L'astrazione lirica è un movimento artistico emerso nel dopoguerra, che esplora l'espressione personale attraverso la pittura astratta. Uno dei principali pionieri di questo stile è stato Vasilij Vasil'evič Kandinskij, considerato uno dei padri dell'astrazione. Kandinskij ha esplorato il potenziale espressivo dei colori e delle forme, influenzando profondamente l'astrazione lirica con la sua enfasi sull'espressione libera e personale. Questo movimento ha trovato terreno fertile soprattutto a Parigi, dove artisti da tutto il mondo hanno contribuito a definire e a evolvere il concetto di astrazione lirica, interagendo con la scena artistica locale e internazionale.

L'astrazione lirica è caratterizzata dal suo approccio emotivo e intuitivo alla pittura, con un'enfasi sull'espressione personale e sulla spontaneità. Questo stile spesso presenta un lavoro di pennello libero e fluido e un uso vibrante del colore per trasmettere una gamma di emozioni e atmosfere. A differenza dell'astrazione geometrica, che si concentra su forme rigide e calcolate, l'astrazione lirica permette composizioni più fluide e organiche, spesso risultando in opere astratte che suggeriscono piuttosto che delineare forme. Questo movimento cerca di catturare l'esperienza emotiva dell'artista, assomigliando spesso a una forma visiva di poesia, da qui il termine "lirica." L'effetto complessivo è uno di dinamismo e profondità, invitando gli spettatori a interagire con l'opera su un livello profondamente personale.

"Promiscuous colors", dipinto dall'artista di Artmajeur, Stefan Fiedorowicz, può essere manifesto della tradizione dell'astrazione lirica, in quanto la sua varietà di forme e segni, intenti a fluttuare uno sfondo bianco e testurizzato, suggeriscono la nascita di memorie ed esperienze generate dalla mente. Di fatto, la composizione non aderisce a una forma rigida; piuttosto, consente agli elementi di interagire in modo libero e senza costrizioni, molto simile al modo in cui i ricordi e le esperienze sensoriali si intrecciano nella nostra coscienza. L'artista ammette a tutti gli effetti che l'opera in questione riflette, sia le sue lotte emotive interne, che le sue "paranoie" notturne, al fine di condividerle col fruitore, sempre pronto ad immedesimarsi. "Promiscuous colors" fa anche riferimento alla filosofia di John Locke, in particolare al concetto di "Tabula Rasa", che suggerisce come gli individui nascano privi di contenuto mentale innato e che tutta la conoscenza derivi dall'esperienza e dalla percezione sensoriale. Quest'ultimo aspetto lega ulteriormente il dipinto agli stilemi dell'astrazione lirica, facendoci ulteriormente riflettere sullo sviluppo del mondo interiore dell'uomo. 

A NEW IDEA OF MALEVICH'S "RED SQUARE" (2024)Pittura da Tatiana Yasin

Costruttivismo e Suprematismo

Nel primo ventennio del XX secolo, tra i tumulti della Russia rivoluzionaria, emersero due movimenti artistici estremamente innovativi: il Costruttivismo e il Suprematismo. Entrambi hanno svolto ruoli fondamentali nel ridefinire i paesaggi estetici e filosofici dell'arte, influenzando una serie di altri movimenti e lasciando segni indelebili nell'arte moderna. Questi movimenti, pur condividendo radici comuni nella fervente scena d'avanguardia russa, hanno sviluppato ideologie e linguaggi visivi distinti, che riflettevano le loro risposte uniche all'ambiente socio-politico contemporaneo.

Il Costruttivismo prese forma dopo la Rivoluzione Russa del 1917, concepito come una forma d'arte che potesse servire i bisogni del nuovo stato sovietico. Con radici estetiche in parte nel Suprematismo, il Costruttivismo fu anche influenzato da movimenti europei come il Cubismo e il Futurismo. Proponeva un'idea radicale: l'arte non doveva esistere solo per la contemplazione estetica, ma doveva giocare un ruolo attivo nella vita quotidiana e nella ricostruzione socialista. Il movimento era caratterizzato da un approccio utilitaristico all'arte, dove gli artisti diventavano progettisti di un nuovo ordine sociale, creando oggetti pratici dalla mobilia alla propaganda. Il Costruttivismo celebrava il moderno, concentrandosi su materiali come metallo, vetro e plastica e enfatizzando un approccio scientifico alla creazione artistica.

Sviluppato da Kazimir Malevich nel 1915, il Suprematismo era così chiamato per la sua affermazione della supremazia del puro sentimento artistico sulla rappresentazione degli oggetti. L'approccio di Malevich spogliava via i residui della realtà oggettiva a favore di forme geometriche essenziali, come quadrati, cerchi e linee, fluttuanti su sfondi minimali. Il Suprematismo era guidato dalla ricerca del 'grado zero' dell'arte, esemplificato dall'iconico "Quadrato Nero" di Malevich, che rappresentava una rottura radicale dalle forme d'arte passate e un movimento verso l'astrazione pura.

Sebbene entrambi i movimenti abbracciassero l'astrazione, i loro approcci e le loro intenzioni divergevano significativamente. Il Costruttivismo era fondamentalmente orientato alla funzionalità e agli ideali collettivi. Era radicato nel mondo materiale, con un forte focus sulla struttura e sull'industriale, riflettendo la sua convinzione nell'artista come ingegnere della società. Al contrario, il Suprematismo era più filosofico e introspettivo, preoccupato dell'esplorazione della forma e dello spazio per evocare le risposte spirituali ed emotive dello spettatore.

L'opera d'arte che ho scelto di presentare, ovvero "A new idea of Malevich Red square" di Tatiana Yasin, da voce esclusivamente al Suprematismo, rievocando lo stile del "Quadrato rosso" di Kazimir Malevich. Di fatto, al centro della composizione si palesa un audace e grande forma geometrica rossa, pronta a dominare il campo visivo. Il quadrato è occupato e delimitato da affini forme geometriche in bianco e nero, pronte a fornire un contrasto marcato, capace di generare un'esperienza visiva dinamica e coinvolgente. Effettivamente, le linee distinte e l'interazione tra i colori producono una sensazione di movimento e profondità, anche all'interno dell'approccio minimalista tipico del Suprematismo. A proposito di Tatiana Yasin, la sua pittura non mira a replicare la realtà, ma a trasmettere l'essenza dell'emozione e il ritmo dell'intangibile, al fine di sfidare i confini convenzionali ed invitare gli spettatori a interagire con l'ignoto dei paesaggi emotivi e dell'introspezione. In poche parole, Yasin punta a connettersi con i suoi spettatori a un livello intuitivo, superando la lingua e la cultura, per esprimersi negli stilemi di Neoplasticismo, Suprematismo Costruttivismo.

LOOKING FOR BALANCE 7 (2017)Pittura da Lucie Jirků

COLOR TANGLE｜INSPIRED BY MONDRIAN (2023)Pittura da Peter Ren

Astrazione geometrica e Neoplasticismo

L'avvento del Neoplasticismo all'inizio del XX secolo ha segnato una svolta rivoluzionaria nella narrazione artistica. Questo movimento, che ha preso piede nei Paesi Bassi nel 1917 e che era strettamente collegato alla pubblicazione della rivista De Stijl, cercava di trasmettere verità assolute attraverso gli elementi più fondamentali della pittura: colore, linea e forma. L'artista olandese Piet Mondrian (1872-1944) è forse la figura più rinomata associata a questo movimento, sostenendo una forma di astrazione geometrica che utilizzava forme pure e bidimensionali.

Il Neoplasticismo mirava ad eliminare la terza dimensione e i valori emozionali nella pittura, in contrasto con le idee di Vasilij Kandinskij, che credeva nell'espressione emotiva attraverso l'arte. Invece, l'approccio neoplastico si concentrava su linea e colore, privilegiando il rettangolo come forma ideale per le sue linee dritte e la mancanza di curve ambigue. La palette di questo movimento era limitata ai colori primari — giallo, blu e rosso — evitando colorazioni e rappresentazioni naturalistiche.

Sebbene Neoplasticismo e Astrazione Geometrica condividano una comune ascendenza nel regno dell'arte non rappresentativa, le loro sfumature sono distinte. Il Neoplasticismo è caratterizzato da un fondamento filosofico che vedeva l'arte come mezzo per la riforma sociale. La sua stretta aderenza a un linguaggio visivo austero di linee dritte e colori primari era intesa a riflettere verità universali e equilibrio.

L'Astrazione Geometrica, sebbene si allinei con la riduzione delle forme alla loro essenza geometrica, non porta necessariamente lo stesso intento filosofico. Esso comprende uno spettro più ampio di pratiche e può essere visto in vari contesti, che non cercano sempre di incarnare una visione utopica o di aderire a un rigido insieme di regole estetiche.

In sostanza il Neoplasticismo, ma anche il Suprematismo e il Costruttivismo, rappresentano sottoinsiemi più dogmatici e ideologicamente orientati dell'arte astratta geometrica più ampia, che può essere più pluralistica e varia nelle sue manifestazioni e intenzioni.

Manifesto dell'Astrattismo geometrico è "Looking for balance 7" di Lucie Jirků, dipinto che presenta un complesso intreccio di forme e linee, inteso per dar forma a una composizione equilibrata, ma dinamica. La tela è di fatto un patchwork di rettangoli, quadrati e altre forme geometriche, che vengono attraversate, o semplicemente si accostano, a linee rette poste sulla superficie. Queste figure astratte, che variano in dimensioni e colore, presentando una palette che include tonalità di beige, grigio, blu, verde e un tocco di rosso. A proposito dell'opera neoplastica, invece, "Color Tangle | inspired by Mondrian" di Peter Ren, è stata, come palesato nel titolo, influenzata dall'operato del maestro olandese, tanto da rifletterne un'affine fusione tra la precisione architettonica e l'espressione artistica. Il pittore di Artmajeur, che ha effettivamente una formazione in architettura e design d'interni, apporta un approccio multidisciplinare all'arte pittorica, evidente nella disposizione meticolosa delle forme geometriche e nell'uso audace dei colori primari. Inoltre, a quanto detto si può anche aggiungere l'intento dichiarato dallo stesso artista: quello di scegliere ogni linea e e cromia "non solo per il suo impatto estetico, ma anche per il potenziale di stimolare l'intelletto e evocare la guarigione spirituale".

ROTHKO INSPIRED - NOW’S THE TIME (2024)Pittura da Nadiia Antoniuk

L'Arte informale e l'Espressionismo astratto

Alla scia della Seconda Guerra Mondiale, due movimenti emersero nel mondo dell'arte: l'Espressionismo Astratto e l'Arte Informale. Sebbene sorgessero da contesti culturali differenti, condividevano un filo comune nel rispondere alle atrocità e ai traumi della guerra, seppur in modi distinti.

L'Espressionismo Astratto, principalmente radicato a New York, era caratterizzato dal suo enfasi sull'espressione individuale dell'artista riguardo emozioni e tematiche universali. Influenzati dal Surrealismo e dalla politica di sinistra, gli Espressionisti Astratti vedevano nell'arte un mezzo per immergersi nelle profondità dell'inconscio e affrontare domande esistenziali. Il movimento comprendeva varie correnti, tra cui l'Action Painting e il Color Field. L'Action Painting, epitomizzato da artisti come Jackson Pollock, enfatizzava l'atto fisico della pittura come forma di espressione spontanea. Gli artisti gocciolavano, versavano e spruzzavano vernice sulle tele, creando composizioni dinamiche che catturavano l'energia del processo artistico stesso. Questo approccio rifletteva il desiderio di liberarsi dai tradizionali vincoli compositivi e abbracciare la natura istintiva e grezza della creatività. In contrasto, il Color Field painting, esemplificato da artisti come Mark Rothko e Helen Frankenthaler, si concentrava su ampie distese di colore per evocare risposte emotive e spirituali. Eliminando elementi rappresentativi e permettendo al colore di diventare il veicolo primario di espressione, gli artisti del Color Field cercavano di creare esperienze immersive e meditative per gli spettatori.

Dall'altra parte dell'Atlantico, l'affine Arte Informale emerse come risposta al caos e all'incertezza dell'era postbellica. Coniato dal critico Michel Tapié, l'Arte Informale comprendeva una vasta gamma di stili uniti dal rifiuto delle forme tradizionali e dall'adozione di tecniche anti-compositive. Artisti provenienti da Europa, America, Giappone e oltre esploravano l'astrazione gestuale e la spontaneità ispirata al Surrealismo come mezzi per affrontare l'angoscia esistenziale del periodo.

A proposito dell'analisi dell'opera, "Rothko inspired - now's the time" di Nadiia Antoniuk è un dipinto vivido ed energetico. Questo esempio di Color field supera i più tipici rettangoli di colore definiti e i bordi morbidi di Rothko, alludendo ad una maggiore intensità emotiva e attenzione alle relazioni cromatiche. La parte superiore del dipinto è di fatto dominata da una "sezione" di arancione e di giallo, che, con la sua intricata rete di linee, sembra anche trarre ispirazione dalla dinamica tecnica di dripping di Pollock. Al di sotto di questa vibrante esplosione di colori caldi, invece, si presenta un contrastante accostamento di un blu, pronto a riempire la parte inferiore della tela, quasi a rimembrare le profondità di un oceano o l'espansione di un cielo notturno. Alla base l'opera presenta una striscia orizzontale di bianco, che potrebbe essere interpretata come una risoluzione pacifica al tumulto sopra, forse allusiva della cresta di un'onda, con la sua apparenza spumosa, intesa per portare contrasto di texture al pezzo. Nel complesso, il dipinto rappresenta una fusione di influenze, prendendo il peso emotivo e la semplicità dei campi cromatici di Rothko, e le tecniche gestuali dinamiche della pittura d'azione di Pollock. 

BLACK LACE (2021)Arte digitale da Kurotory

Op art

Op art, abbreviazione di "Arte Ottica", emerse negli anni '50 come un movimento dinamico alimentato dalla fascinazione degli artisti per la percezione, gli effetti ottici e le illusioni. Radicata nell'esplorazione dei fenomeni visivi, l'Op art spingeva i confini dell'espressione artistica tradizionale, sfruttando nuovi interessi nella tecnologia e nella psicologia. Questo movimento, caratterizzato da pattern astratti e contrasti marcati, mirava a catturare e confondere l'occhio dello spettatore.

Storicamente, l'Op art emerse insieme all'Arte Cinetica, entrambe condividendo una fascinazione per il movimento e la percezione. La mostra seminale "Le Mouvement" nel 1955 presso la Galerie Denise Rene segnò l'inizio di questa esplorazione artistica. Tuttavia, fu la mostra del 1965 "The Responsive Eye" al Museum of Modern Art di New York a spingere l'Op art sotto i riflettori pubblici, scatenando una mania per i suoi design nella moda e nei media.

Le caratteristiche chiave dell'Op art risiedono nella sua manipolazione della percezione visiva attraverso pattern astratti e composizioni ad alto contrasto. Spesso eseguiti in bianco e nero per massimizzare l'impatto, questi lavori d'arte creano illusioni ottiche che sfidano il senso di profondità e movimento dello spettatore. L'enfasi sull'illusione e sulla percezione suggerisce connessioni con tecniche artistiche più antiche come il trompe l'oeil e l'anamorfosi, riflettendo anche la fascinazione dell'era moderna per la tecnologia e la cultura dei consumi.

Esempio di Op art è invece "Black lace" di Kurotory, opera d'arte digitale dove l'illusione ottica di una "ruota di pizzo" tridimensionale si palesa in bianco e nero. Di fatto, Kurotory, artista che combina tecniche tradizionali con i media digitali, ha realizzato un disegno che sembra girare e pulsare, capace di sintetizzare, sia l'uso dei principi matematici, che quelli della manipolazione ottica. In aggiunta, la complessità del "motivo a ragnatela" suggerisce anche un arrangiamento meticoloso di linee e curve, concepite per creare un vortice ipnotico, la cui complessità del disegno si intensifica verso il centro, dove l'occhio è attratto in quello che sembra uno spirale infinita. Proprio tale effetto ricorda i fenomeni visivi esplorati dai pionieri dell'Op art come Victor Vasarely e Bridget Riley, la cui indagine artistica ha fatto si che la percezione dell'osservatore oscilli tra la piattezza del mezzo e la profondità suggerita dell'immagine.

OLIVE OCCASIONS (2022)Pittura da Gustaf Tidholm

Minimalismo

Il Minimalismo emerse a New York nei primi anni '60 come risposta a ciò che gli artisti percepivano come la stanchezza e l'accademismo delle tendenze artistiche recenti. Respinte le eccessive espressioni dell'Espressionismo Astratto, una nuova generazione di artisti cercò di creare opere che privilegiassero il semplice e il geometrico rispetto al drammatico. Le sculture realizzate con materiali industriali divennero un marchio distintivo del movimento, enfatizzando l'anonimato e evitando simbolismi evidenti.

Al centro del Minimalismo vi era un deliberato rifiuto dell'espressione, poiché gli artisti si distanziavano dalle associazioni biografiche e metaforiche prevalenti nell'Espressionismo Astratto. Invece, si concentravano sulla creazione di opere lisce e geometriche che sfidavano le tradizionali nozioni di attrattiva estetica. Ispirati al Costruttivismo Russo e ai ready-made di Marcel Duchamp, i Minimalisti abbracciavano la fabbricazione modulare e i materiali industriali, creando opere che assomigliavano a merci prodotte in fabbrica piuttosto che ad arte finemente realizzata.

Una delle caratteristiche distintive del Minimalismo era il suo enfasi sullo spazio fisico occupato dall'opera d'arte. Attraverso forme geometriche semplici e ripetute e materiali prefabbricati, le opere Minimaliste costringevano gli spettatori a confrontarsi con l'organizzazione e la scala delle forme, così come con le proprie risposte fisiche e visive. Questo approccio mirava a abbattere le distinzioni tradizionali tra pittura e scultura, sfidando il dogma formalista sostenuto da critici come Clement Greenberg.

La tendenza degli anni '60 viene ben resa da "Olive occasions" di Gustaf Tidholm, esercizio di astrazione minimalista, che presenta una superficie, volta a giocare con la percezione dello spettatore. Dipinto in un tenue verde oliva, colore spesso associato all'armonia e alla pace, il pezzo trasmette sensazioni di tranquillità e ottimismo. La superficie dell'opera è invece testurizzata con cerchi, per offrire una profondità, che varia a seconda della prospettiva dello spettatore e del modo in cui la luce interagisce con il dipinto. Gustaf Tidholm, il pittore svedese contemporaneo dietro a quest'opera, incanala le esperienze delle interazioni quotidiane e del processo creativo stesso nella sua arte. Di fatto, la sua espressione minimalista non è semplicemente intesa per alludere alla più pura sintesi e alla geometria, in quanto essa aspira a comunicare emozioni concrete, quali la gioia, la speranza, la felicità, la pace e la fede. Questi sentimenti, sottilmente intessuti nel tessuto del pezzo, portano alla naturale contemplazione e coinvolgimento da parte dell'osservatore, che ammira quieto e rilassato la semplicità del monocromo.