Sehen Sie, was im Trend ist: Die beliebtesten Stile auf Artmajeur!

SPADE (2024) Gemälde von Francesco D'Adamo

Die beliebtesten Stile und Genres auf Artmajeur sind: Pop Art, Street Art, abstrakte Kunst, Porträt und Landschaft. Möchten Sie wissen, warum sich die meisten Sammler für diese Trends oder Themen entscheiden? Die Antwort liegt in der gleichen Interpretation der Kunstgeschichte, die durch die Auswahl von fünf thematischen Werken von Artmajeur-Malern veranschaulicht wird. Diese werden beschrieben und analysiert, bis wir den Grund finden, warum sie äußerst beliebt sind. Beginnen wir damit, der angekündigten Reihenfolge zu folgen, uns einem Pop-Gemälde zu widmen und dann mit dem Rest fortzufahren ...

Pop-Art

RECYCLED LENIN #10 (2024) Gemälde von Oleksandr Balbyshev

Beschreibung des Kunstwerks: Der Maler und Bildhauer Oleksandr Balbyshev hat ein Lenin-Porträt aus der Sowjetzeit verwendet, das er durch Übermalen modifiziert hat. Tatsächlich ist das Gesicht des Politikers nur von der Nase aufwärts erkennbar, da die unteren Teile vollständig mit orangefarbener Farbe bedeckt sind. Allerdings wurden auch die sichtbaren Teile der dargestellten Figur neu interpretiert, da sie bunte Kreise beherbergen, die nur dort angeordnet sind, wo seine Figur sichtbar ist. Die Ernsthaftigkeit des Themas nimmt ab, da die Modifikationen recht lebendig, fröhlich und ironisch wirken und dazu neigen, jede potenzielle politische Botschaft, auf die die abgebildete Figur anspielen könnte, zu trivialisieren.

Warum ist es Pop-Art? Pop-Art, eine Bewegung der späten 1950er und frühen 1960er Jahre, ist dafür bekannt, die traditionelle Kunst herauszufordern, indem sie Bilder aus der Pop- und Massenkultur in ihre Sprache integriert, etwa aus Werbung, Massenmedien, dem Sternensystem, Comics und alltäglichen Kulturgegenständen. Ziel war es, die Grenzen zwischen „hoher“ Kunst und „niedriger“ Kultur zu verwischen, um zu suggerieren, dass es keine Hierarchie gibt und dass Kunst aus jeder Quelle Inspiration schöpfen kann. Einer der charakteristischen Aspekte der Pop-Art ist die Verwendung von Bildern berühmter Persönlichkeiten, die in ikonische Figuren verwandelt wurden, idolartige Motive, die die Faszination der Bewegung für Ruhm, Konsum und Personenkult widerspiegeln können. Andy Warhol, vielleicht der berühmteste Künstler, der mit diesem Aspekt der Pop-Art in Verbindung gebracht wird, ist für seine Siebdruckgemälde berühmter Persönlichkeiten bekannt, darunter unter anderem Marilyn Monroe, Elvis Presley und Elizabeth Taylor. Warhols Technik bestand darin, dasselbe Bild mehrmals zu wiederholen, oft mit unterschiedlichen Farbschemata, was nicht nur die Kommerzialisierung des Individuums betonte, sondern auch die Natur des Ruhms und die Rolle der Medien bei seiner Entstehung reflektierte. Sein Ansatz dekonstruierte das Konzept der Berühmtheit und präsentierte diese Figuren als Konsumgüter für die Öffentlichkeit. Was hat also Oleksandr Balbyshevs Lenin damit zu tun? Ähnlich wie Schauspieler und Sänger, die dieselben Ziele verfolgten, stellte Warhol auch viele Politiker dar, darunter Richard Nixon, Mao Zedong, John F. Kennedy, Königin Elizabeth II. und Ronald Reagan. Anhand von Medienbildern als Grundlage für diese Porträts beleuchtete Warhol die Wechselwirkung zwischen Politik, medialer Repräsentation und öffentlicher Wahrnehmung. Es ist jedoch wichtig, einige Unterschiede zwischen Andys Ansatz und dem des Artmajeur-Künstlers zu klären. Während Ersterer die Verwandlung von Charakteren seiner Zeit in Mythen vorschlägt, spricht Letzterer von einer Figur, die bereits hoch gefeiert wurde. Diese Tatsache bedeutet, dass es nicht mehr die Kunst ist, die jemanden zur Ikone wählt, da das dargestellte Subjekt bereits ewigen Ruhm erlangt hat. Obwohl Lenins Figur in Balbyshevs künstlerischen Forschungen zwanghaft auftaucht, spielt sie schließlich nicht auf die mechanisierte Produktion an, da sie in klar differenzierten Werken, die von der Malerei bis zur Skulptur reichen, sowie aus mehreren einzigartigen und innovativen Perspektiven dargestellt wird.

Warum ist Pop-Art bei Sammlern beliebt? Es ist ganz einfach: Was uns anzieht, ähnelt uns, was uns gefällt, ist für uns leicht verständlich. Es liegt also auf der Hand, dass die Pop-Art die bis heute vorherrschende Kultur des Massenkonsums, der Medien, der Werbung und der Berühmtheiten widerspiegelt und kritisiert. Tatsächlich wird die heutige Welt buchstäblich mit Konsumgütern, Markenbildern und noch allgegenwärtigeren Medien überschwemmt als zuvor, so dass Social-Media-Plattformen, 24-Stunden-Nachrichtenzyklen und digitale Werbung einen unaufhörlichen Fluss geschaffen haben. Dieser aus Figuren und Botschaften bestehende Fluss ist bereit, die Medienbilder, die die frühen Künstler der Pop-Art inspirierten, noch zwanghafter und frenetischer hervorzurufen. Ein weiterer Aspekt, der für Sammler von großer Anziehungskraft ist, ist die Ästhetik lebendiger Farben und kräftiger Linien, bereichert durch eine stets zugängliche und sofort erkennbare Ikonographie. Darüber hinaus kann auch der ironische und satirische Aspekt erwähnt werden, der in der Lage ist, dem Betrachter eine Interpretation der Realität zu liefern, die angesichts der Weiterentwicklung des Konsumismus und der Medienkontexte relevant bleibt. Schließlich bleibt die Sichtweise der Bewegung aufgrund ihres unveränderten Wertes innerhalb der künstlerischen historischen Erzählung beliebt, da Pop-Art ein disruptiver Trend war, der hinterfragte, worum es in der Kunst gehen könnte, wie sie gemacht werden könnte und für wen.

Straßenkunst

RENAISSANCE 2 (2023) Gemälde von Kassim Baudry

Beschreibung des Kunstwerks: Kassim Baudry bereitete den Hintergrund seiner Leinwand vor, indem er sie schwarz färbte, dann nahm er eine Sprühdose, um zwanghaft das Wort „ART“ darauf zu reproduzieren, manchmal „ausgeschnitten“ und „reduziert“ auf „RT“. Dieser in den Farben Rot, Blau oder Creme gehaltene Text wird oft durch die Präsenz eines uns bekannten Bildes, das mit der Schablonentechnik erstellt wurde, unterbrochen oder vielmehr verborgen. Ich beziehe mich auf die heilige Figur der Jungfrau Maria, deren Anwesenheit in diesem Zusammenhang durch die Worte des Künstlers gerechtfertigt wird: „Das Werk vermischt religiöse Ikonographie und urbane Kunst und bietet einen starken Kontrast zwischen Klassizismus, der Gelassenheit der weiblichen Figur und dem Wilden.“ Seite von Graffiti. Warum gehört die Madonna, auch wenn sie in einer zeitgenössischen Tonart umgedeutet wird, immer einer älteren Sprache an? Die Art und Weise, wie sie sich auf dem Träger präsentiert, reproduziert wirkungsvoll einprägsame Beispiele der Kunstgeschichte, wie sie beispielsweise von Sassoferrato, Leonardo da Vinci oder Raffael geschaffen wurden. Insbesondere die Gewänder, mit denen Baudry die Jungfrau bedeckt hat, erinnern an die betende Madonna des ersten Malers, während der nach unten gerichtete Blick der Frau an die Madonna mit der Nelke und die Madonna mit dem Stieglitz der beiden anderen Meister erinnert. Aber warum schaut die Jungfrau nach unten? In Wirklichkeit ist sie, wenn sie ihre Aufmerksamkeit nicht auf den Betrachter oder nach oben richtet, ganz auf die Beobachtung ihres Sohnes konzentriert, der im Werk des Artmajeur-Künstlers abwesend ist.

Warum ist es Street Art? Street Art ist eine expansive und dynamische Kunstform, die weltweit urbane Landschaften verändert hat. Street Art entstand aus der Graffiti-Bewegung und gewann im späten 20. Jahrhundert an Bedeutung. Sie umfasst eine Vielzahl von Techniken, Medien und Themen und zeichnet sich oft durch ihre öffentliche Zugänglichkeit und Einbindung in soziale und politische Themen aus. Künstler dieser Kunstform verwenden verschiedene Techniken und Materialien, darunter Sprühfarbe, Schablonen, Aufkleber, Poster und Installationen. Diese Ausführungsarten ermöglichen eine schnelle und oft temporäre Schaffung von Werken, was in einem städtischen Umfeld, das sich ständig im Wandel befindet, von entscheidender Bedeutung ist. Street Art befasst sich mit einem breiten Themenspektrum, von Menschenrechten bis zu sozialer Gerechtigkeit, von Umwelt bis Politik. Viele Arbeiten reflektieren aktuelle Themen und wollen zum Nachdenken und zur Debatte anregen. Einige Künstler, wie Banksy, sind für ihren kritischen und satirischen Ansatz bekannt, der soziale und politische Normen in Frage stellt. Wie gerade beschrieben, erkennen wir mehrere Aspekte von Kassim Baudrys Renaissance 2, die auf technische und thematische Besonderheiten abzielen, von Graffiti über die oben genannten Schablonen bis hin zur Jungfrau Maria. Es ist nicht das erste Mal, dass sich Straßenkunst in einem religiösen Kontext ausdrückt, wie die in Rom verstreuten Werke von Maupal beweisen, die darauf abzielen, den Papst als Superhelden zu verewigen, oder Banksys berühmte Krippe mit dem Titel „Die Narbe von Bethlehem“. Das Ziel ist immer dasselbe: zu zeigen, wie Street Art als Plattform für die Hinterfragung und Kritik religiöser Überzeugungen und Institutionen dienen kann. Durch die Aneignung religiöser Symbole und Motive treten Straßenkünstler in einen Dialog über die Rolle der Religion in der heutigen Gesellschaft und thematisieren Fragen von Macht, Moral und sozialer Gerechtigkeit. Der subversive Charakter der Straßenkunst ermöglicht den Ausdruck abweichender Stimmen und alternativer Perspektiven und trägt so zu laufenden Debatten über Glauben, Spiritualität und den menschlichen Zustand bei. Daher könnte dieser Kontext dazu führen, dass wir Kassim Baudrys Jungfrau mit neuen Augen betrachten und sie als die transgressivste Version der Madonna interpretieren, der Beschützerin aller Straßenkünstler weltweit.

Warum ist Street Art bei Sammlern beliebt? Street Art erfreut sich bei Sammlern aus mehreren Gründen immer größerer Beliebtheit, angefangen vom Aufstieg prominenter Künstler wie Banksy bis hin zu den provokanten und zeitgenössischen Themen, die sie behandelt. In erster Linie hat das Aufkommen berühmter urbaner Künstler zweifellos zum Erfolg der Straßenkunst bei Sammlern beigetragen: Banksy hat mit seinen subversiven und zum Nachdenken anregenden Werken große Anerkennung gefunden, und seine Anonymität gepaart mit seinen kühnen Aussagen zu sozialen Themen , hat ihn in den Status einer kulturellen Ikone erhoben. Generell ist die Tendenz der Straßenkunst, sich mit aktuellen sozialen, politischen und kulturellen Themen auseinanderzusetzen, besonders faszinierend, im Gegensatz zu traditionellen Kunstformen, die oft zu distanziert von der zeitgenössischen Realität wirken können. Themen wie soziale Gerechtigkeit, Umweltaktivismus, Identitätspolitik und städtisches Leben finden beim Publikum großen Anklang und veranlassen Sammler, nach Werken zu suchen, die ihre persönlichen Werte und Überzeugungen widerspiegeln. Darüber hinaus verstärkt der von Natur aus rebellische und antiinstitutionelle Charakter der Straßenkunst den Reiz dieses künstlerischen Ausdrucks, da Straßenkünstler häufig außerhalb der Grenzen der traditionellen Kunstwelt agieren und Galerien und Museen umgehen, um in städtischen Umgebungen direkt mit der Öffentlichkeit zu interagieren. Diese Herausforderung traditioneller künstlerischer Normen und institutioneller Grenzen verleiht der Straßenkunst ein Gefühl von Authentizität und Echtheit, das bei einem immer größer werdenden Publikum Anklang findet, das nach Werken sucht, die den Status quo in Frage stellen.

Abstrakte Kunst

KOMPOSITION 24. LICHT (2024) Gemälde von Sergiy Dekalyuk

Beschreibung des Kunstwerks: Nichts von dem, was wir sehen, kann uns zu einer direkten Konfrontation mit der Realität führen, außer wenn es mit der Erfahrung des Zeichens verbunden ist. Denken Sie an Sergiy Dekalyuk, der auf der Grundlage des Lichts der Komposition 24 malt und „kritzelt“, um Zufälligkeit, Genauigkeit, Berechnung und Spontaneität der Geste zu vereinen: All dies muss ein kohärentes, harmonisches und für das Auge angenehmes Ergebnis ergeben , ohne sich von der Schönheit der Realität inspirieren zu lassen. Das Ergebnis ist eine Komposition, die mich mal an Basquiats Graffiti und mal an die Beispiele von Willem de Kooning und Franz Kline erinnert, allesamt Vertreter des Abstrakten Expressionismus.

Warum ist es Abstrakter Expressionismus? Der abstrakte Expressionismus entstand Mitte des 20. Jahrhunderts, um den spontanen und gestischen Ausdruck und die Erforschung der inneren Psyche des Künstlers zu betonen. Im Kern lehnte der Abstrakte Expressionismus die Vorstellung von Kunst als bloße Darstellung der äußeren Realität ab und konzentrierte sich stattdessen auf die Vermittlung der inneren Erfahrungen, Emotionen und unbewussten Gedanken des Künstlers. Maler versuchten, ihre innere Unruhe, ihre Angst und ihre existenziellen Sorgen durch dynamische und ausdrucksstarke Pinselführung, kräftige Farben und ungegenständliche Formen auszudrücken. Die von Künstlern des Abstrakten Expressionismus verwendeten Techniken waren sehr unterschiedlich, umfassten jedoch häufig spontane Pinselstriche, Farbtropfen oder -gießen auf die Leinwand sowie die Verwendung unkonventioneller Werkzeuge zur Manipulation der Farbe. Diese Methoden ermöglichten es ihnen, zutiefst persönliche und emotional aufgeladene Werke zu schaffen, die den kreativen Prozess ebenso in den Vordergrund stellten wie das Endprodukt. Was beschrieben wird, findet sich im Werk des oben erwähnten Artmajeur-Künstlers wieder, der ausschließlich auf der Grundlage seiner emotionalen und intuitiven Handschrift arbeitet, um seine subjektive Erfahrung hervorzuheben und die Inhalte seiner Psyche zu offenbaren und mit dem Betrachter zu teilen.

Warum ist abstrakte Kunst bei Sammlern beliebt? Der abstrakte Expressionismus ist eine Form der abstrakten Kunst. Letzterer stellt einen von Sammlern weithin geschätzten Stil dar, da er von der Realität abweicht und daher außerhalb der anfälligeren temporären Moden des Figurativismus liegt. Somit betritt man ein Universum, in dem Farben und Markierungen die einzigen wichtigen Elemente sind und sich stets perfekt an die moderne und energiegeladene Einrichtung unserer modernen Häuser anpassen können. Diese Interpretations- und Ausdrucksfreiheit ermöglicht es Sammlern, Werke zu finden, die sich perfekt in ihre Umgebung integrieren und den häuslichen Räumen einen Hauch von Lebendigkeit und Dynamik verleihen. Darüber hinaus bietet die Abstraktion ein breites Spektrum an Interpretationen und Bedeutungen, sodass Sammler Gemälde finden können, die ihren persönlichen Geschmack vollständig widerspiegeln und ihre Fantasie und Kreativität anregen. Schließlich macht die Fähigkeit der Abstraktion, Emotionen und Empfindungen hervorzurufen, ohne dass bestimmte Objekte oder Szenen dargestellt werden müssen, sie für diejenigen attraktiv, die sich Kunstwerke wünschen, die sowohl den Geist als auch die Seele anregen und über die Oberflächlichkeit hinausgehen.

Porträtmalerei

VANESSA (2023) Gemälde von Adeline Dutel

Beschreibung: Porträts können mehr oder weniger getreue Darstellungen des Modells sein, aber in jedem Fall streben sie danach, dessen Wesen, Haltung und Innerlichkeit einzufangen, indem sie auf verschiedenen Trägern Gestalt annehmen und dabei die unterschiedlichsten Techniken und Stile respektieren. Im Fall von Vanessa hat Dutels Werk die Form eines „realistischen“ Porträts, dessen Umrisse ein weibliches Gesicht formen. Was über eine einfache figurative Erzählung hinausgeht, ist der Träger, auf dem die Frau dargestellt ist. Er besteht aus verschiedenen Papierschichten, die unregelmäßig erscheinen und das Aussehen einer Vielzahl dicht beieinander stehender Rosen annehmen. Diese Wahl wird in den eigenen Worten des Künstlers zu Artmajeur erklärt, der gesteht: „Ich arbeite gerne mit verschiedenen Medien; jedes Material hat seine eigene Geschichte, Tiefe und Einzigartigkeit. Diese Serie von Seidenpapierblumen ist besonders interessant wegen der Erleichterung, die sie mit sich bringt.“ auf das Gesicht und die unterschiedlichen Interpretationen des Porträts, je nachdem, von wo aus man es betrachtet.

Warum sind Porträts bei Sammlern beliebt? Das Genre der Porträtmalerei erfreut sich bei Sammlern seit jeher großer Beliebtheit, und diese anhaltende Anziehungskraft ist auf die zeitlose Faszination für die Menschheit selbst zurückzuführen. Im Mittelpunkt des Porträts steht die Darstellung des Menschen – seines Wesens, seiner Emotionen und seiner Existenz. Für den Einzelnen bleibt die menschliche Form mit ihrer Komplexität und ihren Nuancen eine endlose Quelle von Intrigen und Interesse. Ganz gleich, ob sie einen flüchtigen Ausdruck der Freude, einen Moment der Selbstbeobachtung oder die Last angesammelter Erfahrungen einfangen, Porträts haben die Kraft, beim Betrachter Empathie, Verbundenheit und Kontemplation hervorzurufen. Es ist diese tiefe Verbindung zur menschlichen Erfahrung, die das Porträt für immer relevant und fesselnd macht. Tatsächlich haben Künstler aller Epochen seit der Antike versucht, die Essenz der Menschheit durch Porträts einzufangen und Einzelpersonen und ihre Geschichten für zukünftige Generationen zu verewigen. Wir können also behaupten: Solange die Menschheit existiert, wird die Kunst des Porträts weiterhin fesseln und inspirieren, als Spiegel unserer gemeinsamen Existenz dienen und der Schönheit und Komplexität des menschlichen Geistes Tribut zollen.

Landschaft

FALAISES DE SEVEN SISTERS, SUSSEX, UK (2023) Gemälde von Laurent Gilbert

Beschreibung: Gilberts Landschaft zeigt eine Küste mit hohen Klippen, aber mit stark expressionistischen Farben, bereit, von der Realität abzuweichen, den Himmel mit Emotionen zu färben und ihn schwarz zu färben, während der Sand violett wird und das Meer blau bleibt. Dann greift der Titel des Werks ein, um uns wieder mit der Wahrheit zu verbinden und bereit zu enthüllen, was dargestellt wurde: Die sieben Schwestern, eine Reihe von Kreidefelsen mit Blick auf den Ärmelkanal, gelegen in den South Downs in East Sussex, zwischen den Städten Seaford und Eastbourne in Südengland. Sie erfreuen sich so großer Beliebtheit, dass sie bereits in Film- oder Fernsehproduktionen verwendet wurden, beispielsweise in „Die weißen Klippen von Dover“. Dennoch sind die Klippen von menschlichen Aktivitäten relativ unberührt geblieben und weisen eine kontinuierliche und völlig natürliche Erosion auf.

Warum sind Landschaften bei Sammlern beliebt? Ich denke zunächst an den Erfolg des Impressionismus, einer äußerst berühmten Strömung, die vor allem für ihre Landschaftsbilder bekannt ist, die von Malern geschaffen wurden, die im Freien malten. Daher kann ich auch davon ausgehen, dass viele Sammler das betreffende Genre gerade deshalb schätzen, weil sie sich Landschaftsmaler wie den bärtigen Monet vorstellen, die alle auf amüsante Weise darauf bedacht sind, die Natur im Freien, vielleicht sogar bei Regen oder Sturm, einzufangen. Ich füge dem eben Gesagten die ältesten romantischen Ideale hinzu, die darauf abzielen, in der Landschaftskunst Trost zu suchen, das heißt, ein Mittel, den Menschen mit der Schönheit und Erhabenheit der Natur in Berührung zu bringen. Hinzu kommt die dem Betrachter innewohnende Lust auf Abenteuer und Erkundung sowie der Wunsch, mit dem Pinsel vertraute Landschaften zu sehen, die Erinnerungen beherbergen können. So entstehen visuelle Erinnerungen an geliebte Orte, die auch als Gegenpol zur hektischen und urbanisierten Welt konzipiert sind, aus der uns die Kunst oft entkommen lässt.