 45 cm.
Elisabeth Laplante: Neon Noué
Sobre una pared oscura, de color rosa amaranto, color agua de mar, discurre un hilo de luz de neón, que vemos atrapado en el formato rectangular de la fotografía, sin que podamos saber la extensión real de su recorrido. Este es probablemente el misterio al que alude el minimalismo de Laplante, que también explota el mencionado objeto fluorescente como una especie de detalle, destinado a captar definitivamente la atención del espectador. De hecho, el neón se puede notar incluso en una etapa posterior, pero cuando tu mirada se posa en él, probablemente será lo último que observarás con tanta precisión, ya que, ¿quién, después de descubrir la luz, querría volver a la oscuridad? De hecho, la luz es tan atractiva precisamente porque puede definir el espacio, haciéndolo vital y dinámico, brindándonos la capacidad de ver el mundo tal como lo percibimos, distinguiendo formas y colores. Estos conceptos probablemente también se han basado en los supuestos de la investigación artística de James Turrell, un artista estadounidense cuyo trabajo se ocupa principalmente de la percepción de la luz y el espacio. De hecho, el artista es considerado uno de los máximos exponentes de Light and Space, un movimiento nacido en Estados Unidos en la década de 1960, que transformó la luz en una obra de arte, destinada a comunicar, tanto a la mente como al cuerpo de espectadores
Olimpia Gaia Martinelli
