Comment se démarquer d'une partie blanche...

Les fenêtres scellées, le plafond qui devient une source de lumière et les murs blancs sont proposés dans un espace dont les caractéristiques favorisent l'exclusion du monde extérieur, car l'art, qui prend place et vie en son sein, doit être laissé libre de s'exprimer, en évitant ces distractions abandonnantes, auxquelles seul le contenant hermétique susmentionné, connu sous le nom de cube blanc, peut échapper, favorisant la conservation des chefs-d'œuvre dans un environnement blanc et nu, rendu à une dimension temporelle éternelle, à l'abri des changements extérieurs. C'est l'histoire de certains résultats apportés par le modernisme dans la réalité de l'exposition, transformée en conteneurs blancs minimalistes, à l'intérieur desquels les œuvres de la même couleur pourraient simplement être confondues avec les murs, même si les mots de Vassily Kandisky nous font comprendre comment le blanc, dans son "mutisme" apparent, peut "nous frapper comme un grand silence qui semble absolu". En effet, nombreux sont les chefs-d'œuvre qui nous permettent de comprendre le pouvoir évocateur, symbolique, etc. de cette couleur, capable de se démarquer avec force du mur de la même teinte, en se distinguant clairement par ses significations intrinsèques, ainsi que par ses nuances nombreuses et méconnues. En témoignage de ces dernières affirmations, je voudrais attirer l'attention sur les œuvres en blanc de Kasimir Severinovitch Malevitch, Piero Manzoni, Alberto Burri et Lucio Fontana, en soulignant que si, dans l'art chrétien antérieur, cette couleur était principalement utilisée dans les robes des divinités, il n'en va pas de même dans les petites tonalités de la couleur blanche. ainsi que dans les petites taches tonales de l'impressionnisme, dans l'art abstrait, conceptuel et minimaliste, en revanche, elle a été expérimentée dans de grandes toiles, visant à générer du contenu par l'affichage de concepts exprimés de diverses manières, comme, par exemple, des coupes dans des toiles ou des matériaux provenant de tissus et d'objets. En commençant par Malevitch, l'exemple de ce qui précède nous est offert par sa Composition suprématiste : blanc sur blanc, huile sur toile de 1918 dans laquelle un carré blanc flotte légèrement dans un champ blanc, une œuvre qui, tout en représentant " une abstraction géométrique impersonnelle " et hors de la réalité, met en évidence la main de l'artiste, dont les gestes d'exécution transpirent de la texture de la peinture, dans les subtiles variations chromatiques et dans la figure géométrique non symétrique. Cette interprétation de la teinte de la pureté et de la paix nous conduit à une explication claire de l'intérêt du maître pour la technologie et l'avion, à tel point que l'utilisation du blanc nous ramène au ciel traversé par ce dernier moyen de transport, invitant le spectateur à se perdre dans une dimension transcendantale et infinie, foyer de sentiments supérieurs et berceau d'un monde utopique de formes pures. Ces sentiments seront résumés dans un manifeste rédigé par l'artiste un an plus tard, dans lequel il déclare avoir "dépassé la couverture du ciel coloré" pour nager "dans l'abîme blanc et libre", dans lequel l'infini s'étend devant lui. En ce qui concerne l'artiste italien Manzoni, le Milanais est l'auteur de la série de peintures blanches, ou plutôt dépourvues de couleur, intitulée Achrome, qui représente un manifeste clair à comprendre comme une recherche picturale neutre et essentielle, dans laquelle on ne cherche pas à exprimer un mouvement existentiel ou émotionnel, mais une tendance à l'absolu, un concept qui se confronte à la pensée relative avec laquelle on perçoit le statut théorique de l'œuvre d'art. En outre, la blancheur de Manzoni permet de réaliser, dans les limites du support, un fragment d'infini que l'observateur doit s'efforcer d'imaginer dans son immensité absolue.

DANS LES COULISSES (2022) Peinture de Valeriya Avtukhova.

COMPOSITION (2023) Peinture de Claudia Amadesi.

Un autre Italien du "blanc" est Alberto Burri, un maître qui a concrétisé son intérêt pour le chromatisme susmentionné dans certains de ses Cretti, des œuvres obtenues avec un mélange de différents matériaux qui, une fois séchés, vont au-delà d'une action créative spontanée pour favoriser le contrôle de l'artiste afin d'étudier les résultats chromatiques et compositionnels. Le résultat est une œuvre à forte valeur plastique, dans laquelle la profondeur et l'épaisseur des réseaux de fentes créent de multiples effets de lumière et de forme, rendus dans des monochromes blancs ou noirs. Dans le premier cas, le ton clair permet de distinguer clairement les différents fragments, tandis que la couleur sombre enveloppe les bords des tesselles dans l'obscurité, ce qui, dans les deux cas, ne veut pas faire allusion au sillon d'une blessure, mais à la dégradation conservatrice dans laquelle se trouvent de nombreuses peintures à l'huile importantes de notre passé. En outre, les fissures des Cretti évoquent également les particularités du paysage du Sud-Ouest américain, car à la fin des années 1950 et au début des années 1960, Burri a développé une fascination pour les vasières de la Vallée de la Mort, un endroit où il a trouvé ces fissures typiques, qu'il a ensuite juxtaposées à une sorte d'allégorie des traumatismes du régime fasciste et de la guerre industrialisée, des événements qui ont marqué de manière indélébile sa vie et son œuvre, habilement reproposés dans les Cretti. Enfin, Lucio Fontana est l'auteur du Manifesto Bianco, un texte qui utilise la couleur susmentionnée comme titre, afin de promouvoir et de souligner l'importance des nouvelles technologies pour les arts, ainsi que la recherche d'une intégration entre l'art et la science. Dans ce dernier contexte, le blanc doit être compris comme la meilleure nuance représentant la vitesse d'un progrès impalpable, une "substance" malléable et pleine de lumière capable de permettre le développement d'un art quadridimensionnel, ou plutôt, toujours en référence à Fontana, d'une œuvre étroitement liée aux dimensions du temps et de l'espace. En conclusion, comme preuve de la popularité actuelle du blanc dans l'art contemporain, je citerai en exemple le travail de plusieurs artistes d'Artmajeur, à savoir Vincent Sabatier (VerSus), Alina Shevchenko et Natalia Moreva (Наталья Морева).

ROBOCLUSION ONLY WHITE (2022) Sculpture de Vincent Sabatier (VerSus).

Vincent Sabatier (VerSus) : Roboclusion uniquement blanche

Le blanc s'impose à notre esprit comme la couleur de la sculpture par excellence, un art qu'il domine depuis des millénaires, restant intact dans notre imaginaire à travers la blancheur du marbre, la pierre métamorphique à partir de laquelle Michel-Ange a donné vie à l'une des sculptures les plus emblématiques de tous les temps, à savoir le David, un chef-d'œuvre qui a changé de signification peu de temps après son achèvement. En effet, peu de gens savent que l'œuvre a été initialement conçue pour décorer l'un des contreforts de la cathédrale de Florence, mais qu'après quelques problèmes liés à son emplacement initial et une rencontre entre Léonard de Vinci, Sandro Botticelli, Filippino Lippi, Piero di Cosimo, Il Perugino, etc., elle a été placée, en raison de ses dimensions et de sa valeur artistique, près de l'entrée du Palazzo Vecchio, un endroit où se trouve actuellement une reproduction datant du XIXe siècle. Pour en revenir au discours sur le changement de sens, outre celui de l'emplacement, le David, après l'expulsion des Médicis, mécènes qui avaient attribué une valeur religieuse à l'œuvre, a assumé une "fonction" politique, devenant le symbole de la victoire sur la tyrannie remportée par la République florentine. Pour décrire brièvement le chef-d'œuvre, la sculpture blanche représente le jeune David qui, fier de l'accomplissement de son geste guerrier contre le géant Goliath, a été immortalisé dans la complétude de sa forme et de son attitude, c'est-à-dire immobile, tandis que son regard semble dirigé vers un point lointain et indéfini. A ce titre, je voudrais aborder, avec une imagination infinie, la sculpture en résine blanche de Sabatier qui, par la définition complète du corps d'un légo, se fait le porte-parole des valeurs de l'ère moderne, où la figure humaine se confond désormais avec un contexte extrêmement consumériste, qui a transformé non seulement les traits de l'humanité, mais aussi ceux de l'art.

OMBRES BLANCHES Nº 4 (2023) Peinture d'Alina Shevchenko.

Alina Shevchenko: Ombres blanches n ° 4

Bien que les drapeaux représentent le symbole par excellence de l'identité nationale, peu de gens savent comment Jasper Johns, artiste américain né en 1930, a teint en blanc le drapeau de sa nation, réalisant ainsi White Flag, une peinture à l'encaustique de 1955, qui fait partie d'une série d'œuvres inspirées par le rêve américain des étoiles et des rayures. Malgré la récurrence de ce sujet dans l'œuvre du maître, White Flag représente sa première interprétation monochromatique, réalisée à travers l'exploration d'un objet à la structure géométrique simple, mais à la signification symbolique complexe, qui a été rendu au moyen d'un collage visant à déformer sa planéité, tandis que l'encaustique blanche efface sa coloration habituelle, le transformant en une sorte de "fantôme". Enfin, l'œuvre néo-dada de Johns s'est appropriée une image connue pour la vider de ses caractéristiques iconiques, c'est-à-dire la transformer en une représentation familière atypique, destinée à remettre en question la compréhension de la question de l'identité par le spectateur. Un message patriotique clair est plutôt proposé par les Ombres blanches n° 4 de Shevchenko, une peinture acrylique qui, dans la blancheur de la palette de couleurs susmentionnée, re-propose, cette fois, les caractéristiques des ornements ukrainiens, qui sont représentés afin d'unir les anciennes traditions au présent du pays, dont l'artiste rappelle avec nostalgie les maisons blanches des paysans, les textures du bois, de l'argile, les couleurs de la terre et du foin, le lin, l'odeur du four, etc.

CORSET 2 (2023) Peinture de Natalia Moreva (Наталья Морева).

Natalia Moreva (Наталья Морева): Corset 2

Dans l'œuvre de Moreva, le blanc est utilisé pour construire les traits d'un corset sensuel, un corset de femme qui, s'étendant des seins aux fesses, encadre naturellement les foyers de la sensualité féminine, transformant la couleur de la pureté en celle de la tentation la plus érotique. En effet, à travers l'histoire de l'art, la Vierge Marie Immaculée a souvent été représentée en robe blanche, comme en témoigne, par exemple, le chef-d'œuvre de Giambattista Tiempolo intitulé Immaculée Conception (1696-1770), une huile sur toile représentant la Vierge Marie entourée d'anges, coiffée d'une couronne d'étoiles, tandis qu'elle piétine un serpent, ce dernier symbolisant sa victoire sur le diable. Les emblèmes les plus classiques de l'iconographie de l'Immaculée Conception sont, par ailleurs, les nuages, les anges, les lys et la rose. En outre, en cette période de Pâques, il convient de souligner que le blanc confère souvent de la luminosité aux traits du Christ ressuscité, comme en témoignent la Résurrection et le Noli me tangere de Giotto, un chef-d'œuvre datant d'environ 1303, dans lequel est représenté un double épisode : le premier, placé à gauche du support, représente le tombeau vide de Jésus avec les anges assis et les gardes endormis qui témoignent de la Résurrection, tandis que le second, placé à droite, s'enrichit de la présence de Marie Madeleine, figure agenouillée devant l'apparition du Christ triomphant de la mort qui, avec une bannière de croisade, lui demande de ne pas le toucher en prononçant la phrase "Noli me tangere" (Ne me touche pas).