Stephan Joachim, la mia vocazione è la fotografia

Cosa ti ha spinto a creare arte e diventare un artista? (Eventi, sensazioni, esperienze...)

La mia grandissima passione, anzi vocazione, è la fotografia, il light painting, l'osservazione e la cattura di momenti nello scorrere del tempo. Scatto fotografie da quando avevo sei anni. Incredibile. Questo tempo sperimentato! Ho scattato le mie prime foto del cortile del mio primo compagno di scuola. Non fraintendere: era davvero il cortile del negozio dei suoi genitori. "Pelliccia marrone"; con un'altalena. Mi ha anche dato il mio primo bacio extrafamiliare. È stato mentre dondolavo in una bacinella. Un grande ovale di plastica. Blu anni '70. Facevamo a turno oscillando. Non avevamo nient'altro. Siamo stati creativi fin dall'inizio. Sono un artista che apprezza l'artigianato e la grande educazione generale. Sono stato educato in un senso antiquato e rigoroso, pieno di valori umani e tratti etici e morali di base che mi hanno portato alla giustizia, all'umanità e ad un atteggiamento cosmopolita.

Qual è il tuo background artistico, quali tecniche e temi hai sperimentato finora?

Da qualche parte tra gli otto e gli undici anni, ho frequentato un corso di laboratorio fotografico per bambini. Probabilmente iniziato da mio padre, che è stato lui stesso un eccellente fotografo per tutta la vita. Ho dimenticato tutto quello che ho imparato in quel corso. Più tardi, mia madre mi ha regalato la mia prima fotocamera reflex; una "rivista". L'ho adorato e ho scattato foto di alberi. Ho adorato anche quelli. Faccio ancora. Più tardi, il mio mentore è venuto e mi ha detto di fotografare le sue opere. Era il capo regista del teatro; Ho imparato tanto sul teatro da lui e tanto da altri grandi che oggi quasi nessuno conosce. Sono diventata cantante, regista e scenografa. Successivamente - ho fotografato le prime coreografie. Avendo seguito io stesso un corso di danza, ho subito realizzato la magia di questo ramo, delle persone che lo praticano. E infine, a Monaco, sono diventato ospite fisso del Bavarian State Ballet. Ora, intanto, esperto di fotografia di danza, riconosciuto, lodato, sono orgoglioso di poter accompagnare questo mondo grande, vivo, rispettoso dell'uomo e così indescrivibilmente meraviglioso. La fotografia teatrale alla fine si è trasformata in un interesse per fotografare le persone di persona. Ma non c'è limite a quello che puoi fare.

Quali 3 aspetti ti distinguono dagli altri artisti e rendono unico il tuo lavoro?

La combinazione di pittura e fotografia, che è modellata dal mio lavoro di regista teatrale. Per essere ampiamente posizionato, perché versatile artisticamente fuori e immaginato. Una stretta collaborazione con la mia musa, perché compagna di vita.

da dove viene la tua ispirazione?

Provenendo da una famiglia medico-teologica, ho ricevuto un'ampia educazione. Nel processo, mi è stato spesso e volentieri detto che possiamo sempre fare un paragone tra religione e teatro, e sono sempre stato messo volentieri di fronte all'affermazione che la chiesa è fondamentalmente anche teatro. D'altra parte, ho sempre imparato che il teatro è in grado di soddisfare i bisogni religiosi di un gruppo di persone, agisce in modo simile con i suoi rituali, e comunque, dove la chiesa dovrebbe facilitare la vita, spiega la vita, la commenta, e quindi, a suo modo, contribuisce necessariamente anche a facilitarlo. Forse un po' più sulla via della catarsi, dove la chiesa diventa più smussata. Ma con esso l'arte dell'immagine è sospesa tra entrambi: ciò che rende contemplativo nella sua catarsi.

Il teatro come specchio del mondo è lo spazio delle cose che fotografo. Per me il palcoscenico è un luogo incorniciato dove le storie più belle e terribili possono essere raccontate commoventi e immobili. Principalmente in movimento. Per tutta la vita ho cercato di capire le leggi di questo luogo, di affrontarle, di impararle e applicarle. Sono diventata una cantante, una regista e una scenografa, e capisco la mia vita attraverso l'arte, che è in grado di rispecchiare questa vita in una cornice. In questo senso, dovunque posso, utilizzo i mezzi del teatro, del palcoscenico (inteso come luogo della performance), della rappresentazione. Creo uno spazio per le mie immagini, o cerco uno spazio che assomigli a quello che ho progettato, oppure trovo uno spazio che porti al suo interno la mia immagine (spazio come luogo dell'immagine). Cerco di cogliere il contenuto delle mie immagini in anticipo, in modo da non doverle creare in seguito. Come sul palco, sono la persona che pianifica, prova e osserva; l'improvvisazione ne fa parte, ma come mezzo di salvezza.

Qual è il tuo approccio artistico? Quali visioni, sensazioni o sentimenti vuoi evocare nello spettatore?

Dolore Felice.

Non distinguo tra le aree incasellate nella mia fotografia. La domanda "Puoi anche tu...? Pensavo che tu facessi solo arte!" è molto faticoso alla lunga e riflette la consapevolezza sempre più stentata delle conquiste artistico-intellettuali. Vorrei sottolineare di nuovo esplicitamente e lamentarmi: se una persona, uno spettatore delle mie immagini, o anche uno spettatore di qualsiasi immagine, cerca di classificarle in una categoria, allora ne parla comunque prima di tutto il desiderio di raggiungere un sicurezza secondo la propria opinione. Il pensiero per categorie semplifica i modelli di comportamento. Se un'immagine appartiene alla fotografia di ritratto e la testa di una persona è prevalentemente riconoscibile, la sua personalità sembra persino essere rappresentabile, allora è un ritratto. Se un ritratto esce da questa cornice fissa, allora si cerca di classificarlo immediatamente in un altro schema, nella fotografia di persone, nella fotografia di moda, se la persona nella foto è nuda, anche nella fotografia di nudo. Non è affatto possibile portare un'opera d'arte delle belle arti, come un dipinto, una fotografia o simili, in dialogo con uno spettatore senza che il passare del tempo valuti una situazione artistica rappresentativa. I fermenti nello spettatore, che deve anch'essi fungere da spettatore, difficilmente possono essere descritti come stazionari. E già perché l'opera si spera non debba solo provocare una reazione, meglio ancora una riflessione, ma deve anche provocarla in qualsiasi forma, si verifica inevitabilmente una situazione immanente alla spiegazione concettuale delle arti performative. In questo senso, il mio lavoro mira anche a chiarire questa situazione. Non solo, come detto sopra, il teatro e le sue forme richiedono sempre le arti visive per la loro realizzazione, ma anche, viceversa, le arti visive contengono sempre l'aspetto della rappresentazione alla maniera delle arti performative.

Qual è il processo di creazione delle tue opere? Spontaneo o con un lungo processo di preparazione (tecnica, ispirazione dai classici dell'arte o altro)?

Particolarmente importante nella fotografia per me è la consapevolezza che le buone immagini vengono create solo quando "amo" ciò che sto fotografando in quel momento o riesco a imparare ad amarlo. Allora l'apparato è solo il mediatore che raffigura la connessione mentale con il soggetto o l'oggetto fotografato. Importante è e rimane per me nella fotografia anche che le immagini vengano sempre create attraverso il mirino e rimangano non elaborate o solo sviluppate; la pulizia e molto raramente un accurato ritaglio mi sono concesso. Nel mio linguaggio pittorico ora cerco, come ora temporale, di rappresentare i temi attraverso la fotografia teatralmente reale, poi di spiegarli esteticamente con i mezzi della pittura, che sono anche i mezzi della scenografia e del costume. La mia esperienza come regista aiuta a trasformare gli atteggiamenti interiori degli interpreti verso l'esterno ea controllarli al livello necessario per il lavoro. Un altro livello è il desiderio costante, attraverso il trattamento pittorico, di costituire una situazione di lavoro unica che assomigli all'unicità di uno spettacolo teatrale, che, sebbene predeterminato, rimane sempre imprevedibile nella sua esecuzione.

Utilizzi una particolare tecnica di lavorazione? se si, me lo puoi spiegare?

Nella tradizione della pittura e del teatro si muove riflessivamente alla ricerca della mia arte fotografica. La cosa entusiasmante per me resta la ricerca dei mezzi adeguati, senza perdere di vista la fotografia, ma cercando comunque con ammirazione di ricostruire le vecchie tecniche tradizionali, utilizzando tecniche evasive ed eventualmente sostitutive. Rimane una via, non un obiettivo. Perché con l'obiettivo verrebbe raggiunta una fine dello sviluppo e del linguaggio creativo, che si tradurrebbe in una solidificazione nell'arte, un'insignificanza dell'artista. E io osservo e cerco di spiegare il groviglio di schizzi e idee performative, provo a vedere, provo a verificare se la mia messa in scena era quella giusta, se era ed è e rimane coerente in sé. Se tutto questo riesce, allora eleva l'uomo sopra se stesso ed egli sorride dentro, molto piano, e vede se stesso senza paura. E osservo. Vedo storie nel nus catturato, che di solito possono essere raccontate senza una tecnica specifica. Eppure è un gioco di momenti di prova e produzioni finite. Osservo una manifestazione: l'evidenziazione del confine invisibile nel teatro tra spettatore e performer. Ho sempre amato questo confine, attraversato solo dagli odori teatrali del sipario di apertura: gli odori del trucco, dei filtri bruciati, degli intradossi polverosi e dei costumi sudati. E, infine, questo pratica il richiamo alla tradizione del lavoro artistico, in quanto porto sempre dentro di me il tentativo di bramare il contatto diretto con il processo creativo. Lavorare in modo analogico ogni volta che diventa possibile. Ma anche simulare l'attività analogica come un riflesso teatrale del tempo, il gioco, in cui solo certe attività ricordano quelle di vecchie tecniche di produzione; c'è tuttavia in modo uniforme non solo la pittura, anche ad esempio l'imitazione di vecchi processi di sviluppo come l'oscillazione delle lastre di vetro sott'acqua o la distribuzione delle sostanze chimiche mediante movimento scorrevole (coreografia) sulla superficie del vetro, la cui solidificazione si manifesta come strato successivo resinoso di gommalacca; segno anche della tradizionale riproduzione musicale tramite dischi. In considerazione del fatto che l'arte figurativa è definita in un modo che la differenzia dalle arti performative, per cui una caratteristica determinante fondamentale sembra essere la differenza nel corso del tempo, lo contraddico decisamente.

Ci sono aspetti innovativi nel tuo lavoro? Puoi dirci quali?

Ho una visione nostalgica dell'arte e vorrei reinterpretare i miei soggetti con la sensazione di antichi maestri e moderni. Per fare questo, prendo fotografie appositamente create come base per ulteriori elaborazioni con vernice, foglia d'oro e gommalacca. Pratico un pentimento contro tutto ciò che ti dovrebbe essere imposto: come devo fotografare, mettere in scena. Lo so ancora: le immagini esistono senza pubblico, ma sono relativamente prive di significato. L'arte esiste senza un pubblico, ma quanto è significativa? Rimane una migrazione di confine, sempre un rinnovamento, una curiosità soprattutto, e un amore per l'atto e la cosa da rappresentare.

Hai un formato o un mezzo con cui ti senti più a tuo agio? se sì, perché?

Nei miei dipinti costruisco un confine tra spettatore e creatore con aiuti invisibili e visibili: le sfocature, i materiali intermedi di specchi, vetro, filtri, garze e tessuti trasparenti. E più spesso, con una crescente nostalgia per il mondo teatrale, progetto ancora una correzione con pitture, vernici, strati di materiali analogici (come la gommalacca) o l'alterazione della performance dovuta alla situazione in tempo reale attraverso i film (soprattutto i film istantanei). Per le mie icone su legno rimango in un formato portatile, solitamente formato Din A4. I motivi su tela sono più grandi, al momento fino a 80x120 cm. Angepeilt ma anche formati più grandi, dipende poi dal motivo.

Dove produci i tuoi lavori? A casa, in un laboratorio condiviso o nel tuo laboratorio? E come organizzi il tuo lavoro creativo in questo spazio?

Ho uno studio per la realizzazione della maggior parte delle idee fotografiche, anche per la discussione preliminare e la creazione di uno spazio creativo neutro. Il lavoro fotografico viene visionato e preparato a casa nello studio, poi la lavorazione artistica con supporti analogici avviene sia a casa che dove necessario. Per descrivere il mio processo creativo - dovessi dissolvermi dalle parole, dissolvermi in immagini, odori, ricordi - scriverei atemporalità. Sento la musica, il preludio al Parsifal, il secondo movimento dell'Ottava di Bruckner, gli accompagnamenti cinematografici di Max Richter, la pioggia dell'acqua sulla terra, il soffio dei venti autunnali.

Poi vedo la persona o l'idea di un'immagine e nasce l'impulso di incorporarla negli elementi che le si addicono e comincio a progettare un palcoscenico nella mia testa per questa persona, per questa idea, per costruirla , per animarlo di luce, e provo nella mia mente un brano scritto per lui o per lei, e lo provo nella libertà del mio senso fantastico. E poi, quando incontro lui, l'essere umano, e loro sono: Persone, e questo ha un significato profondo, allora spero che un universo ripeta il lavoro finito e mi limito ad osservare, stupito, che la persona ha dimenticato le prove, di cui, dopo tutto, non faceva parte.

Il tuo lavoro ti porta a viaggiare per incontrare nuovi collezionisti, per fiere o mostre? Se sì, cosa ti porta?

Da tempo esponiamo alle fiere d'arte e manteniamo i contatti ivi instaurati. Ancora e ancora ci sono persone interessate, potenziali acquirenti successivi, con i quali sorgono conversazioni arricchenti durante le mostre. L'ispirazione nasce dal dialogo, ma anche dal flusso di immagini di altri artisti che vengono a questi eventi e cercano lo scambio.

Come immagini lo sviluppo futuro del tuo lavoro e della tua carriera di artista?

Naturalmente sarebbe bello se la nostra arte fosse apprezzata, se colpisse un "nervo" del nostro tempo e soddisfacesse un bisogno spirituale nel processo. E, naturalmente, vorremmo esporre ancora di più il nostro lavoro artistico, consentendo così un ulteriore sviluppo in termini di idee, materiali o formati.

Qual è il tema, lo stile o la tecnica della tua ultima produzione artistica?

Rimani te stesso. Attieniti al tuo stile. Chi altro? Dove altro? Il nostro cervello civilizzato e altamente coltivato sembra essere così incapace di pensare in modo interstrutturale e interesistenziale. Ma è lì che inizia per me il lavoro artistico, e quindi il lavoro che dipende dalla forza del pensiero; dove sono in grado di liberarmi dalle mie solite certezze e di fondere stati dell'essere che sembrano inconfondibili.

Ci racconti la tua esperienza fieristica più significativa?

Un momento molto toccante è stato quando un uomo d'affari dell'Asia orientale ha visto uno dei nostri dipinti all'ARTe di Wiesbaden e l'ha apprezzato così tanto che qualche tempo dopo, durante il suo prossimo viaggio di lavoro, ha poi visitato ARTe a Sindelfingen per rivedere il dipinto. Probabilmente sogna di poterselo permettere un giorno.

Se potessi creare un'opera famosa della storia dell'arte, quale sceglieresti? E perché?

Molti, soprattutto quelli dei preraffaelliti. Forse anche la Danae di Gustav Klimt. È stato con me per tutta la vita e per certi motivi suscita in me shock molto profondi.

Se potessi invitare a cena un artista famoso (vivo o morto), chi sarebbe? Come gli suggeriresti di trascorrere la serata?

Uno? Troppo difficile, la decisione. Ci sono fotografi come Paolo Roversi, Peter Lindbergh o Marc Lagrange così come pittori come Gerhard Richter, ... o registi teatrali come Jean-Pierre Ponnelle o John Neumeier o Pina Bausch o Angelin Preljocaj o, o, o. Avremmo un giro di colloqui entusiasmante e mondiale. Oppure inviterei uno dopo l'altro, perché lo scambio in privato di solito è più fruttuoso.