ESPADA (2024) Pintura de Francesco D'Adamo
Los estilos y géneros más populares en Artmajeur son: arte pop, arte callejero, arte abstracto, retratos y paisajes. ¿Quieres saber por qué la mayoría de los coleccionistas eligen estas tendencias o temas? La respuesta está en la misma interpretación de la historia del arte, que se ilustrará eligiendo cinco obras temáticas, creadas por pintores de Artmajeur. Estos serán descritos y analizados, hasta llegar a la razón por la que son extremadamente populares. Empecemos siguiendo el orden anunciado, dedicándonos a un cuadro Pop, para luego seguir con el resto…
Arte pop
LENIN RECICLADO #10 (2024) Pintura de Oleksandr Balbyshev
Descripción de la obra: El pintor y escultor Oleksandr Balbyshev utilizó un retrato de Lenin de la época soviética, que modificó pintándolo sobre él. De hecho, el rostro del político sólo es reconocible de la nariz hacia arriba, ya que las partes inferiores están completamente cubiertas de pintura naranja. Sin embargo, incluso las partes visibles de la figura representada han sido reinterpretadas, ya que albergan círculos de colores, que están dispuestos sólo donde se revela su figura. La seriedad del tema disminuye, ya que las modificaciones parecen bastante vibrantes, alegres e irónicas, listas para trivializar cualquier mensaje político potencial al que pueda aludir la figura representada.
¿Por qué es arte pop? El arte pop, un movimiento de finales de los años 1950 y principios de los 1960, es conocido por desafiar el arte tradicional al incorporar imágenes de la cultura popular y de masas en su lenguaje, como la publicidad, los medios de comunicación, el star system, los cómics y los objetos culturales cotidianos. El objetivo era difuminar los límites entre el arte "alto" y la cultura "baja", sugiriendo que no existe jerarquía y que el arte puede inspirarse en cualquier fuente. Uno de los aspectos definitorios del arte pop es el uso de imágenes de personajes famosos, que fueron transformados en figuras icónicas, sujetos parecidos a ídolos capaces de reflejar la fascinación del movimiento por la fama, el consumismo y el culto a la personalidad. Andy Warhol, quizás el artista más famoso asociado con este aspecto del arte pop, es conocido por sus pinturas en serigrafía de personalidades famosas, incluidas Marilyn Monroe, Elvis Presley y Elizabeth Taylor, entre otros. La técnica de Warhol implicaba repetir la misma imagen varias veces, a menudo con diferentes combinaciones de colores, lo que no sólo enfatizaba la mercantilización del individuo sino que también reflejaba la naturaleza de la fama y el papel de los medios de comunicación en su creación. Su enfoque deconstruyó el concepto de celebridad, presentando estas figuras como productos consumibles para el público. Entonces, ¿qué tiene que ver el Lenin de Oleksandr Balbyshev con esto? Al igual que los actores y cantantes, que persiguen los mismos objetivos, Warhol también representó a muchos políticos, como Richard Nixon, Mao Zedong, John F. Kennedy, la reina Isabel II y Ronald Reagan. Utilizando imágenes de los medios como base para estos retratos, Warhol destacó la interacción entre la política, la representación de los medios y la percepción pública. Sin embargo, es importante aclarar algunas diferencias entre el enfoque de Andy y el del artista de Artmajeur. Mientras el primero propone personajes de su época para transformarlos en mitos, el segundo habla de una figura ya muy célebre. Esto significa que ya no es el arte el que elige a alguien como icono, ya que el sujeto representado ya ha alcanzado fama eterna. Finalmente, a pesar de que la figura de Lenin aparece compulsivamente en las investigaciones artísticas de Balbyshev, ésta no alude a la producción mecanizada, sino que se plasma en obras claramente diferenciadas, que van desde la pintura hasta la escultura, así como desde múltiples perspectivas únicas e innovadoras.
¿Por qué el arte pop es popular entre los coleccionistas? Es muy sencillo: lo que nos atrae se parece a nosotros, lo que nos gusta nos resulta fácilmente comprensible. Por tanto, parece obvio que el arte pop refleja y critica la cultura del consumo de masas, los medios, la publicidad y las celebridades, que aún prevalece en la actualidad. De hecho, el mundo contemporáneo está literalmente inundado de bienes de consumo, imágenes de marcas y medios de comunicación aún más omnipresentes que antes, hasta el punto de que las plataformas de redes sociales, los ciclos de noticias de 24 horas y la publicidad digital han creado un flujo incesante. Este flujo, formado por figuras y mensajes, está dispuesto a evocar de forma aún más compulsiva y frenética las imágenes mediáticas que inspiraron a los primeros artistas del arte pop. Otro aspecto de gran atractivo para los coleccionistas es la estética de colores vibrantes y líneas atrevidas, enriquecidas por una iconografía siempre accesible e inmediatamente reconocible. Además, también se puede mencionar el aspecto irónico y satírico, capaz de proporcionar al espectador una interpretación de la realidad que sigue siendo relevante a medida que evolucionan el consumismo y los contextos mediáticos. Finalmente, la visión del movimiento sigue siendo popular por su valor inalterado dentro de la narrativa histórica artística, ya que el arte pop fue una tendencia disruptiva que cuestionó de qué se trataba el arte, cómo se podía hacer y para quién.
Arte callejero
RENACIMIENTO 2 (2023) Pintura de Kassim Baudry
Descripción de la obra: Kassim Baudry preparó el fondo de su lienzo teñiéndolo de negro, luego tomó un aerosol para reproducir compulsivamente en él la palabra "ART", a veces "cortada" y "reducida" a "RT". Este texto, en colores rojo, azul o crema, a menudo queda interrumpido, o más bien oculto, detrás de la presencia de una imagen que conocemos y que fue creada con la técnica del estarcido. Me refiero a la figura sagrada de la Virgen María, cuya presencia se justifica en este contexto por las palabras del artista: "la obra mezcla iconografía religiosa y arte urbano, ofreciendo un fuerte contraste entre el clasicismo, la serenidad de la figura femenina y la naturaleza salvaje". lado del graffiti." ¿Por qué la Virgen, incluso reinterpretada en clave contemporánea, siempre pertenece a un lenguaje más antiguo? La forma en que se presenta en el soporte reproduce con eficacia ejemplos memorables de la historia del arte, como los creados por Sassoferrato, Leonardo da Vinci o Rafael. En particular, los vestidos con los que Baudry cubrió a la Virgen recuerdan a la Virgen en oración del primer pintor, mientras que la mirada baja de la mujer recuerda a la Virgen del Clavel y a la Virgen del Jilguero de los otros dos maestros. ¿Pero por qué la Virgen mira hacia abajo? En realidad, cuando no dirige su atención hacia el espectador o hacia arriba, está enteramente concentrada en observar a su hijo, quien, en la obra del artista de Artmajeur, está ausente.
¿Por qué es arte callejero? El arte callejero es una forma de arte expansiva y dinámica que ha transformado los paisajes urbanos en todo el mundo. Nacido del movimiento del graffiti y ganando prominencia a finales del siglo XX, el arte callejero abarca una variedad de técnicas, medios y temas, a menudo caracterizados por su accesibilidad pública y su participación en cuestiones sociales y políticas. Los artistas de esta forma de arte utilizan diversas técnicas y materiales, incluida pintura en aerosol, plantillas, pegatinas, carteles e instalaciones. Estos modos de ejecución permiten la creación rápida y a menudo temporal de obras, lo cual es crucial en un entorno urbano en constante cambio. El arte callejero aborda una amplia gama de temas, desde los derechos humanos hasta la justicia social, desde el medio ambiente hasta la política. Muchas obras reflejan temas de actualidad y buscan estimular la reflexión y el debate. Algunos artistas, como Banksy, son conocidos por su enfoque crítico y satírico, que desafía las normas sociales y políticas. Como acabamos de describir, reconocemos varios aspectos de Renaissance 2 de Kassim Baudry destinados a involucrar peculiaridades técnicas y temáticas, que van desde los graffitis hasta las plantillas antes mencionadas, pasando por la Virgen María. No es la primera vez que el arte callejero se expresa en un contexto religioso, como lo demuestran las obras esparcidas por Roma de Maupal, destinadas a inmortalizar al Papa como superhéroe, o el famoso belén de Banksy titulado La cicatriz de Belén. El objetivo es siempre el mismo: demostrar cómo el arte callejero puede servir como plataforma para cuestionar y criticar creencias e instituciones religiosas. Al apropiarse de símbolos y motivos religiosos, los artistas callejeros entablan un diálogo sobre el papel de la religión en la sociedad contemporánea, abordando cuestiones de poder, moralidad y justicia social. La naturaleza subversiva del arte callejero permite la expresión de voces disidentes y perspectivas alternativas, lo que contribuye a los debates en curso sobre la fe, la espiritualidad y la condición humana. Por tanto, este contexto puede llevarnos a mirar con nuevos ojos a la Virgen de Kassim Baudry, interpretándola como la versión más transgresora de la Virgen, protectora de todos los artistas callejeros del mundo.
¿Por qué el Street Art es popular entre los coleccionistas? El arte callejero se ha vuelto cada vez más popular entre los coleccionistas por varias razones, que van desde el ascenso de artistas destacados como Banksy hasta los temas provocativos y contemporáneos que explora. En primer lugar, la aparición de artistas urbanos famosos ha contribuido sin duda al éxito del arte callejero entre los coleccionistas: Banksy, con sus obras subversivas y estimulantes, ha cosechado un gran reconocimiento, y su anonimato, combinado con sus atrevidas declaraciones sobre cuestiones sociales , lo ha elevado a la categoría de ícono cultural. En términos más generales, la tendencia del arte callejero a abordar cuestiones sociales, políticas y culturales actuales lo hace particularmente convincente, a diferencia de las formas de arte tradicionales, que a menudo pueden parecer demasiado alejadas de las realidades contemporáneas. Temas como la justicia social, el activismo ambiental, las políticas de identidad y la vida urbana resuenan fuertemente entre el público, lo que lleva a los coleccionistas a buscar obras que hablen de sus valores y creencias personales. Además, la naturaleza inherentemente rebelde y antiinstitucional del arte callejero aumenta el atractivo de esta expresión artística, ya que los artistas callejeros a menudo operan fuera de los límites del mundo del arte tradicional, evitando galerías y museos para interactuar directamente con el público en entornos urbanos. Este desafío a las normas artísticas tradicionales y los límites institucionales imbuye al arte callejero de un sentido de autenticidad y genuinidad que resuena en una audiencia cada vez mayor que busca obras que desafíen el status quo.
Arte abstracto
COMPOSICIÓN 24. LUZ (2024) Pintura de Sergiy Dekalyuk
Descripción de la obra: Nada de lo que vemos puede llevarnos a un enfrentamiento directo con la realidad, excepto aquello vinculado a la experiencia de la marca. Pensemos en Sergiy Dekalyuk empeñado en pintar y "garabatear" sobre el soporte de la luz Composition 24, para mezclar aleatoriedad, precisión, cálculo y espontaneidad del gesto: todo esto debe dar un resultado coherente, armonioso y agradable a la vista. , sin inspirarse en la belleza de la realidad. El resultado es una composición que me recuerda por momentos a los graffitis de Basquiat y en otras ocasiones a los ejemplos de Willem de Kooning y Franz Kline, todos ellos exponentes del expresionismo abstracto.
¿Por qué es expresionismo abstracto? El expresionismo abstracto surgió a mediados del siglo XX para enfatizar la expresión gestual y espontánea y la exploración de la psique interior del artista. En esencia, el expresionismo abstracto rechazó la idea del arte como una mera representación de la realidad externa y, en cambio, se centró en comunicar las experiencias internas, las emociones y los pensamientos subconscientes del artista. Los pintores buscaron expresar su agitación interna, ansiedad y preocupaciones existenciales a través de pinceladas dinámicas y expresivas, colores llamativos y formas no representativas. Las técnicas empleadas por los artistas expresionistas abstractos variaron ampliamente, pero comúnmente incluían pinceladas espontáneas, goteos o vertidos de pintura sobre el lienzo y el uso de herramientas no convencionales para manipular la pintura. Estos métodos les permitieron crear obras profundamente personales y cargadas de emociones que enfatizaban tanto el proceso creativo como el producto final. Lo descrito se puede encontrar en la obra del citado artista de Artmajeur, empeñado en trabajar exclusivamente a través de su huella emocional e intuitiva, para sacar a relucir su experiencia subjetiva, revelando y compartiendo los contenidos de su psique con el espectador.
¿Por qué el arte abstracto es popular entre los coleccionistas? El expresionismo abstracto es una forma de arte abstracto. Este último representa un estilo muy apreciado por los coleccionistas porque se aleja de la realidad y, por tanto, queda fuera de las modas temporales más susceptibles del figurativismo. En consecuencia, se entra en un universo donde los colores y las marcas son los únicos elementos que importan, siempre capaces de adaptarse perfectamente a la decoración moderna y enérgica de nuestros hogares contemporáneos. Esta libertad de interpretación y expresión permite a los coleccionistas encontrar obras que se integran perfectamente en sus entornos, añadiendo un toque de vivacidad y dinamismo a los espacios domésticos. Además, la abstracción ofrece una amplia gama de interpretaciones y significados, lo que permite a los coleccionistas encontrar pinturas que reflejan plenamente sus gustos personales, estimulando su imaginación y creatividad. Finalmente, la capacidad de la abstracción para evocar emociones y sensaciones sin tener que representar objetos o escenas específicas la hace atractiva para quienes desean obras de arte que puedan estimular tanto la mente como el alma, trascendiendo la superficialidad.
Retrato
VANESSA (2023) Pintura de Adeline Dutel
Descripción: Los retratos pueden ser más o menos representaciones fieles del modelo, pero en cualquier caso se esfuerzan por captar su esencia, actitud e interioridad, tomándose forma sobre diversos soportes, respetando las más variadas técnicas y estilos. En el caso de Vanessa, la obra de Dutel toma la forma de un retrato "realista", cuyos contornos configuran un rostro femenino. Lo que va más allá de una simple narración figurativa es el soporte sobre el que está representada la mujer, formado por diferentes capas de papel, de aspecto irregular y tomando la apariencia de multitud de rosas muy juntas. Esta elección se explica en las propias palabras del artista sobre Artmajeur, quien confiesa: "Me gusta trabajar con diferentes medios; cada material tiene su propia historia, profundidad y singularidad. Esta serie de flores de papel de seda es particularmente interesante por el relieve que aporta. al rostro y las diferentes interpretaciones del retrato según desde dónde se mire."
¿Por qué los retratos son populares entre los coleccionistas? El género del retrato ha mantenido constantemente una gran popularidad entre los coleccionistas, y este atractivo duradero puede atribuirse a la fascinación eterna por la humanidad misma. En el centro del retrato está la representación de los seres humanos: su esencia, sus emociones y su existencia misma. Para los individuos, la forma humana, con sus complejidades y matices, sigue siendo una fuente inagotable de intriga e interés. Ya sea que capturen una expresión fugaz de alegría, un momento de introspección o el peso de las experiencias acumuladas, los retratos tienen el poder de evocar empatía, conexión y contemplación en los espectadores. Es esta profunda conexión con la experiencia humana lo que hace que el retrato sea eternamente relevante y atractivo. De hecho, desde las civilizaciones antiguas, los artistas de todas las épocas han buscado capturar la esencia de la humanidad a través del retrato, inmortalizando a los individuos y sus historias para las generaciones futuras. Entonces podemos afirmar que: mientras exista la humanidad, el arte del retrato seguirá capturando e inspirando, sirviendo como espejo de nuestra existencia compartida, rindiendo homenaje a la belleza y complejidad del espíritu humano.
Paisaje
FALAISES DE SEVEN SISTERS, SUSSEX, REINO UNIDO (2023) Pintura de Laurent Gilbert
Descripción: El paisaje de Gilbert representa una costa con altos acantilados, pero con colores fuertemente expresionistas, dispuestos a alejarse de la realidad, a teñir de emociones el cielo, volviéndolo negro, mientras la arena se vuelve violeta y el mar permanece azul. Entonces interviene el título de la obra para reconectarnos con la verdad, dispuesto a revelar lo representado: Las Siete Hermanas, una serie de acantilados de tiza con vistas al Canal de la Mancha, ubicados en South Downs en East Sussex, entre las localidades de Seaford. y Eastbourne en el sur de Inglaterra. Son muy populares, tanto es así que se han utilizado en producciones cinematográficas o televisivas, como en “Los acantilados blancos de Dover”. Sin embargo, los acantilados se han mantenido relativamente intactos por la actividad humana y muestran una erosión continua y totalmente natural.
¿Por qué los paisajes son populares entre los coleccionistas? Pienso en primer lugar en el éxito del impresionismo, un movimiento muy famoso, especialmente conocido por sus paisajes, creados por pintores que pintaban al aire libre. En consecuencia, también puedo suponer que muchos coleccionistas aprecian el género en cuestión precisamente porque imaginan a los pintores de paisajes a semejanza del barbudo Monet, todos ellos divertidamente decididos a capturar la naturaleza al aire libre, tal vez incluso bajo la lluvia o la tormenta. Agrego a lo que acaba de decirse los ideales románticos más antiguos, encaminados a buscar en el arte del paisaje el consuelo, es decir, un medio para poner al hombre en contacto con la belleza y la grandeza de la naturaleza. A todo ello se suma el deseo de aventura y exploración inherente al espectador, junto con el deseo de ver paisajes familiares realizados por el pincel, capaces de albergar recuerdos. Nacen así recordatorios visuales de lugares amados, concebidos también para oponerse al mundo frenético y urbanizado, del que el arte muchas veces nos permite escapar.
Olimpia Gaia Martinelli
