Gustave Courbet

Gustave Courbet, Autoportrait (Homme à la pipe) , 1848-1849. Huile sur toile, 45 x 37 cm.

Qui était Gustave Courbet ?

Jean Désiré Gustave Courbet était un peintre français qui a dirigé le mouvement du réalisme dans la peinture française au XIXe siècle. Il a rejeté la tradition académique et le romantisme de la génération précédente d'artistes visuels, s'engageant à ne peindre que ce qu'il pouvait voir. Son approche unique a servi d'exemple aux artistes ultérieurs, tels que les impressionnistes et les cubistes. Courbet a été reconnu à la fin des années 1840 et au début des années 1850 pour ses peintures qui défiaient les conventions en dépeignant des paysans et des ouvriers non idéalisés à grande échelle généralement réservés aux sujets religieux ou historiques. Ses œuvres ultérieures comprenaient des paysages, des paysages marins, des scènes de chasse, des nus et des natures mortes, avec des thèmes politiques moins manifestes. En plus de ses activités artistiques, Courbet était également impliqué dans la politique française en tant que socialiste. Il a été emprisonné pendant six mois en 1871 en raison de son implication dans la Commune de Paris et a vécu en exil en Suisse de 1873 jusqu'à sa mort quatre ans plus tard. L'impact de Courbet sur la peinture française du XIXe siècle a été significatif, car il était un innovateur et un artiste qui a fait des déclarations sociales audacieuses à travers son travail.

Gustave Courbet, Homme désespéré , 1843-1845. Huile sur toile, 45×54 cm. Collection privée.

Vie

Gustave Courbet est né en 1819 à Ornans, une ville du département du Doubs en France. Ses parents, Régis et Sylvie Oudot Courbet, avaient des convictions anti-monarchiques, probablement influencées par l'implication de son grand-père maternel dans la Révolution française. Les sœurs de Courbet, Zoé, Zélie et Juliette, lui ont servi de premiers modèles pour la peinture et le dessin. Après avoir déménagé à Paris en 1839, Courbet a continué à revenir fréquemment à Ornans pour se livrer à la chasse, à la pêche et s'inspirer de son art. Il a d'abord travaillé au studio de Steuben et Hesse mais est rapidement parti pour développer son propre style. Il a étudié les œuvres de maîtres espagnols, flamands et français au Louvre et a peint des copies de leurs œuvres, affichant un fort esprit indépendant dans sa poursuite de l'excellence artistique. Courbet s'est d'abord inspiré de la littérature, créant des œuvres telles qu'une Odalisque d'après l'écriture de Victor Hugo et une Lélia inspirée de George Sand. Cependant, il abandonne rapidement ces influences littéraires et choisit plutôt de créer des peintures basées sur la réalité observée. Au début des années 1840, il réalise plusieurs autoportraits dans un style romantique, se représentant dans divers rôles. Quelques exemples notables incluent Autoportrait au chien noir (vers 1842-1844, exposé au Salon de Paris de 1844), Desperate Man (vers 1843-1845), Lovers in the Countryside (1844, exposé au Musée des Beaux-Arts à Lyon), Le Sculpteur (1845), L'Homme blessé (1844-1854, exposé au musée d'Orsay à Paris), Autoportrait au violoncelle (1847, exposé au Nationalmuseum de Stockholm et exposé au Salon de 1848 ) et L'Homme à la pipe (1848-1849, exposé au musée Fabre de Montpellier). Les voyages de Courbet aux Pays-Bas et en Belgique en 1846-1847 ont renforcé sa conviction que les artistes doivent peindre la vie qui les entoure, comme en témoignent les œuvres de maîtres hollandais comme Rembrandt et Hals. En 1848, Courbet avait recueilli le soutien des jeunes critiques, en particulier les néo-romantiques et les réalistes, comme Champfleury. En 1849, Courbet remporte son premier succès au Salon avec son tableau Après le dîner à Ornans. L'œuvre, qui rappelle Chardin et Le Nain, a valu à Courbet une médaille d'or et a été achetée par le gouvernement français. À la suite de cette reconnaissance, les œuvres de Courbet ne sont plus soumises à l'approbation du jury pour être exposées au Salon, privilège dont il jouit jusqu'en 1857, date à laquelle les règles changent. Entre 1849 et 1850, Courbet peint Les Casseurs de pierres, malheureusement détruits lors du bombardement allié de Dresde en 1945. Le tableau est très apprécié du philosophe français Proudhon, qui y voit une icône de la vie paysanne et un symbole de la vie ouvrière. classe. The Stone Breakers s'inspire d'une scène dont Courbet a été témoin sur le bord de la route, et il raconte plus tard à Champfleury et à l'écrivain Francis Wey comment le tableau est né : "Ce n'est pas souvent qu'on rencontre une expression aussi complète de la pauvreté et donc, à droite puis et là, j'ai eu l'idée d'un tableau. Je leur ai dit de venir à mon atelier le lendemain matin. The Stone Breakers est aujourd'hui considérée comme l'une des œuvres les plus significatives de Courbet et est reconnue comme l'un des premiers exemples du mouvement du réalisme.

Gustave Courbet, Demoiselles au bord de la Seine , 1857. Huile sur toile, 174×200 cm. Paris : Musée du Petit Palais.

Que veut dire Réalisme ?

Le travail de Courbet ne s'alignait pas sur les écoles d'art romantiques ou néoclassiques prédominantes. Il ne considérait pas la peinture d'histoire, que le Salon de Paris considérait comme la forme d'art la plus élevée, comme une poursuite valable, estimant que les artistes d'une époque ne pouvaient pas capturer avec précision l'essence d'une autre époque. Au lieu de cela, Courbet a soutenu que la seule véritable source de l'art était les propres expériences de l'artiste. Aux côtés de Jean-François Millet, il trouve l'inspiration en peignant la vie des paysans et des ouvriers. La production artistique de Courbet comprenait des compositions figuratives, des paysages, des marines et des natures mortes. Il courtise la controverse en abordant des questions sociales dans son travail et en décrivant des sujets considérés comme vulgaires, tels que la bourgeoisie rurale, les paysans et les conditions de travail des pauvres. Son travail, ainsi que celui d'Honoré Daumier et de Jean-François Millet, est devenu connu sous le nom de Réalisme. Pour Courbet, le réalisme ne concernait pas la ligne et la forme parfaites, mais plutôt la manipulation spontanée et brutale de la peinture, capturant les irrégularités de la nature par l'observation directe. Il a dépeint les dures réalités de la vie et a défié les idées académiques contemporaines de l'art. L'une des caractéristiques déterminantes du réalisme de Courbet était son lien permanent avec sa province natale, la Franche-Comté, et sa ville natale, Ornans.

Gustave Courbet, Femme au perroquet , 1866. Huile sur toile, 129,5×195,6 cm. New York : Metropolitan Museum of Art.

La fin des jours

Après avoir purgé sa peine de prison le 2 mars 1872, les ennuis de Courbet sont loin d'être terminés. En 1873, le président de la République nouvellement élu, Patrice Mac-Mahon, annonce le projet de reconstruction de la colonne Vendôme, aux frais de Courbet. Incapable de payer, Courbet s'exile en Suisse pour éviter la faillite. Pendant ce temps, il a participé à des expositions régionales et nationales suisses et s'est fait connaître comme le chef de file de «l'école réaliste» dans la petite communauté artistique suisse. Il a inspiré de jeunes artistes comme Auguste Baud-Bovy et Ferdinand Hodler. L'une des œuvres importantes de Courbet au cours de cette période comprenait plusieurs peintures de truites, qui ont été interprétées comme des autoportraits allégoriques de l'artiste exilé. Dans ses dernières années, Courbet s'est concentré sur les paysages, y compris des scènes d'eau émergeant mystérieusement des profondeurs de la terre dans les montagnes du Jura le long de la frontière franco-suisse. Courbet a également travaillé sur la sculpture pendant son exil, ayant déjà réalisé quelques sculptures au début des années 1860. Une de ses sculptures, Le Pêcheur de Chavots, avait été donnée à Ornans pour une fontaine publique mais a été retirée après l'arrestation de Courbet. En mai 1877, l'État fixe le coût définitif de la reconstruction de la colonne Vendôme à 323 000 francs que Courbet devra rembourser par annuités de 10 000 francs pendant les 33 années suivantes. Cependant, Courbet mourut le 31 décembre 1877, un jour avant l'échéance du premier versement, à l'âge de 58 ans à La Tour-de-Peilz, en Suisse, des suites d'une maladie du foie aggravée par une forte consommation d'alcool.

Les oeuvres les plus connues

Gustave Courbet, Homme désespéré , 1843-1845. Huile sur toile, 45×54 cm. Collection privée.

Le Désespéré (1843-1845)

Le Desperate Man est un portrait mémorable principalement dû à l'éclairage et à l'expression angoissée de l'artiste. Sa composition dramatique peut rappeler à certains spectateurs les œuvres de Caravaggio et Rembrandt.

Gustave Courbet, La Vague , 1869-70.

La Vague (1870)

On prétend que Courbet a été l'un des premiers artistes à être influencé par les estampes japonaises, qui sont devenues plus tard une source d'inspiration importante pour de nombreux premiers modernistes. Cette esthétique orientale est évidente dans les peintures de Courbet, qui représentaient souvent une tranche d'eau isolée d'une vue plus large de l'espace, peut-être inspirée des estampes japonaises. Ce style de peinture était caractérisé par des taches de peinture brisées appliquées à la fois dans les zones sombres et claires, créant une texture unique qui a inspiré les impressionnistes en herbe. En bref, les paysages et les marines de Courbet, avec leur traitement pictural, sont devenus une source d'inspiration importante pour les artistes ultérieurs.

Gustave Courbet, Sommeil , 1866. Huile sur toile, 135 cm × 200 cm. Paris : Petit Palais.

Sommeil (1866)

Cette œuvre particulière de Courbet montre sa fascination pour un réalisme érotique, qui est devenu un thème important dans ses œuvres ultérieures. La peinture présente un érotisme brut et explicite, sans aucune justification romantique ou mythologique, ce qui la rend impopulaire parmi ceux qui adhéraient aux goûts conventionnels de l'époque. Les nus non sanctifiés de Courbet ont provoqué de nombreuses discussions sur les défauts de son caractère et de son art. Cependant, l'artiste a savouré l'attention et la réputation qu'il a acquise en tant qu'artiste de confrontation. Malgré les critiques, son style controversé a contribué à l'établir comme une figure influente du monde de l'art.

Gustave Courbet, L'Atelier du peintre , 1855. Huile sur toile, 361 cm × 598 cm. Paris : Musée d'Orsay.

L'atelier du peintre : une véritable allégorie résumant une phase de sept ans de ma vie artistique (1855)

Ce tableau de 19 pieds de long est une manifestation de l'amour-propre de Courbet et de sa fierté pour sa volonté de fer, son travail acharné et son génie révolutionnaire. Dans la même veine que la façon dont il a représenté les autres dans son travail antérieur "Enterrement à Ornans", Courbet se présente comme un héros dans ce tableau. Il affiche une quantité importante d'égoïsme et affirme que le progrès se produit lorsque les individus pensent de manière indépendante et remettent en question le statu quo. Le tableau montre Courbet en taille réelle, un pinceau à la main, travaillant sur une peinture de paysage. Ses amis à droite symbolisent les âmes sœurs et l'innovation, tandis que le garçon admiratif représente la conviction de Courbet que son héritage perdurera pendant des générations. Le modèle nu debout derrière l'artiste est un hommage à sa grandeur et à son rôle de muse. A gauche, les travailleurs pauvres se tiennent debout, car Courbet leur reconnaît le droit d'être inclus. Son adversaire, Napoléon III, est représenté en braconnier avec une arme à feu et accompagné de ses chiens. Le regard confiant de Courbet éclipse l'inclinaison de la tête vers le bas de Napoléon, symbole de l'innovateur dominant l'autoritaire. En bref, ce tableau est l'expression de la confiance en soi de Courbet et de sa croyance en l'importance de l'individualisme et de la contestation de l'establishment.

Gustave Courbet, La Rencontre ou Bonjour Monsieur Courbet , 1854. Huile sur toile, 129 cm × 149 cm. Montpellier : Musée Fabre.

La Rencontre ou Bonjour Monsieur Courbet (1854)

Dans ce grand tableau, Courbet se représente en train de rencontrer Alfred Bruyas, mécène et partisan important. L'œuvre montre l'appréciation de Bruyas pour le talent artistique de Courbet. Le serviteur du tableau est représenté dans un geste de plus grand respect, soulignant le moment d'appréciation mutuelle entre l'artiste et son mécène. La tête de Courbet est légèrement inclinée vers l'arrière et il se tient directement dans la lumière non filtrée, soulignant son importance et son intelligence. Cependant, le tableau révèle également la suffisance de Courbet, évidente dans la façon dont sa barbe pointe vers le patron comme dans un jugement. De plus, Courbet porte un bâton qui fait le double de celui de Bruyas, soulignant encore la force et la puissance de l'artiste. Dans l'ensemble, la peinture capture la relation entre un artiste et son mécène, mettant en valeur l'admiration de Bruyas pour Courbet et le sens de l'importance personnelle de l'artiste.

Gustave Courbet, Les Baigneuses , 1853. Huile sur toile, 227 cm × 193 cm. Montpellier : Musée Fabre.

Les Baigneuses (1853)

Dans ce tableau, Courbet représente deux femmes de manière naturelle, non idéalisée, sans aucune justification mythologique ou rhétorique de leur nudité partielle. La peinture a été controversée et a reçu des critiques négatives, même l'artiste renommé Delacroix exprimant sa désapprobation. Cependant, cette attention négative a fait de la publicité pour l'œuvre et a finalement aidé Courbet à la vendre. La peinture illustre le rejet par Courbet des conventions classiques et son accent sur la représentation de la réalité, même si elle était considérée comme vulgaire par certains.

Gustave Courbet, Enterrement à Ornans , 1849. Huile sur toile, 315 cm × 660 cm. Paris : Musée d'Orsay.

Enterrement à Ornans (1849)

Ce tableau, d'une longueur de 7 mètres et situé dans une salle proéminente du musée d'Orsay, plonge le spectateur dans une atmosphère de grotte. Les personnages représentés dans le tableau semblent flous sur la cérémonie et sont disposés dans une composition non classique. En tant qu'exemple par excellence du réalisme, la peinture adhère étroitement aux détails factuels d'un véritable enterrement et évite toute connotation spirituelle accrue. Au lieu de cela, Courbet met l'accent sur la fugacité de la vie et n'utilise pas intentionnellement la lumière dans la peinture pour exprimer l'éternel. Alors que le coucher du soleil aurait pu symboliser le passage de l'âme du temporel à l'éternel, Courbet couvre le ciel de nuages si bien que le passage du jour à la nuit n'est qu'un écho du cercueil passant de la lumière à l'obscurité de la terre. Certains critiques ont vu l'adhésion du tableau aux faits de la mort comme une insulte à la religion et ont critiqué sa composition comme minable et sa représentation des gens de la classe ouvrière comme ayant une importance injustifiée. D'autres, comme Proudhon, ont fait l'éloge de la peinture pour sa suggestion d'égalité et de vertu entre tous et ont reconnu son potentiel pour changer le cours de l'art et de la politique occidentaux.

Gustave Courbet, Femme parmi les flots , 1868. Huile sur toile, 65,4×54 cm. New York : Metropolitan Museum of Art.

Concepts clés

Le réalisme de Courbet peut être considéré comme faisant partie de l'enquête plus large sur le monde physique qui se déroulait au XIXe siècle, en particulier dans le domaine de la science. Cependant, dans le monde de l'art, Courbet a été le plus influencé par son dédain pour les contraintes rigides de l'Académie française. Il a rejeté les approches traditionnelles de l'art classique ou romantique et s'est plutôt concentré sur des scènes humbles de la vie à la campagne, qui étaient généralement considérées comme des sujets pour des peintures de genre mineur. Malgré cela, Courbet a transformé ces sujets en matériau pour des peintures d'histoire significatives, ce qui lui a valu une notoriété considérable. Lors de la Commune de Paris de 1871, Courbet met temporairement de côté sa peinture pour assumer un rôle au sein du gouvernement, ce qui correspond à ses convictions politiques de gauche. Bien que l'art de Courbet n'ait pas été explicitement politique, il était toujours reconnu dans le contexte de l'époque car il défendait l'idée d'égalité en représentant des individus ordinaires de manière héroïque. Il les dépeint à grande échelle, refusant de dissimuler leurs imperfections, ce qui s'écarte des représentations idéalisées que l'on trouve couramment dans l'art traditionnel. En conséquence, l'œuvre de Courbet est devenue un symbole de justice sociale, en résonance avec ceux qui ont cherché à promouvoir les valeurs d'égalité et d'équité au cours de cette période tumultueuse de l'histoire de France. Comme Courbet a rejeté les conventions de la peinture de l'Académie, il a souvent créé des compositions considérées comme collées et rugueuses par rapport aux normes artistiques en vigueur. Il a aussi parfois abandonné la technique traditionnelle du modelage soigné, appliquant à la place une peinture épaisse et utilisant des taches et des dalles cassées. Ces choix stylistiques innovants ont rendu Courbet très respecté par les modernistes ultérieurs qui ont cherché à se libérer des techniques de composition traditionnelles et à se concentrer sur la mise en valeur de la texture de surface. Courbet a rompu avec la dépendance traditionnelle au système de salon géré par l'État en créant la rétrospective solo en tant qu'entreprise commerciale privée. Cette approche lui a permis d'exposer ses œuvres de manière indépendante et selon ses propres conditions, ce qui est devenu un modèle suivi par de nombreux artistes ultérieurs qui ont défié les conventions.

Résumé

Gustave Courbet a joué un rôle central dans l'émergence du mouvement Réalisme au milieu du XIXe siècle. Il a rejeté les styles classiques et théâtraux de l'Académie française et a plutôt mis l'accent sur la réalité physique des objets qu'il a observés, même si cette réalité était simple et imparfaite. En tant que républicain engagé, Courbet a utilisé son réalisme pour défendre les paysans et les campagnards de sa ville natale. Courbet était connu pour sa réponse aux troubles politiques qui ont balayé la France de son vivant, et il est finalement mort en exil en Suisse après avoir été tenu responsable du coût de la reconstruction de la colonne Vendôme à Paris. Cependant, des historiens plus récents ont reconnu l'importance de l'œuvre de Courbet en tant que précurseur d'autres artistes du début du modernisme, tels qu'Édouard Manet et Claude Monet. Les contributions de Courbet au réalisme et son dévouement à dépeindre la réalité de la vie quotidienne continuent de faire de lui une figure importante de l'histoire de l'art.

Gustave Courbet, Les Casseurs de pierres , 1849. Huile sur toile, 159×259 cm. Ouvrage détruit lors du bombardement de Dresde (1945).

Notoriété

Au Salon de 1857, Courbet expose six tableaux dont des Jeunes filles sur les bords de Seine (L'été) et des scènes de chasse. L'ancien tableau, qui représentait des femmes modernes affichant avec désinvolture leurs sous-vêtements, a choqué les critiques d'art habitués aux femmes nues conventionnelles dans les paysages. Courbet a délibérément exposé des œuvres sensationnelles aux côtés de scènes de chasse populaires pour assurer la notoriété et les ventes. Au cours des années 1860, il crée des œuvres de plus en plus érotiques telles que Femme nue couchée, Sommeil et L'Origine du monde, qui représentent des organes génitaux féminins et ne seront exposées publiquement qu'en 1988. Au début des années 1860, le régime de Napoléon III affiche des tendances autoritaires, mais il fit plus tard des concessions à ses adversaires libéraux. En signe d'apaisement envers les admirateurs de Courbet, Napoléon III le nomme à la Légion d'honneur en 1870. Cependant, le refus de Courbet de la croix de la Légion d'honneur provoque la colère du pouvoir mais le rend immensément populaire auprès de l'opposition.

Héritage

La perspective unique de Gustave Courbet a transformé l'art occidental et jeté les bases des mouvements modernes ultérieurs, notamment l'impressionnisme et le postimpressionnisme. D'autres artistes, tels que Manet, Monet et Renoir, ont été influencés par l'œuvre de Courbet et son approche de la peinture. L'utilisation par Courbet d'une peinture épaisse a également servi de précédent pour les artistes de la fin du XXe siècle, tels que Willem de Kooning, Lucian Freud et les Bay Area Figurative Painters. Dans l'ensemble, les contributions de Courbet au monde de l'art ont eu un impact durable sur le développement de l'art moderne.