RAYO DE LUNA (2020)Pintura de Adele Mosonyi
Exploración del núcleo contemporáneo de la Bienal de Venecia 2024: una mirada en profundidad a los temas centrales
La 60ª edición de la Bienal de Arte de Venecia, titulada "Strangers Everywhere", se inspira en una serie de obras creadas por el colectivo Claire Fontaine desde 2004. Estas obras, esculturas de neón en varios colores que muestran la frase "Strangers Everywhere" en múltiples idiomas, resumen los temas centrales de la exposición. Esta frase, adoptada originalmente por un colectivo de Turín para combatir el racismo y la xenofobia a principios de la década de 2000 en Italia, sienta las bases para una exploración de las crisis globales que surgen de las guerras y el movimiento de personas a través de naciones, territorios y fronteras. Tales eventos resaltan los peligros y desafíos relacionados con el idioma, la traducción, la nacionalidad y las disparidades regidas por la identidad, la raza, el género, la sexualidad, la libertad y la riqueza.
Por lo tanto, "Strangers Everywhere" resuena con múltiples significados, sugiriendo que dondequiera que uno vaya, inevitablemente se encontrará con extraños, lo que a su vez resalta la omnipresencia del concepto de extrañeza. También implica que, independientemente de la posición de cada uno, persiste una extrañeza intrínseca en cada individuo.
La exposición veneciana presenta a 331 artistas y colectivos que han vivido o viven en y entre 80 países, incluidos Hong Kong, Palestina y Puerto Rico. Su diversa participación subraya la naturaleza migratoria de los artistas por diversas razones. De hecho, el foco principal de la Bienal de Venecia 2024 está en los artistas extranjeros, inmigrantes, expatriados, miembros de la diáspora, exiliados o refugiados, particularmente aquellos que se mueven entre el Sur y el Norte Global.
Además, los términos para "extranjero" en diferentes idiomas (italiano "straniero", portugués "estrangeiro", francés "étranger" y español "extranjero") están vinculados etimológicamente al concepto de "extraño". En consecuencia, la exposición también profundiza en la producción de temas relacionados, a saber: el artista queer, que navega por diversas sexualidades y géneros, muchas veces perseguido o marginado; el artista outsider, al margen del mundo del arte, como el autodidacta, el artista folk o popular; y el artista indígena, a menudo tratado como un extranjero en su propia tierra. Estos cuatro grupos forman el núcleo del Núcleo Contemporáneo de la exposición.
Finalmente, es importante aclarar que la Bienal de Arte de Venecia 2024 también incluye un Núcleo Histórico, destinado a recopilar obras del siglo XX de América Latina, África, Medio Oriente y Asia. Presenta un ejercicio curatorial especulativo que desafía los límites y definiciones del modernismo con secciones como Abstracciones y Retratos en el Pabellón Central de los Giardini e Italianos por todas partes en la Corderie del Arsenale. El acuerdo antes mencionado subraya las historias menos conocidas de los modernismos del Sur Global, enfatizando la necesidad de aprender más sobre y a partir de estas narrativas.
Ahora finalmente es el turno de los artistas de Artmajeur, quienes, en línea con los temas del Núcleo Contemporáneo de la Bienal de Venecia, serán reconocidos como representantes del Arte Outsider, el Arte Queer, el Arte Popular y las narrativas artísticas contra el racismo.
NATIVO (2022)Pintura de Nickkuru
Voces no convencionales: Los artistas outsiders de Artmajeur
¿Qué es el arte outsider?
El arte outsider, originalmente denominado "Art Brut" por el artista Jean Dubuffet, se refiere a una forma de creatividad que surge fuera de los límites de la cultura oficial. De hecho, el maestro francés se centró específicamente en el trabajo de aquellos que no tienen una formación formal o están excluidos del mundo del arte convencional. En este sentido, el término abarca las obras de artistas que a menudo operan de forma aislada y sin conexión alguna con la escena artística tradicional. De ello se deduce que Dubuffet admiraba este tipo de creación artística por su calidad cruda e inmediata, que creía que no estaba afectada por las convenciones culturales y artísticas.
Outsider Art a menudo surge de creadores que experimentan un impulso profundo y casi revelador de crear, considerado por ellos como una necesidad personal más que como un esfuerzo profesional o comercial. Estos artistas suelen ser autodidactas y sus obras a menudo exploran visiones personales complejas que reflejan emociones o pensamientos internos profundos, a veces percibidos como un mecanismo de afrontamiento de conflictos individuales o mentales. Por lo tanto, el arte producido puede ser intensamente personal y caracterizarse por patrones repetitivos o materiales no convencionales, lo que marca un profundo compromiso con el medio elegido.
La espiritualidad y la religión también influyen significativamente en muchos artistas outsiders, incorporando elementos que sugieren conexiones con un mundo más allá de lo visible y expresando ideas que resuenan a nivel universal a pesar de sus orígenes altamente personales.
Finalmente, desde una perspectiva histórico-artística, esta forma de arte puede verse junto a movimientos como el surrealismo en su exploración del subconsciente y el uso de imágenes abstractas o fantásticas, aunque sigue siendo distinta debido al desinterés de sus creadores en el mercado del arte o reconocimiento público.
"J'AI REGARDÉ LE SOLEIL" (2024)Pintura de Marc E. Des Rosiers
SCONVOLGI LA TUA REALTÀ (2024)Pintura de Brazo
Algunos artistas externos de Artmajeur
Al describir las dos pinturas de outsiders que aparecen arriba, comenzando por la primera, "J'ai respecté le soleil" es un lienzo dominado por un personaje misterioso, cuyos rasgos se representan a través de una combinación de estilos abstracto y figurativo sintético. De hecho, el rostro del sujeto ha sido esbozado con líneas toscas, casi infantiles, que se han llenado con capas de colores oscuros e inquietantes, completados con acentos rojos destinados a llamar la atención del espectador. En la parte inferior de la obra, las pinceladas, colocadas sobre el torso del personaje, se vuelven bastante frenéticas, creando la apariencia de una cacofonía de matices, probablemente alusiva a las corrientes más ocultas que agitan el pecho humano.
El rico lenguaje que acabamos de ilustrar sirve para sintetizar la habilidad técnica y la filosofía del creador, quien se destaca por su talento para capturar momentos fugaces de emoción y pensamiento, para congelarlos en el lienzo e involucrar al espectador de manera meditativa. De hecho, el estilo crudo del artista nos lleva directamente a reflexionar sobre nuestro viaje personal de autodescubrimiento, así como sobre los caminos en busca de la libertad personal.
Por último, Marc E. Des Rosiers es un artista multidisciplinar autodidacta de Isle-aux-Coudres (Canadá), cuyo arte se mueve principalmente entre lo deliberado y lo accidental, así como entre el control y el caos, sumergiéndonos en una corriente de conciencia. que se vierte en la dinámica interna de la mente, hecha explícita por la narrativa figurativa.
La segunda obra es "Sconvolgi la tua realtà" de Brazo, un lienzo donde la figura principal, de mayor tamaño y situada en el centro del soporte, aparece como una entidad surrealista, capturada mientras aparentemente participa en una danza frenética. Esta figura, representada en rosa, naranja y rojo, destaca sobre un fondo amarillo brillante, que se torna en un azul sereno en la parte inferior. La escena se enriquece con la presencia de algunos peces, uno de ellos quizás incluso un poco mordedor, así como de algunos símbolos destinados a luchar al unísono para captar la atención del espectador. Sin embargo, el propósito de la composición lo revela el texto, que aparece en el lado izquierdo del lienzo, repitiendo el mismo título e instando literalmente a alterar la propia realidad.
Cada uno de los elementos estilísticos que acabamos de mencionar debe entenderse como un testimonio de la ausencia de limitaciones académicas, diseñadas para dar prioridad únicamente al instinto y a la libertad creativa. En efecto, Brazo, pintor italiano nacido en 1964, aprendió inspirándose en los grandes maestros expresionistas, a quienes luego interpretó instintivamente, combinando varios estilos, principalmente el street art y el Art Brut, que mezcló con extrema maestría.
OLEKSANDR BALBYSHEV "SUNSET DEMON" IMPRESIÓN EDICIONADA 01\50 (2022)Grabado por Oleksandr Balbyshev
Artmajeur y el arte queer
¿Qué es el arte queer?
El arte queer, también conocido como arte LGBT+, abarca el arte visual moderno y contemporáneo que se basa en temas y cuestiones relevantes para las comunidades de lesbianas, gays, bisexuales, transgénero y no heterosexuales y no cisgénero en general. Este género artístico a menudo desafía las perspectivas ordinarias, ofreciendo alternativas utópicas y distópicas, y a veces explora temas relacionados con la sexualidad y los deseos poco ortodoxos.
Las obras de artistas queer no se adhieren a un único estilo o medio, sino que abarcan una amplia gama de expresiones, que van desde el arte escénico hasta la pintura y más. También surgen variaciones según los contextos culturales, nacionales y religiosos, que influyen en la recepción de las diversas inquietudes artísticas, que pueden ser tanto celebradas como censuradas.
La historia del arte queer incluye representaciones codificadas en épocas en las que la expresión abierta era peligrosa. Por ejemplo, durante el período de entreguerras, los artistas queer en centros urbanos como París y Berlín comenzaron a expresar más abiertamente sus identidades. El historiador de arte Jonathan David Katz interpreta que ciertas obras de artistas como Robert Rauschenberg y Jasper Johns contienen subtextos queer que aluden a las identidades homosexuales de los artistas.
Además, el movimiento de arte queer ha sido significativamente influenciado por el activismo, particularmente durante la crisis del SIDA, cuando el arte se convirtió en una forma de protesta y un medio para abogar por el cambio. Maestros como Keith Haring utilizaron sus obras para concienciar y combatir el estigma asociado al sida.
En conclusión, el arte queer es un campo dinámico y en evolución que no sólo refleja las experiencias y luchas de las personas LGBT+ sino que también desafía y amplía los límites de la expresión artística.
TIGRE DE TASMANIE (LES ÉVACUACIONES) (2019)Pintura de Nicolas Gey
MUJER MARAVILLA (2021) Fotografía de Starmonkeyz
Algunos artistas queer de Artmajeur
Al comparar las dos obras de arte queer mencionadas anteriormente, a saber, "Tasmanian Tiger" de Nicolas Gey y "Wonder woman" de StarMonkeyz, representan de manera similar sujetos involucrados en temas de identidad y expresión, que se cruzan con normas sociales más convencionales, abordadas a través de diferentes medios y elecciones estilísticas.
"Tigre de Tasmania" es una pintura que combina asfalto urbano con elementos naturales y míticos, que representa a un enano transgénero junto a un tilacino extinto, con el telón de fondo austero de una puerta de acero industrial y adoquines de color gris claro delineados en negro. Los elementos urbanos antes mencionados pueden simbolizar las estructuras rígidas de la sociedad, mientras que las figuras del enano y el tilacino hablan de una amistad inusual, sugiriendo una experiencia de existencia compartida que apunta más allá del reconocimiento generalizado.
Por otro lado, “Wonder woman” de StarMonkeyz es una fotografía que subvierte el imaginario tradicional asociado al glamour y las figuras pin-up de la cultura Pop, presentando intencionadamente un personaje masculino vestido de superheroína. Al hacerlo, se yuxtaponen fuerza y vulnerabilidad, desafiando las expectativas canónicas del espectador con respecto al género y el heroísmo. Por lo tanto, la obra de arte puede interpretarse como una reflexión sobre los aspectos performativos del género y el poder de recuperar símbolos icónicos para hacer declaraciones personales o políticas.
Ambas obras operan dentro del ámbito de la subversión pero toman caminos únicos. Gey emplea una paleta más tenue y una mezcla de realismo con fantasía para comentar sobre la experiencia de ser queer y el desafío de la diversidad. Por el contrario, StarMonkeyz utiliza colores vibrantes, compromiso directo y elementos divertidos para desafiar las nociones preconcebidas de feminidad e identidad, celebrando la belleza de la divergencia con un espíritu animado.
DANZA FOLK 11 (2022)Pintura de Uttam Manna
Artistas de Artmajeur redefinen el arte popular
¿Qué es el arte popular?
El arte popular abarca una amplia gama de artes visuales creadas dentro del contexto de la cultura popular. A diferencia de las bellas artes, que a menudo se practican en instituciones educativas formales, el arte popular suele ser producido por personas formadas dentro de las tradiciones de su comunidad. Este método de transmisión de conocimientos ayuda a mantener la continuidad de las expresiones culturales de generación en generación. De hecho, los creadores de arte popular suelen estar profundamente arraigados en sus tradiciones culturales y producen obras que reflejan los valores, las normas sociales y las experiencias colectivas de sus comunidades.
El arte popular puede ser tanto tangible como intangible y abarca desde objetos físicos como textiles, cerámicas y tallas de madera hasta prácticas como la danza, la música y la narración de cuentos. Los aspectos tangibles del arte popular son a menudo utilitarios, creados para satisfacer las necesidades cotidianas y son apreciados tanto por sus cualidades estéticas como por su funcionalidad. Una vez que el propósito original de estos objetos se desvanece, su producción continua puede depender de su importancia dentro de la comunidad, adquiriendo a menudo nuevos significados con el tiempo.
Finalmente, el arte popular, una expresión vital de la identidad comunitaria y cultural, ciertamente proporciona información sobre los contextos sociales e históricos de los que surge, ya que está indeleblemente vinculado tanto al pasado como al presente, destacando la diversidad y el ingenio de las tradiciones populares en todo el mundo. mundo.
«ENSAYO REFLEXIÓN» PINTURA ACRÍLICA CONTEMPORÁNEA DE GRAN GRAN TAMAÑO (2023)Pintura de Yuliia Chaika
LÍNEAS DEL BOSQUE (2023)Pintura de Lorena Iavorschi
Algunos artistas folclóricos de Artmajeur
Las dos obras de arte populares mencionadas arriba, "Essay Reflection" de Yuliia Chaika y "Lines of the forest" de Lorena Iavorschi, son ricas en referencias culturales e imbuidas de la esencia de sus respectivos orígenes, Ucrania y Rumania.
"Essay Reflection" habla de la cultura ucraniana a través de la presencia de su protagonista femenina, adornada con elementos que recuerdan al traje típico del país, conocido por sus ricos bordados y el uso de motivos atrevidos, que también se repiten en el fondo. De hecho, el patrón del vestido podría ser una referencia a la 'vyshyvanka' bordada, una prenda que se distingue por sus intrincados patrones.
El color azul prominente del lienzo quizás alude a los cielos azules que se elevan justo sobre los vastos campos de trigo del país, un símbolo de fertilidad y prosperidad. Además, las capas de manos y la atención detallada a la ornamentación de la figura parecen hacer eco de la importancia de la artesanía y los esfuerzos comunitarios en las tradiciones populares ucranianas.
"Líneas del bosque", por otro lado, habla de la cultura rumana, reflejando sus trajes típicos y ricas tradiciones a través de la representación de una niña pensativa que lleva un pañuelo, que recuerda a la típica 'basma' del país, a menudo decorada con motivos florales. Además, la forma en que se ata este accesorio puede indicar una región particular de Rumania, particularmente la parte noreste del país, incluida la región histórica de Moldavia.
Los tonos terrosos y el fondo del paisaje forestal pueden simbolizar la conexión con la naturaleza, prevalente en el folclore y el modo de vida rural rumano, que ha dado forma al patrimonio cultural del país. Estos mismos tonos también pueden reflejar la solemnidad y profundidad de la música y la danza folclóricas rumanas, que a menudo expresan las alegrías y las tristezas de la vida.
ESTEREOTIPO ASIÁTICO (2018)Fotografía de Starmonkeyz
Rompiendo barreras: el papel del arte para desafiar el racismo
Sobre arte y racismo
El arte ha sido durante mucho tiempo un espejo que refleja los problemas y conflictos sociales de su época, siendo el racismo uno de los temas más duraderos y generalizados explorados a través de la expresión creativa. A lo largo de la historia, el arte no solo ha representado conflictos y disparidades raciales, sino que también ha sido una herramienta para desafiar y criticar los prejuicios subyacentes y las injusticias sistémicas que perpetúan la discriminación.
En un sentido más amplio, el arte contra el racismo cuestiona y expone los prejuicios existentes dentro de las sociedades, ilustrando cómo los estereotipos arraigados pueden influir en las percepciones y el tratamiento de diferentes grupos raciales y étnicos. Artistas de diversos orígenes han empleado su trabajo para exponer estas injusticias, iniciar conversaciones y fomentar el entendimiento entre diversas comunidades. Sus obras sirven como catalizadores del cambio social, incitando a los espectadores a reflexionar sobre sus propias opiniones y considerar las implicaciones comunitarias más amplias del racismo.
Tomando el ejemplo específico del movimiento estadounidense por los derechos civiles, vemos casos en los que el arte jugó un papel fundamental al resaltar las luchas de los afroamericanos durante las décadas de 1950 y 1960, un período marcado por una severa segregación y discriminación racial. Se puede citar el cuadro de David C. Driskell, "Behold Thy Son" (1956), creado en respuesta al brutal linchamiento de Emmett Till, un joven afroamericano. De hecho, la obra maestra retrata a Till como un mártir, inspirándose en la iconografía religiosa más famosa de Cristo. Esta poderosa asociación llama la atención sobre la violencia extrema que sufren los afroamericanos y sirve como un llamado visual para el cambio y el reconocimiento de su humanidad.
De manera similar, la pintura abstracta de Norman Lewis, "Evening Rendezvous" (1962), aborda sutilmente el terror de los encuentros con el Ku Klux Klan, adoptando la apariencia de formas y colores amenazadores capaces de sugerir la presencia de este grupo supremacista blanco, invocando una reflexión sombría sobre el odio y el miedo propagados bajo la apariencia del nacionalismo.
En el contexto contemporáneo, el papel del arte en el debate sobre el racismo sigue siendo fundamental. Tras el asesinato de George Floyd en 2020, un evento que desató protestas globales contra la brutalidad policial y la injusticia racial, artistas como Banksy respondieron con obras maestras que hablaban del momento. La obra del artista representa la bandera estadounidense encendida por una vela de vigilia, en alusión a las persistentes tensiones raciales en Estados Unidos.
Está claro, por tanto, cómo el arte continúa desafiando, interrogando e inspirando el diálogo sobre el racismo, ilustrando sus impactos y presionando por una sociedad más justa. Además, los medios artísticos no sólo ofrecen una reflexión sobre los tiempos actuales sino que también visualizan y proponen la realización de un futuro donde se logre la igualdad y la justicia racial. De hecho, es ciertamente a través del universo creativo que podemos lograr una comprensión más profunda de las realidades del racismo y de la lucha actual contra él, haciendo de la pintura, la escultura, etc. aliados indispensables en la búsqueda de la igualdad.
MK RACISMO OTRA VEZ (2023)Pintura de Hector O'Kanin
AÇO NO PEITO / BALA EN EL PECHO (2017)Collages de Tchago Martins
Algunos artistas de Artmajeur contra el racismo
En cuanto a "Mk racism again" de Hector O'Kanin y "Aço no peito / bala en el pecho" de Tchago Martins, ambos parecen denunciar el racismo, aunque a través de diferentes expresiones artísticas y medios, reflejando influencias y contextos únicos.
La primera obra, cargada de colores vibrantes y palabras garabateadas, sintetiza el estilo crudo y espontáneo de la obra de Basquiat, caracterizado por un figurativismo libre capaz de integrar formas, colores y texto para construir una composición poderosa y expresiva. Siguiendo los pasos de este maestro, Héctor O'Kanin ofrece una respuesta contemporánea a los persistentes problemas del racismo, de forma muy similar a como lo hizo en su época el mencionado pintor estadounidense. Sin embargo, en el caso de "Mk racismo otra vez", esta intención se hace explícita mediante la inclusión de la palabra "JUEZ", repetida en el lienzo, probablemente haciendo referencia tanto al sistema judicial como al juicio social. Los otros garabatos, símbolos y temas entre figurativos y abstractos pueden representar el caos y la complejidad de las cuestiones raciales, con la intención de seguir sugiriendo un enfoque contemplativo a la agitación de la injusticia social.
La segunda obra de arte, el collage en blanco y negro de Tchago Martins, presenta un tratamiento diferente del mismo tema, representando dos figuras con ojos oscurecidos para sugerir una ceguera metafórica o una falta forzada de reconocimiento. El tono monocromático, el uso de fotografías históricas y la estética limpia crean una fuerte analogía visual que simboliza a todos aquellos silenciados y oprimidos. La pieza se describe como una respuesta a las diversas formas de discriminación, incluida la discriminación racial, y es una encarnación de las luchas que enfrentan quienes viven en la agitación social. Esto también habla de la resistencia y resiliencia de las comunidades que forman nuevos "quilombos", lugares de refugio y solidaridad frente a la adversidad. Todo esto se puede resumir en las palabras poéticas citadas por el artista: "Nuestro pueblo, que conoce la opresión, bajo el peso del racismo, del desempleo, de los 'porras, perros, bombas', de las prisiones, atestigua la ineficacia de los debates que prometían horizontes en El pasado. Nuestro comportamiento, nuestra poesía, nuestra prosa, nuestro presente, son necesariamente combativos. Acero en el pecho es una síntesis y un relato de quienes viven en el ojo de la tormenta. Los nuevos quilombos emergen, creados con un arte que se eleva. el noveno poder."
Olimpia Gaia Martinelli