¿Qué te impulsó a crear arte y convertirte en artista (acontecimientos, sentimientos, experiencias...)?
Al principio no fue una decisión deliberada, simplemente seguí (o fui perseguido por) una aptitud involuntaria y espontánea que se manifestó en la infancia con el dibujo, antes incluso de que pudiera concebir palabras como "arte". Luego, a medida que fui creciendo, esta predisposición se dirigió hacia las aplicaciones prácticas del diseño gráfico y la comunicación visual en general. Sólo más tarde, como resultado de reflexiones sobre el medio fotográfico que se había convertido en mi profesión, me dediqué mucho a la investigación puramente "artística".
¿Cuál es tu formación artística, técnicas y temas con los que has experimentado hasta ahora?
Mis experiencias formativas fueron el diseño gráfico y especialmente la fotografía practicada en una era que aún era totalmente analógica donde la gente todavía trabajaba solo artesanalmente. Luego vino el píxel (que también fue objeto de investigación en la serie homónima de imágenes "transmedia" realizada en 1996)* y con él el photoshop y ese es el final de una era.
Experimenté transversalmente con diferentes posibilidades, finalmente encontrando una síntesis en la pintura al óleo y el formato cuadrado derivado de la experiencia fotográfica ya que me decanté por el 6x6. En esta plaza puede pasar cualquier cosa ya que procedo por intuición y por tanto no hay ilustración de un sujeto, sino la teoría de una composición fotográfica inmersa en la expresividad del gesto y el efecto pictórico, volviendo a la manualidad elemental del dibujo y la pintura volcados a la figuración. . Después de unos años de experimentación me mantuve centrado en la fenomenología de la materia orgánica, animal y corporal inmersa en una dimensión atemporal. Pero entendido más conceptualmente, el tema subyacente es el propio arte visual tradicional, en la totalidad de su bagaje que reinterpreto a través de las sensaciones, estados de ánimo, fascinaciones (siempre cambiantes) que me atraviesan, aquí y ahora. Últimamente he estado tratando de investigar alguna posible idealidad en busca de un equilibrio armonioso entre la materia y el espíritu.
¿Cuáles son los 3 aspectos que te diferencian de otros artistas, haciendo que tu trabajo sea único?
Probablemente sean el equilibrio compositivo aprendido en la fotografía, la sincrasis de instancias estilísticas, es decir, la fusión de las más dispares sugerencias que ofrece la historia del arte, el signo caligráfico que recuerda mi experiencia como diseñador gráfico. Pero creo que la identidad se manifiesta por la combinación de varios factores combinados: sí es difícil de comercializar porque no reitera un cliché evidente a primera vista, y quizás de ahí dependa que una característica que une a mis coleccionistas y admiradores sea su cultura visual profunda libre de prejuicios.
¿De dónde viene la inspiración?
Del instinto, del subconsciente, de la intuición. Son intuiciones visuales. Me someto a la observación de una miríada de imágenes, a menudo completamente aleatorias y caóticas. Entonces por proceso intuitivo dejo que mi subconsciente procese su síntesis y conciba una imagen completa y original, diseñada y desarrollada entonces como una obra.
¿Cuál es tu enfoque artístico? ¿Qué visiones, sensaciones o sentimientos quieres evocar en el espectador?
Busco autenticidad. Evito la retórica de lo "contemporáneo" aunque indague sobre ella, es decir, favorezco un enfoque atemporal, prescindiendo de la actualidad. Observo, respeto y trato de innovar la tradición sin, sin embargo, ceder al anacronismo nostálgico del tradicionalismo. Sigo y confío sólo en mis instintos, mis estados de ánimo, evocando visiones. Me agradaría que el espectador pueda ser interpelado por las imágenes y atravesado por su expresión pictórica.
¿Cómo es el proceso creativo de tus obras? ¿Espontáneo o con un largo proceso de preparación (técnica, inspiración de los clásicos del arte u otros)?
Originalmente está el dibujo en el que las intuiciones visuales se traducen en signos, estudiadas y compuestas en líneas y volúmenes, como si fuera una partitura musical. Ésta es luego devuelta sumariamente al lienzo donde se ejecuta la composición con la energía plástica de la pintura permitiéndome gestos muy espontáneos e instintivos porque se liberan de la búsqueda de formas y volúmenes previamente dibujados.
¿Utiliza alguna técnica de trabajo en particular? En caso afirmativo, ¿puede explicarlo?
Prefiero el óleo sobre lienzo, es decir, la técnica más tradicional posible: precisamente porque se da por sentado y no es original, lo considero la mejor solución para centrar la atención en el signo y la investigación intelectual de mi obra. No utilizo el óleo por la suavidad de una reproducción realista, sino por su plasticidad y la amplísima gama de tonalidades cromáticas.
¿Hay aspectos innovadores en su trabajo? ¿Puedes decirnos cuáles son?
La innovación que busco consiste en el enfoque: he elegido la manualidad y la sencillez como subversivas y antitéticas a la tecnología: la mía es una aventura en la que expreso la inteligencia animal y orgánica, un viaje existencial en el que el producto, la obra, es su episodio, documento y testimonio único. De hecho, no hay títulos, sino números.
¿Tienes algún formato o medio con el que te sientas más cómodo? Si es así, ¿por qué?
La plaza.
Diez años de fotografía practicados a diario es una experiencia que influye inexorablemente. El acto de encuadrar ya es una elección creativa y yo me decanté por el formato cuadrado.
Simbólicamente también es una estructura racional donde la línea horizontal, mirada de inmanencia y referencia espacio-temporal, tiene el mismo valor, la misma longitud que la línea vertical, es decir, el sentido de trascendencia y espiritualidad. La figuración y sus pulsiones contenidas en este "hortus conclusus", se liberan en esta escena donde se combina y ordena la cadencia de los signos.
¿Dónde produce sus obras? ¿En casa, en un estudio compartido o en tu propio estudio? Y en este espacio, ¿cómo organizas tu trabajo creativo?
Trabajo donde vivo aunque no necesariamente en mi casa. Más bien me adapto a vivir donde trabajo porque necesito ser libre para poder intervenir en lo que estoy haciendo en cualquier momento. He trabajado en muchos lugares y donde he trabajado y vivido durante un tiempo casi siempre he logrado que los espacios convivan en armonía ya que no separo el trabajo de mi diario vivir.
¿Tu trabajo te lleva a viajar para conocer nuevos coleccionistas, para ferias o exposiciones? Si es así, ¿qué obtienes de ello?
No. Eventualmente me lleva a viajar para residencias.
¿Cómo ves tu trabajo y tu carrera como artista en el futuro?
Sólo me gustaría darle una cierta continuidad a mi trabajo desarrollándolo de manera coherente con el camino recorrido porque tengo muchas ganas de ver adónde se llega siguiendo este principio de intuición e instinto guiado por la experiencia del ojo. Sería importante poder interpretar mi trabajo no sobre la base de trabajos individuales sino (de acuerdo con los principios de la teoría de la gestalt) sobre la percepción del todo en lugar de las soluciones formales de cada "episodio visual" individual. Una antología en solitario revelaría esto... Tal vez, algún día...
¿Cuál es el tema, estilo o técnica de tu última producción artística?
En el ciclo “Déjalo ser” (2022) me muevo en una dimensión más mental y menos orgánica que en el pasado, donde busco a través de signos, imágenes que hablan al subconsciente. Ambientes psíquicos que bordean una vaga espiritualidad pero ciertamente secular.
Luego planifico un ciclo sobre la evanescencia de los cuerpos y la psicología femenina y otro en el que me moveré en torno al tema del paisaje. Pero las sorpresas y las desviaciones siempre son posibles y consideradas, si no también deseadas.
¿Puede hablarnos de su experiencia expositiva más importante?
En 2014 fui invitado a una residencia de DaWang Culture Highland en Shenzhen, China. No se sabe bien en Europa cuánto se mira en China a la pintura y a los pintores: son celebridades, y aunque con características muy diferentes hay allí una tradición milenaria que es mucho más antigua que en Europa.
Al final de la residencia de tres meses hubo una exposición del trabajo realizado. El espacio era inmenso y la mirada se perdía en él. Así que me puse a trabajar alocadamente con la intención de completar un ciclo de 30 lienzos en los que no podía hacer otra cosa que manifestar sinceramente toda mi occidentalidad, ajena en ese contexto. Logré terminar 21 de ellos y se distribuyeron radicalmente en el espacio expositivo.
La inauguración, como es costumbre en China, estaba programada para la tarde de finales de agosto. Con 38 grados de calor húmedo, me quedé en mi habitación al abrigo del aire acondicionado para tratar de llegar al público lo más fresco posible.
Cuando estoy en la gran explanada frente a la galería, noto movimientos extraños y cierta agitación de la que emerge un camión militar: la policía. Con la joven intérprete llorando y yo sin entender lo que pasaba me quisieron interrogar. Mientras respondía al policía de paisano y con un pase en el pecho del que se recortaba una gran estrella roja, vi a uno de los policías bajando el rastrillo del acceso a la galería. A partir de ahí comencé a perder la compostura, pero antes de que sucediera lo irreparable me apartó el director de arte (británico) advirtiéndome que me arriesgaba a una semana en la cárcel y al embargo de las obras, y que si eso no había ocurrido ya sucedió que fue en virtud del hecho de que yo no era chino....
Finalmente, la exposición fue censurada (solo puedo sospechar por razones de modestia pública, pero no se me permitió hacer preguntas).
Si pudieras crear una famosa obra de historia del arte, ¿cuál elegirías? ¿Y por qué?
Apolo y Marsias de Jusepe de Ribera.
Habiendo vivido en Nápoles he tenido la oportunidad de poder admirarlo varias veces y conozco todo su poder visual. Es a mi juicio un momento muy elevado de la pintura donde la muy estudiada composición escénica se hace vívida por las pinceladas rápidas y vibrantes que hacen que las anatomías sean palpitantes, orgánicas. La interpretación del claroscuro es una obra maestra de profundidad; el ropaje del manto de Apolo es entonces en sí mismo una obra de fascinación eterna. No se puede olvidar.
Si pudieras invitar a cenar a un artista famoso (vivo o muerto), ¿quién sería? ¿Cómo sugerirías pasar la noche con ellos?
Me hubiera gustado poder espiar en presencia de Gian Lorenzo Bernini mientras esculpía a Apolo y Dafne, pero de los artistas famosos (más muertos que vivos) tomo lo mejor de sus obras.
Prefiero pasar las tardes con las pocas personas que amo.
Olimpia Gaia Martinelli
